1. Introdução

Pablo Picasso é, sem dúvida, um dos artistas mais renomados e influentes do século XX. Sua vida e obra são repletas de trajetórias fascinantes que cativaram o mundo da arte. Desde sua infância em Málaga, na Espanha, até sua consagração como um dos fundadores do movimento cubista, Picasso deixou um legado duradouro nas artes visuais. Este artigo explora a vida e obra de Picasso, suas obras mais famosas, onde vê-las em exposições e alguns fatos curiosos sobre o artista. Além disso, incluímos imagens de suas obras mais emblemáticas para apreciação visual. Acompanhe para conhecer mais sobre o cativante mundo de Pablo Picasso.

2. Quem foi Pablo Picasso?

Pablo Picasso foi um renomado artista espanhol nascido em 1881 e falecido em 1973. Ele foi um dos artistas mais influentes do século XX, deixando um legado duradouro nas artes visuais. Picasso é conhecido por seu estilo versátil e inovador, explorando diversas técnicas e estilos ao longo de sua extensa carreira.

Desde cedo, Picasso mostrou um talento excepcional para as artes. Ele começou a pintar aos sete anos e rapidamente se destacou entre seus contemporâneos. Picasso foi responsável por fundar o movimento cubista juntamente com Georges Braque, revolucionando a forma como a arte era concebida.

Ao longo de sua vida, Picasso produziu uma quantidade impressionante de obras de arte, incluindo pinturas, esculturas, cerâmicas, desenhos e gravuras. Suas obras mais famosas incluem “Les Demoiselles d’Avignon”, “Guernica” e “Les Meninas”.

Continue lendo para descobrir onde você pode ver suas obras e algumas histórias curiosas sobre esse excêntrico artista!

3. A trajetória de Picasso

Pablo Picasso teve uma trajetória artística singular, demonstrando talento desde cedo e alcançando grande reconhecimento ao longo de sua carreira. Ele passou por diferentes fases e estilos, experimentando e inovando constantemente.

No início de sua carreira, Picasso foi influenciado pelo período azul e rosa, retratando temas melancólicos e introspectivos. Em seguida, passou por uma fase africana, na qual explorava formas mais expressivas e primitivas. Mas foi com o movimento cubista que ele revolucionou a arte moderna, desconstruindo as formas e apresentando múltiplas perspectivas em suas obras.

Picasso foi um artista prolífico, produzindo uma vasta quantidade de obras ao longo de sua vida. Sua genialidade e originalidade fizeram dele um dos artistas mais importantes e influentes do século XX.

Descubra agora onde você pode encontrar algumas das obras mais famosas de Picasso e ainda mais histórias curiosas sobre esse artista multifacetado!

4. Onde ver suas obras

Embora as obras de Pablo Picasso estejam espalhadas por importantes museus e galerias de arte ao redor do mundo, há alguns locais específicos onde você pode apreciar suas obras mais famosas e emblemáticas.

Um dos lugares mais renomados para ver as obras de Picasso é o Museu Picasso, localizado em Barcelona, Espanha. O museu abriga uma extensa coleção de mais de 4.000 peças, incluindo pinturas, esculturas, desenhos e cerâmicas. Aqui, os visitantes podem explorar a evolução artística de Picasso, desde os primeiros anos até as suas últimas obras.

Outro lugar imperdível é o Museu Picasso, em Paris, França. Situado no pitoresco bairro de Marais, o museu é uma verdadeira homenagem ao artista. Com mais de 5.000 obras, incluindo rascunhos, pinturas e esculturas, os visitantes podem mergulhar na mente e na criatividade de Picasso.

Além desses museus, algumas das obras mais famosas de Picasso também podem ser encontradas em museus e coleções particulares ao redor do mundo. Se você está planejando uma viagem, certifique-se de incluir esses locais na sua lista de paradas obrigatórias!

No próximo tópico, vamos explorar algumas das obras mais famosas de Picasso e suas histórias por trás delas. Fique atento!

5. As obras mais famosas de Picasso

Picasso é conhecido por suas obras revolucionárias e icônicas que marcaram a história da arte. Nesta seção, vamos explorar algumas de suas obras mais famosas e as histórias por trás delas.

