1. Introdução

Pablo Picasso é, sem dúvida, um dos artistas mais renomados e influentes do século XX. Sua vida e obra são repletas de trajetórias fascinantes que cativaram o mundo da arte. Desde sua infância em Málaga, na Espanha, até sua consagração como um dos fundadores do movimento cubista, Picasso deixou um legado duradouro nas artes visuais. Este artigo explora a vida e obra de Picasso, suas obras mais famosas, onde vê-las em exposições e alguns fatos curiosos sobre o artista. Além disso, incluímos imagens de suas obras mais emblemáticas para apreciação visual. Acompanhe para conhecer mais sobre o cativante mundo de Pablo Picasso.

2. Quem foi Pablo Picasso?

Pablo Picasso foi um renomado artista espanhol nascido em 1881 e falecido em 1973. Ele foi um dos artistas mais influentes do século XX, deixando um legado duradouro nas artes visuais. Picasso é conhecido por seu estilo versátil e inovador, explorando diversas técnicas e estilos ao longo de sua extensa carreira.

Desde cedo, Picasso mostrou um talento excepcional para as artes. Ele começou a pintar aos sete anos e rapidamente se destacou entre seus contemporâneos. Picasso foi responsável por fundar o movimento cubista juntamente com Georges Braque, revolucionando a forma como a arte era concebida.

Ao longo de sua vida, Picasso produziu uma quantidade impressionante de obras de arte, incluindo pinturas, esculturas, cerâmicas, desenhos e gravuras. Suas obras mais famosas incluem “Les Demoiselles d’Avignon”, “Guernica” e “Les Meninas”.

Continue lendo para descobrir onde você pode ver suas obras e algumas histórias curiosas sobre esse excêntrico artista!

3. A trajetória de Picasso

Pablo Picasso teve uma trajetória artística singular, demonstrando talento desde cedo e alcançando grande reconhecimento ao longo de sua carreira. Ele passou por diferentes fases e estilos, experimentando e inovando constantemente.

No início de sua carreira, Picasso foi influenciado pelo período azul e rosa, retratando temas melancólicos e introspectivos. Em seguida, passou por uma fase africana, na qual explorava formas mais expressivas e primitivas. Mas foi com o movimento cubista que ele revolucionou a arte moderna, desconstruindo as formas e apresentando múltiplas perspectivas em suas obras.

Picasso foi um artista prolífico, produzindo uma vasta quantidade de obras ao longo de sua vida. Sua genialidade e originalidade fizeram dele um dos artistas mais importantes e influentes do século XX.

Descubra agora onde você pode encontrar algumas das obras mais famosas de Picasso e ainda mais histórias curiosas sobre esse artista multifacetado!

4. Onde ver suas obras

Embora as obras de Pablo Picasso estejam espalhadas por importantes museus e galerias de arte ao redor do mundo, há alguns locais específicos onde você pode apreciar suas obras mais famosas e emblemáticas.

Um dos lugares mais renomados para ver as obras de Picasso é o Museu Picasso, localizado em Barcelona, Espanha. O museu abriga uma extensa coleção de mais de 4.000 peças, incluindo pinturas, esculturas, desenhos e cerâmicas. Aqui, os visitantes podem explorar a evolução artística de Picasso, desde os primeiros anos até as suas últimas obras.

Outro lugar imperdível é o Museu Picasso, em Paris, França. Situado no pitoresco bairro de Marais, o museu é uma verdadeira homenagem ao artista. Com mais de 5.000 obras, incluindo rascunhos, pinturas e esculturas, os visitantes podem mergulhar na mente e na criatividade de Picasso.

Além desses museus, algumas das obras mais famosas de Picasso também podem ser encontradas em museus e coleções particulares ao redor do mundo. Se você está planejando uma viagem, certifique-se de incluir esses locais na sua lista de paradas obrigatórias!

No próximo tópico, vamos explorar algumas das obras mais famosas de Picasso e suas histórias por trás delas. Fique atento!

5. As obras mais famosas de Picasso

Picasso é conhecido por suas obras revolucionárias e icônicas que marcaram a história da arte. Nesta seção, vamos explorar algumas de suas obras mais famosas e as histórias por trás delas.

