1. Introdução

Pablo Picasso é, sem dúvida, um dos artistas mais renomados e influentes do século XX. Sua vida e obra são repletas de trajetórias fascinantes que cativaram o mundo da arte. Desde sua infância em Málaga, na Espanha, até sua consagração como um dos fundadores do movimento cubista, Picasso deixou um legado duradouro nas artes visuais. Este artigo explora a vida e obra de Picasso, suas obras mais famosas, onde vê-las em exposições e alguns fatos curiosos sobre o artista. Além disso, incluímos imagens de suas obras mais emblemáticas para apreciação visual. Acompanhe para conhecer mais sobre o cativante mundo de Pablo Picasso.

2. Quem foi Pablo Picasso?

Pablo Picasso foi um renomado artista espanhol nascido em 1881 e falecido em 1973. Ele foi um dos artistas mais influentes do século XX, deixando um legado duradouro nas artes visuais. Picasso é conhecido por seu estilo versátil e inovador, explorando diversas técnicas e estilos ao longo de sua extensa carreira.

Desde cedo, Picasso mostrou um talento excepcional para as artes. Ele começou a pintar aos sete anos e rapidamente se destacou entre seus contemporâneos. Picasso foi responsável por fundar o movimento cubista juntamente com Georges Braque, revolucionando a forma como a arte era concebida.

Ao longo de sua vida, Picasso produziu uma quantidade impressionante de obras de arte, incluindo pinturas, esculturas, cerâmicas, desenhos e gravuras. Suas obras mais famosas incluem “Les Demoiselles d’Avignon”, “Guernica” e “Les Meninas”.

Continue lendo para descobrir onde você pode ver suas obras e algumas histórias curiosas sobre esse excêntrico artista!

3. A trajetória de Picasso

Pablo Picasso teve uma trajetória artística singular, demonstrando talento desde cedo e alcançando grande reconhecimento ao longo de sua carreira. Ele passou por diferentes fases e estilos, experimentando e inovando constantemente.

No início de sua carreira, Picasso foi influenciado pelo período azul e rosa, retratando temas melancólicos e introspectivos. Em seguida, passou por uma fase africana, na qual explorava formas mais expressivas e primitivas. Mas foi com o movimento cubista que ele revolucionou a arte moderna, desconstruindo as formas e apresentando múltiplas perspectivas em suas obras.

Picasso foi um artista prolífico, produzindo uma vasta quantidade de obras ao longo de sua vida. Sua genialidade e originalidade fizeram dele um dos artistas mais importantes e influentes do século XX.

Descubra agora onde você pode encontrar algumas das obras mais famosas de Picasso e ainda mais histórias curiosas sobre esse artista multifacetado!

4. Onde ver suas obras

Embora as obras de Pablo Picasso estejam espalhadas por importantes museus e galerias de arte ao redor do mundo, há alguns locais específicos onde você pode apreciar suas obras mais famosas e emblemáticas.

Um dos lugares mais renomados para ver as obras de Picasso é o Museu Picasso, localizado em Barcelona, Espanha. O museu abriga uma extensa coleção de mais de 4.000 peças, incluindo pinturas, esculturas, desenhos e cerâmicas. Aqui, os visitantes podem explorar a evolução artística de Picasso, desde os primeiros anos até as suas últimas obras.

Outro lugar imperdível é o Museu Picasso, em Paris, França. Situado no pitoresco bairro de Marais, o museu é uma verdadeira homenagem ao artista. Com mais de 5.000 obras, incluindo rascunhos, pinturas e esculturas, os visitantes podem mergulhar na mente e na criatividade de Picasso.

Além desses museus, algumas das obras mais famosas de Picasso também podem ser encontradas em museus e coleções particulares ao redor do mundo. Se você está planejando uma viagem, certifique-se de incluir esses locais na sua lista de paradas obrigatórias!

No próximo tópico, vamos explorar algumas das obras mais famosas de Picasso e suas histórias por trás delas. Fique atento!

5. As obras mais famosas de Picasso

Picasso é conhecido por suas obras revolucionárias e icônicas que marcaram a história da arte. Nesta seção, vamos explorar algumas de suas obras mais famosas e as histórias por trás delas.

1. “Les Demoiselles d’Avignon” (1907) – Esta é uma das pinturas mais famosas de Picasso e um dos primeiros exemplos do movimento cubista. Ela retrata cinco prostitutas em um bordel em Barcelona, ​​e sua composição inovadora chocou o mundo da arte na época.

