La Biennale de São Paulo, à l'âge d'or, était le but ultime des artistes, principalement des peintres et des sculpteurs. Être récompensé lors d'une biennale internationale était le rêve. C'était l'époque de l'art, du patronage de Matarazzo jusqu'au début des années 1980. Ciccillo Matarazzo a littéralement créé la Biennale de São Paulo, et aussi littéralement, la dictature militaire a conduit à un déclin de 1965 à 1973, avec quelques artistes signant le Manifeste «Pas la Biennale» au Musée d'Art Moderne de Paris, en 1969.

C'était le rêve du passé, et quel est le rêve aujourd'hui? Bien sûr, participer à une biennale donne encore beaucoup de prestige, mais on peut le définir comme le but ultime d'une œuvre d'art, être dans un musée, ou être qualité muséale, jargon du monde de l'art académique. Le musée est la destination ultime pour les œuvres d'artistes validés. C'est une institution publique, maintenue par des fonds gouvernementaux ou des donateurs privés et des mainteneurs, et, tout comme Petrobrás «est à nous» pour les Brésiliens, le musée est devenu un lieu convivial, comme en témoigne la récente exposition de Tarsila do Amaral, à Masp.

Une distinction fondamentale entre les musées et les galeries est que ces dernières sont destinées à faire un profit pour leur propriétaire ou leur marchand, alors que les musées sont à but non lucratif, même s'ils sont encore plus commerciaux ou commercialisables; voir la boutique MOMA. Mais la plupart des musées font payer l'entrée tandis que les galeries sont gratuites. L'Association des marchands d'art des Amériques mentionne que les galeries de New York offrent la meilleure éducation gratuite en appréciation de l'art. Les expositions des anciennes galeries Colnaghi et Agnews de Londres rivalisent avec celles des musées.

Il est vrai que certaines galeries fonctionnent comme concessionnaires privés, et les visites sont fermées ou sur rendez-vous seulement, et, malgré l'immense progrès, ils ne rivalisent toujours pas avec les musées brésiliens. Mais le but de cet article est de valoriser leur travail. Revenir au rêve, pour un artiste débutant, un diplôme collégial en arts ou un Master en beaux-arts (MFA) est un bon moyen de réaliser quelque chose dans les galeries, d'abord avec des expositions collectives puis individuelles, étant l'acceptation commerciale de l'œuvre fondamentale pour avance.

Mais, une AMF est aujourd'hui une fortune, mis à part le coût de la vie à l'étranger. Et parfois, l'artiste aura de la chance s'il réussit avec son MFA à être l'un des assistants de Jeff Koons. Il existe plusieurs voies pour un artiste, de nos jours, la vente directe via Instagram est courante, même par des artistes confirmés. Il est également compliqué d'avoir à suivre un cours d'art, car beaucoup des plus grands maîtres sont autodidactes, et l'artiste développe souvent un travail et est satisfait de son art.

Enfin, les gens ont tendance à penser que le musée est le seul endroit pour les arts et qu'il est vraiment l'apogée de la plupart des artistes. Mais, ils sont touchés par des êtres humains comme nous, peut-être des candidats, peut-être nommés, ou peut-être simplement bien connectés. Dans le monde de l'art concurrentiel d'aujourd'hui, où les moyens de production et de diffusion se démocratisent, il y a aussi beaucoup de valeur à avoir son travail dans une galerie. En plus, visitez et connaissez les galeries qui travaillent avec des portes ouvertes.