1. “Les Demoiselles d’Avignon” (1907) – Esta é uma das pinturas mais famosas de Picasso e um dos primeiros exemplos do movimento cubista. Ela retrata cinco prostitutas em um bordel em Barcelona, ​​e sua composição inovadora chocou o mundo da arte na época.

2. “Guernica” (1937) – Talvez a obra mais famosa de Picasso, “Guernica” é uma resposta aos horrores da Guerra Civil Espanhola. A pintura mostra o bombardeio da cidade basca de Guernica e sua devastação, simbolizando a crueldade da guerra e os sofrimentos humanos.

3. “A Mulher que Chora” (1937) – Esta pintura é uma expressão poderosa da dor e do sofrimento humano. Picasso retratou uma mulher chorando com o corpo distorcido e angustiado, tornando-a um símbolo duradouro de tristeza e angústia.

4. “Les Noces de Pierrette” (1905) – Essa obra-prima retrata uma garota em meio ao luto. A pintura é um exemplo brilhante do estilo azul de Picasso, caracterizado por uma paleta de cores frias e melancólicas.

Essas são apenas algumas das obras mais famosas de Picasso, cada uma com sua própria história intrigante e impactante. Fique ligado para descobrir mais sobre essas obras e suas curiosidades!

6. Histórias curiosas sobre Picasso

Além das suas obras icônicas, a vida de Picasso também é repleta de histórias curiosas que adicionam um elemento de fascínio à sua trajetória artística. Uma dessas histórias envolve a pintura “Les Demoiselles d’Avignon”. Quando Picasso mostrou a obra para seus amigos, um deles chamou-a de “coisa terrorista”. Apesar dessa reação inicial negativa, a pintura acabou se tornando uma das mais importantes da história da arte.

Outra história interessante é sobre a pintura “Guernica”. Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso foi abordado por um oficial nazista que, ao ver uma foto da pintura, perguntou: “Você fez isso?”, ao que Picasso respondeu: “Não, você”. Essa resposta demonstra a mensagem poderosa e política por trás da obra.

Essas são apenas duas das inúmeras histórias curiosas que cercam a vida e a obra de Picasso. Fique atento para aprender mais sobre essas intrigantes narrativas e para descobrir onde você pode ver suas obras em exposições e museus ao redor do mundo.

アーサーブレード

毎日何千人もの人々がサンパウロのイビラプエラ公園を散歩し、何千人もの人々が運動に行き、犬を連れて子供を連れて行き、下の写真の彫刻にさえ気付かないことがよくあります。これは、バチカンのピオクレメンティーノ美術館にある彫刻グループLaocoonteのブロンズコピーであり、サンパウロの芸術工芸リセウムによって作成されました。像は公園が開いた1954年以来そこにありました。

さて、人々はイビラプエラを歩き回り、多くの人はラクーンが痛みで自分自身を引き裂いて自分自身を撮りますが、大多数はこの彫刻の背後にある素晴らしい壮大な冒険のことを知りません。

初めに。

PlíniotheElderとしても知られるCaioPlínioSegundo（23-79）は、ローマの自然主義者でした。彼は「自然史」と呼ばれる37巻で素晴らしい論文を書いたことが知られています。この作品では、彼はそれまで開発中の最も多様な科学と芸術を扱っている非常に高い百科事典的な知識を明らかにしています。彼のパッセージの1つ、第36巻で、彼は次のように報告しています。

「…これはラクーンテグループの場合です。たとえば、ティト皇帝の宮殿では、他の絵画芸術や[ブロンズ]彫像の制作よりも好ましいと見なすことができる作品です。それは、メインフィギュアと子供たちの両方の単一のブロックと、素晴らしい折り目が付いたヘビから彫刻されています。このグループは、ロードス出身の最も著名な3人のアーティスト、アゲサンドロ、ポリドーロ、アテノドロによって一緒に作られました。」

この参照は、ミケランジェロの時代の学者や芸術家がこの像について持っていたすべてのものでした。 Plínioはそれが作られた時間や誰がそれを注文したかを報告しません。約1400年の間、彫刻グループにリンクされたLaocoonteという名前は、歴史から消えてしまいました…