2. “Guernica” (1937) – Talvez a obra mais famosa de Picasso, “Guernica” é uma resposta aos horrores da Guerra Civil Espanhola. A pintura mostra o bombardeio da cidade basca de Guernica e sua devastação, simbolizando a crueldade da guerra e os sofrimentos humanos.

3. “A Mulher que Chora” (1937) – Esta pintura é uma expressão poderosa da dor e do sofrimento humano. Picasso retratou uma mulher chorando com o corpo distorcido e angustiado, tornando-a um símbolo duradouro de tristeza e angústia.

4. “Les Noces de Pierrette” (1905) – Essa obra-prima retrata uma garota em meio ao luto. A pintura é um exemplo brilhante do estilo azul de Picasso, caracterizado por uma paleta de cores frias e melancólicas.

Essas são apenas algumas das obras mais famosas de Picasso, cada uma com sua própria história intrigante e impactante. Fique ligado para descobrir mais sobre essas obras e suas curiosidades!

6. Histórias curiosas sobre Picasso

Além das suas obras icônicas, a vida de Picasso também é repleta de histórias curiosas que adicionam um elemento de fascínio à sua trajetória artística. Uma dessas histórias envolve a pintura “Les Demoiselles d’Avignon”. Quando Picasso mostrou a obra para seus amigos, um deles chamou-a de “coisa terrorista”. Apesar dessa reação inicial negativa, a pintura acabou se tornando uma das mais importantes da história da arte.

Outra história interessante é sobre a pintura “Guernica”. Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso foi abordado por um oficial nazista que, ao ver uma foto da pintura, perguntou: “Você fez isso?”, ao que Picasso respondeu: “Não, você”. Essa resposta demonstra a mensagem poderosa e política por trás da obra.

Essas são apenas duas das inúmeras histórias curiosas que cercam a vida e a obra de Picasso. Fique atento para aprender mais sobre essas intrigantes narrativas e para descobrir onde você pode ver suas obras em exposições e museus ao redor do mundo.

par Arthur Blade

Milhares de pessoas passeiam pelo Parque do Ibirapuera em São Paulo todos os dias, milhares vão fazer exercícios, levar seus cachorros, levar seus filhos, e muitas vezes nem notam a escultura da foto abaixo. Trata-se de uma cópia em bronze do grupo escultórico Laocoonte que está no Museu Pio-Clementino, no Vaticano, e que foi feita pelo Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. A estátua está lá desde 1954, quando o parque foi inaugurado.

Pois bem, pessoas passeiam pelo Ibirapuera, muitas até tiram selfies com o Laocoonte se dilacerando de dor, mas a imensa maioria nem faz ideia da grande aventura épica que está por trás desta escultura.

No princípio.

Caio Plínio Segundo (23 – 79), conhecido também como Plínio, o Velho, foi um naturalista romano. Ele é conhecido por ter escrito um grande tratado em 37 volumes chamado: História Natural. Nesta obra ele revela um elevadíssimo grau enciclopédico de conhecimento tratando das mais variadas ciências e artes até então em desenvolvimento. Em uma de suas passagens, no volume 36, ele relata:

“…É o caso do grupo Laocoonte, por exemplo, no palácio do imperador Tito, obra que pode ser considerada preferível a qualquer outra produção da arte da pintura ou da estatuária [de bronze]. É esculpido a partir de um único bloco, tanto a figura principal como as crianças, e as serpentes com suas maravilhosas dobras. Este grupo foi feito em conjunto por três artistas dos mais eminentes, Agesandro, Polidoro e Atenodoro, nativos de Rodes.”

Esta referência era tudo que os estudiosos e artistas da época de Michelangelo dispunham acerca desta estátua. Plínio não relata a época em que foi feita nem tampouco quem a encomendou. Por cerca de 1400 anos o nome Laocoonte ,vinculado ao grupo escultórico, simplesmente desapareceu da história, até que…

1506 – o ano da descoberta de um ícone

No dia 14 de janeiro de 1506, o romano Felice de Fredi, proprietário de um vinhedo próximo das antigas Termas de Tito, ao escavar suas terras para plantio, encontra uma estátua. Nessa época, o auge do Renascimento, a escultura clássica era enormementevalorizada, Felice imediatamente manda chamar Giuliano de Sangallo, arquiteto do Papa Júlio II e principal autoridade em se tratando de antiguidades e sua autenticidade.