1506-アイコンの発見の年

1506年1月14日、古代のテルマス・デ・ティト近くのブドウ園の所有者であるローマのフェリーチェ・デ・フレディが、植栽のために土地を掘削しているときに、像を見つけました。当時、ルネッサンスの高さ、古典的な彫刻は高く評価されていました。フェリーチェはすぐに、教皇ジュリアス2世の建築家であり骨董品とその信憑性に関して主要な権威であるジュリアーノデサンガッロを派遣しました。

ジュリアーノが昼食の最中に警告されたとき、歴史の大きな偶然の1つが起こるのはその瞬間です、誰が彼の会社にいたと思いますか？はい、ミケランジェロはその日のランチのゲストでした。その後、彼らは発見場所に向けて出発しました。彼らと並んで、ジュリアーノの11歳の息子、フランチェスコ・ダ・サンガッロが彫刻家になり、60年後にこのイベントについて語りました。

“… Então ele partiu imediatamente. Visto que Michelangelo Buonarroti sempre podia ser encontrado em nossa casa, pois fora contratado para o túmulo do Papa Júlio II, meu pai quis que ele também fosse. Juntei-me ao meu pai e lá fomos nós. Eu desci até onde as estátuas estavam quando imediatamente meu pai disse:“Esse é o Laocoonte, que Plínio menciona.”

その後大部分が発掘された地面で、彼らは彫刻のアンサンブルのいくつかの部分を見つけました。それは下の写真で見ることができます：

情熱的な古典主義者、教皇ジュリアス2世。

本物の古代の価値は非常に高かった。古典文化の大ファンである教皇ジュリアス2世はすぐに4,140デュキャットでそれを購入しました、フェリーチェデフレディはまだ年間600デュキャットの生涯年金を受け取りました、そして死ぬと、彼の発見は彼の墓石に記載されています。

スフィンクスのような謎めいた像。

ご覧のとおり、一部が欠けていました。息子の一人の手ともう一人の右腕、そしてヘビの一部に加えて、ラクーンテの右腕は欠けていた。

Na época, os artistas e demais autoridades debateram sobre como seriam as partes faltantes para se fazer uma reconstituição. Michelangelo sugeriu que o braço direito de Laocoonte estaria virado para trás. Já a imensa maioria, entre eles o próprio Rafael, acreditava que o braço estaria esticado em sinal de grande heroísmo. Em 1510, Bramante, arquiteto do Papa, organiza uma votação entre os principais artistas para decidir se o braço direito está estendido ou inclinado para trás. O primeiro vence e uma cópia é assim feita restabelecendo-se aquelas que seriam as partes faltantes. A gravuraabaixo, de Marco Dente, de cerca de 1515-27, reflete o conjunto sem os acréscimos.

NicolasBéatrizetによるこの他の彫刻では、1535年から65年頃に、元の作品に存在すると信じられていた、または少なくとも最初の作品に近づいた追加があります。

不可能が起こる

1906年に、絶対に不可能なことが起こりました。少しの確率で誰もが言うことは、宝くじに勝つことよりも難しいことです。さて、1906年に、考古学者でありアートディーラーであるルートヴィヒ・ポラックは、ラクーンテの右腕を見つけた人物としてアートヒストリーに入りました。彼は、作業の主要部分が見つかった場所の近くの建設会社の地面で腕の破片を見つけました。

彼が彫像のこの部分をどのように見つけたかについての詳細はありません、ありそうもないことに追加する事実は、この問題が閉じられた以上の時に、ポラックがそれがラクーンテの腕である可能性があることに気づいたということです。つまり、メイングループの発見から400年後に、腕が発見されます。しかし、彼は分析が必要だったので、研究を再開するためにバチカンに寄付しました。

400年が経ちました。 1506-1906

その400年の間に、彫刻はすでに真の物語を経て、すでにいくつかの修復を経ていました。ナポレオンの侵略のために、それは戦利品としてルーブルに運ばれ、その後、ウォータールーの戦いを失い、イタリアに戻りました。 20世紀初頭に修復され、不足している部分が元の作品に追加されました。したがって、ポラックの腕を元の彫刻の隣に置いて、それがラクーンテの右腕であるかどうかを確認するだけでは不十分でした。

そしてさらに50年が経ちます

バチカン美術館の指示がラクーンの幹に腕を追加することを決定したのは1957年のことでした。次の写真では、それらが完全にフィットし、腕の保存がそれが属する仕事からそれを分離する400年の行動に苦しんだことがわかります。

そのため、イビラプエラ公園のレプリカは、1957年以前に作成されたため、腕を伸ばしています。追加されたパーツが完全に削除されたのは1980年代になってからでした。そのため、像は現在のままで、オリジナルパーツ：

大きな疑い

ミケランジェロの伝記の間に、彫刻のアンサンブルLaocoonteを彫刻したのは彼であり、彼の友人であるFelice de Frediと一緒に、それを埋め、古代を通過し、それによって多額の金額を得ることに同意したと主張する人々がいます。確かにそれを買うであろう教皇ジュリアスIIへの売却で。

偶然は小さくも小さくもありません。ミケランジェロは、彫刻の発見のニュースが現れたとき、ジュリアーノ・ダ・サンガッロと昼食をとっていました。彼はその場所に最初に到着した人の一人かもしれません。そして、当時の偉大な芸術家たち全員が行方不明の腕を伸ばすと思ったとき、ミケランジェロは立ち上がって引き返すと言い、450年後、私たちは彼が絶対に正しいことに気づきました。

眠っているキューピッド

別の事実がこの仮説を裏付けています。 1496年にミケランジェロによって彫刻されたスリーピングキューピッドの小さな像がありますが、彼はそれを熟成させて古代を通過させ、アートディーラーに販売し、アートディーラーはそれをリアリオデサンジョルジョ枢機卿に販売しました。詐欺が発見されたとき、枢機卿は彫像を続けたいだけでなく、ミケランジェロをローマに招待しました。そこで彼は人類の偉大な傑作となるものを最初に注文しました。彼は21歳で、この小さな偽造品は、古く見えるように埋める、小さな傷に対処する、小さな壊れた部品を作るなどの工芸品を使用して古代のように彫像を通過させることで、彼にとってすべての違いをもたらした可能性があります当時の芸術的な世界でのプロジェクト。

私自身のバージョン

アーサーブレードによるラクーンテ

Michelangelo, por volta de 1506, já era considerado “il divino” por esculturas como Baco, Pietá e David, sua fama já era notória, nãoprecisaria de dinheiro para se manter, nem muito menos, se tivesseesculpido ele mesmo o grupo Laocoonte, deixaria de mostrar seutalento falando a todos que foi o autor.

では、何が起こったのでしょうか？

そして、これが私自身の物語の出番です。

Michelangelo conhecia a descrição do grupo escultórico Laocoontefeita por Plínio, com certeza teria ficado com isso em mente e logo começaria a conceber como teria sido esta estátua. Michelangelo então, em segredo, começa a esculpir aquela que seria sua primeira composição com três personagens, um verdadeiro virtuosismo em um único bloco de mármore.

しかし、仕事が終わったとき、彫像の部分を磨く細部、大理石の小さなひび、そして...そして仕事の一部が偶然に壊れたとき、何か避けられないことが起こります。これは彼を完全に破壊します、たとえうまくパッチを当てられたとしても、彼が個人的に彼を満足させないであろう仕事を彼は決して持っていません。彼はまた、敵がこの詳細を使用して彼をだましていることも知っていました。さらに、プリニオが強調したように、それはもはや単一の大理石のブロックで作られた彫像ではありません。それはすべて終わった。

それから彼は友人のフェリーチェ・デ・フレディと大胆な計画を立て、彫像を部分的に壊すように頼み（ミケランジェロは人類の傑作を自分で壊すことは決してできないだろう）、そしていくつかの小さな部分で消え、いくつかの傷を作り、年齢可能な限り最善の方法で、フェリーチェのブドウ園に埋めてください。私たちがすでに知っている物語の続き。

真実はまだ発掘されていません。

批評家の立場はまだ議論の余地があり、ラクーンは日付が不確かな元のギリシャの彫像であると信じている人もいます。他の人は、それが私たちに届かなかった紀元前11世紀のギリシャのブロンズ像のコピーであると言います。一つの大理石のブロックではないと言う人もいます。要するに、真実は永遠に埋もれ続けるでしょう。