É nesse momento que ocorre uma das grandes coincidências da história, quando Giuliano é avisado, em pleno almoço, adivinhem quem estava em sua companhia? Sim, Michelangelo era seu convidado para o almoço daquele dia. Eles então partem em direção ao local da descoberta. Junto deles estava o filho de 11 anos de Giuliano, Francesco da Sangallo, que se tornaria escultor e, sessenta anos depois, iria narrar o evento:

“… Então ele partiu imediatamente. Visto que Michelangelo Buonarroti sempre podia ser encontrado em nossa casa, pois fora contratado para o túmulo do Papa Júlio II, meu pai quis que ele também fosse. Juntei-me ao meu pai e lá fomos nós. Eu desci até onde as estátuas estavam quando imediatamente meu pai disse:“Esse é o Laocoonte, que Plínio menciona.”

No terreno que foi então largamente escavado, encontraram várias partes do conjunto escultórico, as quais podem ser vistas na foto abaixo:

O Papa Júlio II, um classicista apaixonado.

O valor de uma autêntica antiguidade era altíssimo. O Papa Júlio II, grande admirador da cultura clássica, imediatamente a comprou pela quantia de 4.140 ducados, Felice de Fredi ainda recebeu uma pensão vitalícia de 600 ducados por ano e, ao morrer, em sua lápide é mencionada sua descoberta.

Uma estátua enigmática como uma esfinge.

Como se pode ver, algumas partes estavam faltando. O próprio braço direito de Laocoonte estava ausente, além da mão de um dos filhos e do braço direito do outro, bem como algumas partes das cobras.

Na época, os artistas e demais autoridades debateram sobre como seriam as partes faltantes para se fazer uma reconstituição. Michelangelo sugeriu que o braço direito de Laocoonte estaria virado para trás. Já a imensa maioria, entre eles o próprio Rafael, acreditava que o braço estaria esticado em sinal de grande heroísmo. Em 1510, Bramante, arquiteto do Papa, organiza uma votação entre os principais artistas para decidir se o braço direito está estendido ou inclinado para trás. O primeiro vence e uma cópia é assim feita restabelecendo-se aquelas que seriam as partes faltantes. A gravuraabaixo, de Marco Dente, de cerca de 1515-27, reflete o conjunto sem os acréscimos.

Já nesta outra gravura de Nicolas Béatrizet, de cerca de 1535- 65, constam os acréscimos que se acreditavam existir na obra original, ou que, pelo menos, se aproximavam daquilo que seria a obra primeira:

O impossível acontece

Em 1906 acontece algo que seria absolutamente impossível. Algo que qualquer um, com o mínimo senso de probabilidade, diria ser mais difícil do que ganhar na loteria. Pois bem, em 1906, o arqueólogo e negociante de arte, Ludwig Pollack, entra para a História da Arte como aquele que encontrou o braço direito de Laocoonte. Ele achou o fragmento de braço no terreno de uma construtora perto de onde foram encontradas as partes principais da obra.

Não há detalhes sobre como ele achou esta parte da estátua, o fato que se agrega às improbabilidades é Pollack ter percebido que poderia ser o braço de Laocoonte, numa época em que este assunto estava mais que encerrado. Ou seja, 400 anos após a descoberta do grupo principal, o braço é achado. Mas precisava de análise, ele então doou ao Vaticano para que fosse restabelecido o estudo.

Quatrocentos anos se passaram. 1506 – 1906

Nesses 400 anos, a escultura já havia passado por uma verdadeira saga, já sofrera algumas restaurações, por conta das invasões napoleônicas foi levada para o Louvre como espólio do saque, depois, com a perda da Batalha de Waterloo, voltou para a Itália e, no começo do Séc. XX, estava apresentava-se restaurada e com as partes faltantes acrescentadas à obra original. Então não bastava apenas colocar o braço de Pollack ao lado da escultura original, para ver se era mesmo o braço direito de Laocoonte.

E lá se vão mais 50 anos

Foi somente em 1957 que a direção dos Museus do Vaticano decidiu agregar o braço ao tronco de Laocoonte. Na próxima foto pode-se ver que se encaixam perfeitamente e que a conservação do braço sofreu a ação dos 400 anos que o separaram da obra a que pertencia.