ミケランジェロ、芸術史上最大の偽造の天才

私のバージョンは絶対にもっともらしいです、大理石は簡単に壊れやすい材料です、ミケランジェロは彼の強い気質で、私が述べたステップに従ったのかもしれません。

そしてそれが本当に起こったのなら、ミケランジェロはピエタ、デビッド、システィンチャペルの天井、最後の審判のフレスコ、モーセ、そして…ギリシャの彫像の最大の傑作である彫刻のアンサンブルなどの傑作を私たちに提示しましたラクーン。そして、彼のすべての天才に加えて、ミケランジェロは、ラクーンがギリシャの彫像であることを皆に確信させたことに微笑んで、彼はギリシャ人にさえ匹敵しました。

ミケランジェロ、芸術史上最大の偽造の天才。

PorArthur Blade

中世にヨーロッパを中心に発生し、19世紀まで続いたブボニックペストは、社会に大きな影響を与えました。それはルネッサンスに先行し、両方の参照があります 神の喜劇、ダンテによって、として デカメロンGiovanniBocaccioによる。しかし、おそらく最大の影響は、人々が教会によって救われることができず、疫病を神の罰として解釈したために急激に衰退した宗教にありました。

現在、Covid-19では、穏やかな方法でブラジルに到達しています。今のところ、今日まで11,000件のケースがあり、多くの人が、神が私たちを家族の生活、自然、あるいは、社会が取った物質的で利己的で鈍感な方向性について私たちを罰するかもしれません。あるいは、私たちの社会で支配的な自由のためにさえ、対人関係の完全な些細なことです。

しかし、ウイルスが出現したので、私はいくつかの映画の参照を追跡して覚えようとしました。ウイルスがどれほど壊滅的なものになるかはすでに何かが示していましたが、それは贈り物ではありませんでした...

に 12匹のサル、ブルースウィリスは、1996年に人間の人口を消滅させたウイルスの治療法に関する情報を求めるために未来から送られます。 伝染、Steven Soderberghは、Covid-19に続いて最も視聴された映画のひとつですが、 SARS.

それはまだ私が探していたものではありませんでした、私が忘れているであろういくつかの参照がありました...トムハンクスと彼の妻はオーストラリアでウイルスを捕まえました、そして私はロバートラングドン博士の映画の1つがおそらく生物学的疫病を扱ったことを思い出しました。はい、 地獄、 ダン・ブラウンの本から、億万長者の風変わりな人は人口管理を意味し、実験室でウイルスを作成することにしました。世界で生物兵器の使用を防ぐのはラングドン次第です。この映画は、現在の流行の影響を最も受けている場所の1つであるイタリアのフィレンツェで始まります。

ダンテのインフェルノへの言及は映画の中に非常に存在し、違いは、実際には、ウイルスは人間の働きではなく、中国市場での事故であるように見えるということです。

このテキストの主な目的は、検疫所にいる人々にいくつかの文化的選択肢を示し、もちろん、映画インフェルノと本のこの兆候をもたらすことです。私はCovid-19についてたくさん読みましたが、その映画について話している人は誰もいませんでした。

また、これらの兆候で、誰もがウイルスの起源を疑う機会を開いてください。なぜなら、映画では、政府は常に生物兵器に関心があると言われているからです。そして、なぜ、風変わりな億万長者ではないのですか？デビッド・ヒュームが言ったように、「賢い人は彼の信念を証拠に条件付ける」ことを思い出します

さて、楽しんでいただければ幸いです。気をつければ、ウイルスは私たち全員にとって危険であり、私たちに受け継がれているケアと衛生に関する推奨事項に従う必要があります。

Paris, cidade tão especial para a Arte, o sonho de todo artista. A exposição chamada Salon International D’Art Contemporain Carrousel du Louvre é realizada em uma luxuosa galeria comercial  localizada no conhecido Museu du Louvre . Neste espaço acontecem mostras com trabalhos de pintura, fotografia e outras formas de expressão artística contemporânea , possibilitando a  troca de experiências entre artistas expositores de diversas partes do mundo. Para esta Mostra internacional pintei o quadro “ Praia das Moças em Buzios “ – AST – dimensões : 50 x 70 cm , sendo a mesma premiada na modalidade Criatividade. 

今年の8月には素晴らしい展示会がありました ドリス・ホーマン LigiaTestaEspaçodeArteにて。 いくつかの作品はここSmartGalleryにあります 個人的にはDH19とDH9が大好きで、ドリスの経歴と人生を考えると、非常に強力なキャンバスです。

• DH 19

• DH 09

10月の展示会があります エガスフランシスコ LigiaTestaが主催するJohMabeEspaçoArteeCulturaで。エガスは先週オフィスを訪れましたが、彼は魅力的な人物です。後で彼にインタビューします。彼の曝露は、IsacKarniol博士との治療セッションの結果です。エガスは彼の芸術を絶対に自発的にすることを目指しています 目に見えない目に見えない。 PalimpsestoMágicoという本の署名入りのコピーを受け取りました。Egasの絵のほかに、テキストがとても良いことをお勧めします。

その他のハイライトは フランシスコゴンザレス そして デシオソンチーニ、最近JohMabeEspaçoeCulturaに出展し、現在このサイトに作品を掲載しています。優れた価値のある削減された対策の画面があり、チェックする価値があります。

• デシオソンチーニ-OVento（The Wind）

• フランシスコゴンザレス-水族館の空

• フランシスコゴンザレス-飛ぶことへの欲求

• デシオソンチーニ-黒と白のプリント

また、3人の新しいアーティストがSmartGalleryに加わりました。彼らの作品をチェックすることをお勧めします、 カルロス・ロレンツォ, クリスティアーノ・ショーサード そして LandrouSá

• パーフェクトスフィア

• カルロスロレンツォ-施肥

• LandrouSá

これは次回までの8月の更新です。

私は公園を走っていました...ヘッドフォンとトランスミュージックを耳にしたとき、SmartGalleryでMugglesについて話している女の子のグループを聞きました。デリリウム？わからない、良かったと思った…悪い話をするけど、僕のことは？しかし、私のマーケティングの第一人者はすぐに、最も売れているブランドがどのように好まれ、一般の人々によく話されているかについてのビデオをダウンロードすることにしました、そして突然、それはもはや良くありませんでした。しかし、本当に？ SmartGalleryからのマグル？私がここに書いているのです、私のパートナー、私は願っています、支持します…私の願いはそこに戻ってそれを聞いたかどうか尋ねることでした。

同時に、アートを購入する予定でした…コレクションを作成するなど。そしてそこにトランプし、森を下り、引き起こします。そして私、何かが起こったらどうしますか？そのお金は必要ありませんか？壁に貼る絵は？そして私の祖父はいつも言っていました、人々は写真を見て、それらを評価しませんでした、しかしそれがドルのスーツケース、または車であるならば、態度は異なっていました。そして、私は芸術を好まない人になりたくありませんが、理論的には常に芸術を持っていた人にとっては、評価するのは難しいです。

もちろん、話はここで無限ではありません。今日のアートの購入がばかげた、悪意のある、忌まわしい、言いようのないアイデアのように聞こえるなら、おそらく今がアートを購入する時です。なぜなら、私の経験では、誰もが購入したいと思っている時点では、どの資産も購入時点ではないからです。私にとっても、アートマーケットの動きの恩恵を受けているとすれば、今日アートを購入することは脅威となるでしょう。おそらく今がアートを購入する時です。

どんな芸術？それなら私はあえて判断しません...しかし何かを考えてください...ブラジルの市場はそのようなものではない、そして多分あなたは実際、数年間アートXを使うでしょう。お金を忘れてください...メリット、感謝について考えてください、あなたが一日に株またはドルから得ることができるものを忘れてください。あなたがアートを買うつもりなら、お金が数年間そこにぶら下がっていると仮定してください、そしてどの資産や株が最も上昇するかを見つけることはほとんど不可能であるように、あなたのアートはおそらく勝者ではありません。重要なのは、そう思うことです。

これは、アートが好きで、作品に共感するという最も重要なポイントです...ほとんどの場合、過小評価されている会社のように、ぶら下がっている絵になるからです。しかし、おそらく、SmartGalleryのMugglesによって承認されています。そして、誰が知っているか、あなたの壁を飾る以外に、未来があります。

Nasci no meio da arte. Desde pequeno via os quadros do meu avô, Manabu Mabe, ficava o dia inteiro em seu ateliê, e, mais para a frente, não desgrudava do meu tio, que também pinta. Meu pai desde sempre tem galeria, e eu não só frequentava muitas exposições, como também ia a Bienal, que era um super evento, e fazia aulas de pintura, com minha avó, minha irmã e meus primos. Meu avô tinha muitos pintores amigos e até mesmo alguns aprendizes. Essa era minha visão sobre arte, e tudo era muito grandioso.