E é por isso que a réplica do Parque do Ibirapuera está com o braço estendido, porque foi feita antes de 1957. E foi somente na década de 1980 que as partes adicionadas foram totalmente removidas e assim a estátua ficou como está agora, só com as partes originais:

A grande dúvida

Nas entrelinhas das biografias de Michelangelo, há quem sustente que foi ele que esculpiu o conjunto escultórico Laocoonte, e que, com seu amigo, Felice de Fredi, combinou de o enterrar, fazer passar a obra por antiguidade, e assim, obter uma grande soma com a venda ao Papa Júlio II que, com certeza, a compraria.

As coincidências não são poucas nem pequenas. Michelangelo estava almoçando com Giuliano da Sangallo quando a notícia da descoberta da escultura apareceu e ele pode ser um dos primeiros a chegar ao local. Depois, quando todos os maiores artistas da época achavam que o braço não encontrado estaria estendido, Michelangelo se levanta e diz que estaria virado para trás, e 450 anos depois percebemos que estava certíssimo.

O Cupido Adormecido

Um outro fato corrobora essa hipótese. Há uma pequena estátua de Cupido Adormecido, que hoje está perdida, esculpida por Michelangelo em 1496, só que ele a envelheceu para passar por antiguidade e a vendeu a um traficante de arte que, por sua vez, vendeu ao Cardeal Riario de San Giorgio. Quando a fraude foi descoberta, o Cardeal não só quis continuar com a estátua como convidou Michelangelo para ir a Roma, onde teria suas primeiras encomendas daquelas que seriam grandes obras-primas da humanidade. Ele estava com 21 anos e essa pequena falsificação, esse fazer uma estátua se passar por antiguidade utilizando-se de artifícios como enterrar para dar aparência de envelhecida, tratar com pequenos arranhões, produzir pequenas partes quebradas, pode ter feito toda a diferença para ele se projetar no universo artístico da época.

A minha própria versão

Laocoonte por Arthur Blade

Michelangelo, por volta de 1506, já era considerado “il divino” por esculturas como Baco, Pietá e David, sua fama já era notória, nãoprecisaria de dinheiro para se manter, nem muito menos, se tivesseesculpido ele mesmo o grupo Laocoonte, deixaria de mostrar seutalento falando a todos que foi o autor.

Então o que pode ter acontecido?

E é aqui que entra minha própria versão da história.

Michelangelo conhecia a descrição do grupo escultórico Laocoontefeita por Plínio, com certeza teria ficado com isso em mente e logo começaria a conceber como teria sido esta estátua. Michelangelo então, em segredo, começa a esculpir aquela que seria sua primeira composição com três personagens, um verdadeiro virtuosismo em um único bloco de mármore.

No entanto, algo inevitável acontece, quando a obra está terminada, quando está nos pormenores de polir as partes da estátua, uma minúscula fissura no mármore e… e uma parte da obra acidentalmente se quebra. Isso o destrói completamente, jamais ficaria com uma obra que, mesmo bem remendada, não o satisfaria pessoalmente. Ele também sabia que seus inimigos iriam se valer desse detalhe para o caluniar. Além disso, já não seria mais uma estátua concebida em um único bloco de mármore como Plínio tanto enfatizou. Tudo estava acabado.

Ele então elabora um plano audacioso com seu amigo Felice de Fredi, pede para ele quebrar a estátua em algumas partes (Michelangelo jamais conseguiria quebrar ele mesmo uma obra-prima da humanidade), depois desaparecem com algumas pequenas partes, fazem alguns arranhões, envelhecem da melhor maneira possível e enterram no vinhedo de Felice. A continuação da história já sabemos.

A verdade ainda está por ser desenterrada.

A posição dos críticos ainda é controversa, alguns ainda creem que Laocoonte é a estátua grega original com datação incerta; outros dizem ser uma cópia de uma estátua grega em bronze do séc.II a.C. que não chegou até nós; há também quem diga que não se trata de um único bloco de mármore, enfim, a verdade permanecerá pra sempre enterrada.

Michelangelo, o maior gênio falsificador da História da Arte

A minha versão é absolutamente plausível, mármore é um material que se quebra facilmente, Michelangelo, com seu temperamento forte, pode muito bem ter seguido os passos que mencionei.

E se isso realmente aconteceu, Michelangelo nos presenteou com obras-primas geniais como a Pietá, David, o teto da Capela Sistina, o Afresco do Juízo Final, o Moisés e… aquela que é a obraprima máxima da estatuária grega, o conjunto escultórico do Laocoonte. E do alto de toda sua genialidade, Michelangelo sorri por ter convencido a todos que Laocoonte é uma estátua grega, ele se igualou até mesmo aos gregos.

Michelangelo, o maior gênio falsificador da História da Arte.

PorArthur Blade

La peste bubonique, qui s'est produite principalement en Europe au Moyen Âge, et a duré jusqu'au 19e siècle, a beaucoup influencé la société. Il a précédé la Renaissance et a des références à la fois dans Comédie divine, par Dante, comme Décaméronpar Giovanni Bocaccio. Mais, peut-être le plus grand impact a été sur la religion, qui a subi un net déclin, car les gens ne pouvaient pas être sauvés par l'Église et interprété la peste comme un châtiment divin.

Actuellement, avec Covid-19, de la manière douce qu'il atteint le Brésil, pour l'instant, 11 mille cas jusqu'à aujourd'hui, beaucoup l'interprètent comme un cadeau, en ce sens que Dieu nous guiderait pour valoriser la vie de famille, la nature, ou peut-être nous punir pour les directions matérialistes, égoïstes et insensibles que la société a prises. Ou même pour la libidinosité qui prédomine dans notre société, la banalisation totale des relations interpersonnelles.

Mais depuis que le virus est apparu, j'ai suivi et essayé de me souvenir de certaines références cinématographiques. Quelque chose avait déjà montré à quel point un virus serait catastrophique, et ce n'était pas un cadeau ...

Dans 12 singes, Bruce Willis est envoyé du futur pour chercher des informations sur la guérison d'un virus qui a éteint la population humaine en 1996. Contagion, de Steven Soderbergh est l'un des films les plus regardés après Covid-19, mais il a été inspiré par SRAS.

Ce n'était pas encore ce que je cherchais, il y avait une autre référence que j'oublierais ... Tom Hanks et sa femme ont attrapé le virus en Australie et je me suis souvenu que l'un des films du Dr Robert Langdon traitait peut-être d'un fléau biologique. Oui, dans Enfer, D'après le livre de Dan Brown, un milliardaire excentrique implique le contrôle de la population et décide de créer un virus dans un laboratoire. Il appartient à Langdon d'empêcher l'utilisation d'armes biologiques dans le monde. Le film commence à Florence, en Italie, l'un des endroits les plus touchés par l'épidémie actuelle.

Les références à l'Enfer de Dante sont très présentes dans le film et la différence est qu'en réalité, le virus ne semble pas avoir été l'œuvre d'humains, mais plutôt un accident sur un marché chinois.

L'objectif principal de ce texte est d'indiquer quelques options culturelles pour ceux qui sont à la maison en quarantaine, et d'apporter cette indication du film Inferno, et du livre, bien sûr. J'ai beaucoup lu sur Covid-19 et je n'ai vu personne parler de ce film.

Aussi, avec ces indications, donnez à chacun la possibilité de remettre en question l'origine du virus. Parce que, dans le film, il est dit que les gouvernements seraient toujours intéressés par les armes biologiques. Et pourquoi pas, un milliardaire excentrique? Rappelant qu '«un homme sage conditionne ses croyances à l'évidence», comme l'a dit David Hume

Eh bien, j'espère que cela vous plaira, et si vous prenez soin de vous, le virus est dangereux pour nous tous et nous devons suivre les recommandations de soins et d'hygiène qui nous sont transmises.

Paris, une ville si spéciale pour l'art, le rêve de tout artiste. L'exposition intitulée Salon International D'Art Contemporain Carrousel du Louvre se tient dans une luxueuse galerie commerciale située dans le célèbre musée du Louvre. Dans cet espace, il y a des expositions avec des œuvres de peinture, de photographie et d'autres formes d'expression artistique contemporaine, permettant l'échange d'expériences entre des artistes exposants de différentes parties du monde. Pour cette exposition internationale, j'ai peint le tableau «Praia das Moças em Buzios» - AST - dimensions: 50 x 70 cm, le même étant attribué dans la modalité Créativité. 

Ce mois d'août a eu l'incroyable exposition de Doris Homann à Ligia Testa Espaço de Arte. Certaines œuvres sont ici chez SmartGallery et j'ai personnellement beaucoup aimé DH 19 et DH 9. Ce sont des toiles très fortes, étant donné l'histoire et la vie de Doris:

• DH 19

• DH 09

Octobre il y aura une exposition de Egas Francisco à Joh Mabe Espaço Arte e Cultura, organisé par Ligia Testa. Egas a visité le bureau la semaine dernière et c'est une personne fascinante, plus tard, nous ferons une interview avec lui. Son exposition est le résultat de séances de thérapie avec le Dr Isac Karniol. Egas cherche à faire de son art, absolument spontané, le invisible dans visible. J'ai reçu un exemplaire signé du livre Palimpsesto Mágico, et je recommande, outre les peintures d'Egas, le texte est très bon.