Com o tempo, fui aprendendo que essa é a visão mais tradicional e romântica de arte. A que nós vemos em filmes e na televisão, do artista pintando sozinho em seu ateliê e muitas vezes se esforçando para viver de sua arte. Mas não é a única. É com muito desdém que ouço falar de artistas que não produzem suas obras eles mesmos, que têm equipes e pessoas contratadas para fazer seus projetos. Tanto que resolvi aprender sobre o assunto.

Viggo Mortensen em ‘Um Crime Perfeito’ (1998) – Warner Bros.

Não me surpreendendo tanto, descobri que a origem dos art studios ocorreu na Renascença. Os pintores mais famosos tinham bottegas, que eram ateliês que eles tocavam e tinham uma equipe de aprendizes para auxiliá-los com as obras, muitas vezes encomendadas por patronos, ou mecenas. As bottegas (não confundir com as bodegas, palavra do espanhol para mercearias ou lojas de conveniência) tinham no máximo 16 pintores, que iam subindo conforme demonstravam seu talento ao mestre.

O grau de envolvimento do pintor chefe variava de acordo com a quantia que recebia do mecenas para a obra, e, como as pinturas eram, na maioria dos casos, à óleo, trabalhavam paralelamente em várias obras enquanto as telas secavam. Encomendar uma tela de um pintor famoso, na Renascença, não significava que o pintor pintaria a tela inteira sozinha, mas sim que a obra seria proveniente de seu ateliê, ou bottega.

Mais para frente, no século XIX, surgiu a École nationale supérieure des beuax-arts em 1816, na França, que desafiou o modelo renascentista ao promover as próprias exposições, chamadas de salons, que se tornaram os maiores eventos de arte do século ao apoiar, promover e criticar os desenvolvimentos artísticos.

Nos anos 60, Andy Warhol despontou, com a The Factory, que era seu art studio e salão de festas. Ficou conhecido pela produção em série de obras de arte, através do silk screen, e das festas que promovia, frequentadas por celebridades.

James Kavallines, New York World-Telegram and the Sun staff photographer [Public domain]

Hoje o mais conhecido talvez seja Jeff Koons, que literalmente conta com 100 funcionários que recebem um salário bem baixo, e produzem as obras que idealiza. O seu papel se assimila mais ao de um arquiteto, que projeta a obra. Curioso sobre Koons, encontrei uma descrição sobre seu processo. Ele faz colagens no Photoshop e sua equipe reproduz a colagem, minuciosamente, através de pincéis de ponta pequena em telas em escala maior. Com certeza vocês já viram colagens de outros artistas no Instagram, e o precursor sem dúvida é Koons.

Koons tem o trabalho de idealizar a obra, fazer a composição, com equilibro e balanço de cores e arranjar as imagens. Com sua equipe, os resultados são impressionantes, algumas telas na verdade parecem fotos. Que atire a primeira pedra quem nunca se impressionou com uma colagem, agora imagine que as colagens de Koons não são simples colagens, são telas pintadas a óleo.

“” by Annie Guilloret is licensed under CC BY-NC-ND 2.0 

Mas, não são pintadas, nem esculpidas por ele. Na Renascença, os pintores, além de fazerem o acabamento das obras, eram responsáveis pelas partes mais difíceis, as faces e as mãos. E é este, exatamente, o questionamento desse texto. Se a arte caminha para os rumos da publicidade; antigamente as agências contavam com alguns gênios, que criavam as frases de efeito, slogans e idealizavam as campanhas, ao passo que hoje são megacorporações que trabalham em sintonia, mas não mais apoiadas em um publicitário.

Para a maioria, é como se um jogador de futebol não jogasse ele mesmo, ou colocasse outro para jogar, ou montasse um time. Ou a nossa reação ao descobrir que James Bond, Os Três Mosqueteiros e o Conde de Monte Cristo, foram escritos por ghost writers. No caso desses, o autor do livro tem a idéia e o ghost writer traduz essa idéia para um trabalho completo, normalmente, com uma cláusula de confidencialidade. Na música também é comum o ghost writing.