Les autres points forts sont les Francisco Gonzales et Décio Soncini, qui a récemment exposé à Joh Mabe Espaço e Cultura et a maintenant ses œuvres ici sur le site. Il y a des écrans de mesures réduites avec une excellente valeur, qui valent le détour.

• Décio Soncini - O Vento (Le vent)

• Francisco Gonzales - Le ciel de l'aquarium

• Francisco Gonzales - Le désir de voler

• Décio Soncini - Impressions noir et blanc

Aussi 3 nouveaux artistes ont rejoint SmartGallery et je vous recommande de consulter leurs œuvres, Carlos Lorenzo, Cristiano Chaussard et Landrou Sá

• Sphère parfaite

• Carlos Lorenzo - Fécondation

• Landrou Sá

Ceci est la mise à jour d'août, jusqu'à la prochaine fois.

Je courais dans le parc ... Avec des écouteurs et de la musique de transe à l'oreille, j'ai entendu un groupe de filles parler des Moldus à SmartGallery. Délire? Je ne sais pas, je pensais que c'était bien ... Parlez mal, mais parlez de moi? Mais mon gourou du marketing a rapidement mis un point d'honneur à télécharger une vidéo sur la façon dont les marques les plus vendues sont appréciées et bien parlées par le public, et du coup, ce n'était plus bon. Mais réellement? Des Moldus de SmartGallery? C'est moi qui écris ici, mes partenaires, j'espère, j'approuve… Mon souhait était de retourner là-bas et de demander si j'entendais cela.

Dans le même temps, nous avons prévu d'acheter de l'art… Pour composer une collection, etc. Et Trump là-bas, descendant le bois, causant. Et moi, et si quelque chose se passe ?? Cet argent ne sera-t-il pas nécessaire? Pour un tableau, lequel sera sur le mur? Et mon grand-père, disait-il toujours, que les gens voyaient des photos et ne les valorisaient pas, mais s'il s'agissait d'une valise de dollars ou d'une voiture, l'attitude était différente. Et je ne veux pas être celui qui n'apprécie pas l'art, mais pour ceux qui, en théorie, ont toujours eu de l'art, c'est difficile à évaluer.

Bien sûr, l'histoire n'est pas sans fin ici. Si acheter de l'art aujourd'hui semble être une idée absurde, néfaste, abominable et indicible, c'est peut-être le moment d'acheter de l'art. Car, d'après mon expérience, tout bien n'est pas à son point d'achat au moment où tout le monde veut acheter. Si, même pour moi, que je profite des mouvements du marché de l'art, acheter de l'art aujourd'hui est quelque chose de menaçant, c'est peut-être le moment d'acheter de l'art.

Quel art? Alors je n'ose pas juger ... Mais pensez à quelque chose ... Que le marché brésilien n'est pas ce genre de chose, et peut-être que vous, en fait, serez avec art X pendant plusieurs années. Oubliez l'argent ... Pensez au mérite, à l'appréciation, oubliez ce que vous pourriez gagner en actions ou en dollars en une journée. Si vous allez acheter de l'art, supposez que l'argent y restera pendant quelques années, et tout comme il est presque impossible de savoir quel actif ou stock va augmenter le plus, votre art n'est probablement pas le gagnant. L'important est que vous le pensiez.

C'est le point le plus important, aimer l'art, avoir une empathie pour l'œuvre ... Parce que ce sera une photo suspendue, comme une entreprise sous-estimée, dans la plupart des cas. Mais approuvé, peut-être, par les Moldus de SmartGallery. Et, qui sait, ayez un avenir, en plus de décorer votre mur.

Nasci no meio da arte. Desde pequeno via os quadros do meu avô, Manabu Mabe, ficava o dia inteiro em seu ateliê, e, mais para a frente, não desgrudava do meu tio, que também pinta. Meu pai desde sempre tem galeria, e eu não só frequentava muitas exposições, como também ia a Bienal, que era um super evento, e fazia aulas de pintura, com minha avó, minha irmã e meus primos. Meu avô tinha muitos pintores amigos e até mesmo alguns aprendizes. Essa era minha visão sobre arte, e tudo era muito grandioso.

Com o tempo, fui aprendendo que essa é a visão mais tradicional e romântica de arte. A que nós vemos em filmes e na televisão, do artista pintando sozinho em seu ateliê e muitas vezes se esforçando para viver de sua arte. Mas não é a única. É com muito desdém que ouço falar de artistas que não produzem suas obras eles mesmos, que têm equipes e pessoas contratadas para fazer seus projetos. Tanto que resolvi aprender sobre o assunto.

Viggo Mortensen em ‘Um Crime Perfeito’ (1998) – Warner Bros.

Não me surpreendendo tanto, descobri que a origem dos art studios ocorreu na Renascença. Os pintores mais famosos tinham bottegas, que eram ateliês que eles tocavam e tinham uma equipe de aprendizes para auxiliá-los com as obras, muitas vezes encomendadas por patronos, ou mecenas. As bottegas (não confundir com as bodegas, palavra do espanhol para mercearias ou lojas de conveniência) tinham no máximo 16 pintores, que iam subindo conforme demonstravam seu talento ao mestre.

O grau de envolvimento do pintor chefe variava de acordo com a quantia que recebia do mecenas para a obra, e, como as pinturas eram, na maioria dos casos, à óleo, trabalhavam paralelamente em várias obras enquanto as telas secavam. Encomendar uma tela de um pintor famoso, na Renascença, não significava que o pintor pintaria a tela inteira sozinha, mas sim que a obra seria proveniente de seu ateliê, ou bottega.

Mais para frente, no século XIX, surgiu a École nationale supérieure des beuax-arts em 1816, na França, que desafiou o modelo renascentista ao promover as próprias exposições, chamadas de salons, que se tornaram os maiores eventos de arte do século ao apoiar, promover e criticar os desenvolvimentos artísticos.

Nos anos 60, Andy Warhol despontou, com a The Factory, que era seu art studio e salão de festas. Ficou conhecido pela produção em série de obras de arte, através do silk screen, e das festas que promovia, frequentadas por celebridades.

James Kavallines, New York World-Telegram and the Sun staff photographer [Public domain]

Hoje o mais conhecido talvez seja Jeff Koons, que literalmente conta com 100 funcionários que recebem um salário bem baixo, e produzem as obras que idealiza. O seu papel se assimila mais ao de um arquiteto, que projeta a obra. Curioso sobre Koons, encontrei uma descrição sobre seu processo. Ele faz colagens no Photoshop e sua equipe reproduz a colagem, minuciosamente, através de pincéis de ponta pequena em telas em escala maior. Com certeza vocês já viram colagens de outros artistas no Instagram, e o precursor sem dúvida é Koons.

Koons tem o trabalho de idealizar a obra, fazer a composição, com equilibro e balanço de cores e arranjar as imagens. Com sua equipe, os resultados são impressionantes, algumas telas na verdade parecem fotos. Que atire a primeira pedra quem nunca se impressionou com uma colagem, agora imagine que as colagens de Koons não são simples colagens, são telas pintadas a óleo.

“” by Annie Guilloret is licensed under CC BY-NC-ND 2.0 

Mas, não são pintadas, nem esculpidas por ele. Na Renascença, os pintores, além de fazerem o acabamento das obras, eram responsáveis pelas partes mais difíceis, as faces e as mãos. E é este, exatamente, o questionamento desse texto. Se a arte caminha para os rumos da publicidade; antigamente as agências contavam com alguns gênios, que criavam as frases de efeito, slogans e idealizavam as campanhas, ao passo que hoje são megacorporações que trabalham em sintonia, mas não mais apoiadas em um publicitário.

Para a maioria, é como se um jogador de futebol não jogasse ele mesmo, ou colocasse outro para jogar, ou montasse um time. Ou a nossa reação ao descobrir que James Bond, Os Três Mosqueteiros e o Conde de Monte Cristo, foram escritos por ghost writers. No caso desses, o autor do livro tem a idéia e o ghost writer traduz essa idéia para um trabalho completo, normalmente, com uma cláusula de confidencialidade. Na música também é comum o ghost writing.