A ideia de arte e artista que prevaleceu, originou-se do livro ‘A Vida dos Artistas’, de Giorgio Vasari, escrito em 1550, que propôs que a obra de arte é a expressão completa de uma única mente e mão. Apesar de não tirar os méritos e reconhecer que os trabalhos finalizados de artistas como Jeff Koons são impressionantes, eu, que pinto nas horas vagas, chain smoking e tudo o mais, sou adepto da visão romântica de arte. Pois, a tendência das coisas tomarem dimensões grandes demais, e se desvirtuarem, é muito alta. Mantenhamos os artistas, artistas, e os publicitários, publicitários…

SmartGalleryブログのこの最初の記事に何を書くかを考えていたところ、いくつかのアイデアが浮かびました。アートコレクションの開始方法から、価格に影響を与える要因の分析方法まで。探して、私は価格と価値の違い、オスカー・ワイルドによって規定された古い流行語にさまよった。そして、私は芸術の主観性とその評価において客観性を達成する方法を選択することになりました。

アートは一般的に人間の科学ですが、必ずしもそうとは限りません。そのため、主観的です。研究では、私はいくつかの解釈を集めました。ハイパーリアリズムを専門とするギャラリーオーナーから、人々は見たものが好きだからバスキアを買わないと主張し、それはすべて大きな歪みであると主張します。批評家のジェリーサルツでさえ、スキルの再発明を提唱し、テクニカル。サルツは、今日の最も偉大な現代の芸術家は独学であり、優れた芸術は芸術家の文脈と時代を超越した条件に関連していると主張しています。彼の興味深い観察のもう1つは、私たちがWikipediaの世界に住んでいて、それがオープンアートの世界になるということです。閉じた排他的なアートの世界のステレオタイプとは対照的な観察、実際には、より現実的な解釈。アートとそのツール、そしてその普及は、そのプロデューサーにとってよりアクセスしやすいものですが、ワルツ自身は、75人のアーティストが主要な国際オークションと主要なギャラリーを支配していると主張しています。

アートの主観性は、アートの快楽的な価格設定の原則によって作品の評価と価格設定に関連しています。ここでは、人が作品に対して感じる喜びや満足度、およびその美的属性、重要な要素について説明します。支払った価格。偉大な巨匠の作品の価格を決める明白で通常の方法である歴史的なシリーズとは対照的です。

伝統的な経済的要因も価格に影響を与えますが、アートエコノミクスと呼ばれる科学があり、それについてはほとんど知られておらず、いくつかの興味深い概念があります。たとえば、確立されたアーティストの大多数は、年齢を重ねるにつれて年間5%の価値があることはよく知られています。オークションに出品される別の転売された作品は、販売ごとに価値が下がる傾向があります。ここでの供給と需要の問題は、それが常に売りに出されているのであれば、コレクターは急いで取得することはありません。もう一つの好奇心は、作品の前の所有者がその価格に大きな影響を与え、アーティストから贈り物として与えられた作品は市場では価値が低いと見なされていることです。サルツによって「スマート」と定義された市場。

アートの経済を継続し、アートムーブメントは私たちに受け入れられていますが、その階層がどのように機能するかについては疑問の余地はありません。そして、学者によると、それは次のように機能します：スタイルを発明した運動の創設者と、あまり知られていないアーティストであるが運動に参加した信者がいます。ムーブメントや偉大な巨匠でさえ、誰もが彼らの主な作品に共通するいくつかのオブジェクト、時計と彼の妻を持つダリ、エロティックな女性のためのクリムトで最もよく知られています。明らかに、これらのアーティストの最も価値のある作品は、彼らの最もよく知られているスタイルとオブジェクトの作品です。

現在、競争力があり、供給が無制限であると学者によって定義されているが、アートコレクションを開始することを熱望する私たちにとってより大きな関心がある地元の市場に焦点を当てています。第一に、海外に住んでいる、および/または国際的な経験を持っているアーティストは、自分自身を高く評価する可能性が高くなります。サルツのウィキペディアに戻ると、アーティストの名前によるGoogleでの検索結果の数は、彼の作品の広がりと悪評を測定する際の客観的な問題であり、感謝の可能性にも関連しています。最後に、アーティストの職業とそのステレオタイプについて説明している興味深いニューヨークタイムズの記事を参照すると、アーティストはほとんどの場合、時間と人生を自分の作品に捧げており、支払いが必要です。いくらですか？スマートマーケットは私たち次第です。