A ideia de arte e artista que prevaleceu, originou-se do livro ‘A Vida dos Artistas’, de Giorgio Vasari, escrito em 1550, que propôs que a obra de arte é a expressão completa de uma única mente e mão. Apesar de não tirar os méritos e reconhecer que os trabalhos finalizados de artistas como Jeff Koons são impressionantes, eu, que pinto nas horas vagas, chain smoking e tudo o mais, sou adepto da visão romântica de arte. Pois, a tendência das coisas tomarem dimensões grandes demais, e se desvirtuarem, é muito alta. Mantenhamos os artistas, artistas, e os publicitários, publicitários…

Pensava sobre o que escrever neste artigo inaugural do blog da SmartGallery e vieram algumas ideias. Desde como começar uma coleção de arte até como analisar os fatores que influenciam a precificação dela. Pesquisando, devaneei para a distinção entre preço e valor, velho chavão prescrito por Oscar Wilde. E terminei escolhendo o tema da subjetividade na arte e como auferir objetividade em sua valoração.

Arte é uma ciência humana, no geral, mas não necessariamente, por essa razão, subjetiva. Em  pesquisa, coletei várias interpretações. De um galerista especializado em hiper-realismo, que argumenta que as pessoas não compram Basquiat porque gostam do que veem, e que é tudo uma grande distorção, até o crítico Jerry Saltz, que defende a reinvenção da habilidade e não atenta para a perfeição da técnica. Saltz defende que os maiores artistas contemporâneos da atualidade são autodidatas e que a boa arte se relaciona com o contexto do artista e condições atemporais. Outra de suas interessantes observações é que vivemos no mundo da Wikipedia e que seria um mundo de arte aberto. Observação que se contrapõe ao estereótipo de mundo da arte fechado e exclusivo, na verdade, uma interpretação mais realista. A arte e suas ferramentas, bem como sua propagação, estão mais acessíveis a seus produtores, mas o próprio Waltz argumenta que 75 artistas dominam os grandes leilões internacionais e as galerias líderes.

A subjetividade da arte conecta-se à valoração e precificação das obras pelo princípio da precificação hedonística da arte: aqui, discorre-se sobre o prazer ou a satisfação que a pessoa sente por conta da obra, bem como seus atributos estéticos, fator importante no preço pago.  Contrapondo-se às séries históricas que são a forma óbvia e habitual de precificar as obras dos grandes mestres.

Fatores econômicos tradicionais também influenciam os preços, mas existe uma ciência chamada Economia da Arte, que poucos conhecem e que tem alguns conceitos interessantes. Por exemplo, é notório que a maioria dos artistas estabelecidos tem valorização de 5% ao ano conforme envelhecem. Outra, obras revendidas que aparecem em leilão com frequência tem tendência à desvalorização a cada venda. Aqui a questão da oferta e demanda, se está sempre à venda, os colecionadores não se apressam em adquirir. Outra curiosidade é que o antigo dono da obra influencia muito em seu preço, e obras dadas como presentes pelos artistas são consideradas de menor valor pelo mercado. Mercado esse definido como esperto ou ‘smart’ por Saltz.

Continuando na Economia da Arte, os movimentos de arte são aceitos por nós mas nunca questionamos como funciona sua hierarquia. E, segundo os acadêmicos, funciona da seguinte forma: há os fundadores do movimento, que inventaram o estilo, e os seguidores, que são artistas menos conhecidos mas que aderiram ao movimento. Em relação aos movimentos e mesmo aos grandes mestres, todos são mais conhecidos por alguns objetos em comum nas suas principais obras, Dali com os relógios e sua esposa, Klimt por mulheres erotizadas e essa seria a segunda variável, sendo a primeira seus estilos principais. Obviamente, as obras mais valiosas desses artistas são as de seus estilos e objetos mais conhecidos.

Focando agora nos mercados locais, definidos pelos acadêmicos como competitivos e com oferta ilimitada, mas de maior interesse a nós que aspiramos iniciar uma coleção de arte, existem alguns fatores objetivos importantes na mensuração do potencial de valorização da arte, independentemente da valoração hedonística. Primeiramente, artistas que moram fora e/ou tem experiência internacional, tem maiores chances de se valorizarem. Voltando à Wikipedia de Saltz, o número de resultados de buscas no Google pelo nome do artista é um quesito objetivo na mensuração da propagação e notoriedade de seu trabalho, também se relacionando com o potencial de valorização. Por fim, remetendo a um interessante artigo do New York Times, que discorre sobre a profissão do artista e seus estereótipos, o artista dedica tempo e vida a seu trabalho, em boa parte dos casos, e precisa ser remunerado. Por qual valor? Aí fica a critério de nós, o inteligente mercado.