1. “Les Demoiselles d’Avignon” (1907) – Esta é uma das pinturas mais famosas de Picasso e um dos primeiros exemplos do movimento cubista. Ela retrata cinco prostitutas em um bordel em Barcelona, ​​e sua composição inovadora chocou o mundo da arte na época.

2. “Guernica” (1937) – Talvez a obra mais famosa de Picasso, “Guernica” é uma resposta aos horrores da Guerra Civil Espanhola. A pintura mostra o bombardeio da cidade basca de Guernica e sua devastação, simbolizando a crueldade da guerra e os sofrimentos humanos.

3. “A Mulher que Chora” (1937) – Esta pintura é uma expressão poderosa da dor e do sofrimento humano. Picasso retratou uma mulher chorando com o corpo distorcido e angustiado, tornando-a um símbolo duradouro de tristeza e angústia.

4. “Les Noces de Pierrette” (1905) – Essa obra-prima retrata uma garota em meio ao luto. A pintura é um exemplo brilhante do estilo azul de Picasso, caracterizado por uma paleta de cores frias e melancólicas.

Essas são apenas algumas das obras mais famosas de Picasso, cada uma com sua própria história intrigante e impactante. Fique ligado para descobrir mais sobre essas obras e suas curiosidades!

6. Histórias curiosas sobre Picasso

Além das suas obras icônicas, a vida de Picasso também é repleta de histórias curiosas que adicionam um elemento de fascínio à sua trajetória artística. Uma dessas histórias envolve a pintura “Les Demoiselles d’Avignon”. Quando Picasso mostrou a obra para seus amigos, um deles chamou-a de “coisa terrorista”. Apesar dessa reação inicial negativa, a pintura acabou se tornando uma das mais importantes da história da arte.

Outra história interessante é sobre a pintura “Guernica”. Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso foi abordado por um oficial nazista que, ao ver uma foto da pintura, perguntou: “Você fez isso?”, ao que Picasso respondeu: “Não, você”. Essa resposta demonstra a mensagem poderosa e política por trás da obra.

Essas são apenas duas das inúmeras histórias curiosas que cercam a vida e a obra de Picasso. Fique atento para aprender mais sobre essas intrigantes narrativas e para descobrir onde você pode ver suas obras em exposições e museus ao redor do mundo.

di Arthur Blade

Migliaia di persone passeggiano ogni giorno nel Parco Ibirapuera di San Paolo, migliaia fanno esercizio, prendono i loro cani, portano i loro bambini e spesso non si accorgono nemmeno della scultura nella foto sotto. Si tratta di una copia in bronzo del gruppo scultoreo Laocoonte che si trova nel Museo Pio-Clementino, in Vaticano, e che è stata realizzata dal Liceo di Arti e Mestieri di San Paolo. La statua è stata lì dal 1954, quando il parco è stato aperto.

Bene, le persone camminano per Ibirapuera, molti addirittura scattano selfie con il Laocoonte che si lacera per il dolore, ma la stragrande maggioranza non ha idea della grande avventura epica che c'è dietro questa scultura.

All'inizio.

Caio Plínio Secondo (23 - 79), noto anche come Plínio il Vecchio, era un naturalista romano. È noto per aver scritto un grande trattato in 37 volumi chiamato: Storia naturale. In quest'opera rivela un elevatissimo grado di conoscenza enciclopedica trattando le più svariate scienze e arti fino ad allora in fase di sviluppo. In uno dei suoi passaggi, nel volume 36, riporta:

“… È il caso del gruppo Laocoonte, ad esempio, nel palazzo dell'Imperatore Tito, opera che si può considerare preferibile a qualsiasi altra produzione dell'arte pittorica o statuaria [bronzea]. È scolpito da un unico blocco, sia la figura principale che i bambini, e i serpenti con le loro meravigliose pieghe. Questo gruppo è stato formato insieme da tre dei più eminenti artisti, Agesandro, Polidoro e Atenodoro, originario di Rodi ".

Questo riferimento era tutto ciò che gli studiosi e gli artisti del tempo di Michelangelo avevano su questa statua. Plínio non riporta l'ora in cui è stato realizzato o chi lo ha ordinato. Per circa 1400 anni il nome Laocoonte, legato al gruppo scultoreo, è semplicemente scomparso dalla storia, finché ...

1506 - l'anno della scoperta di un'icona

Il 14 gennaio 1506 il romano Felice de Fredi, proprietario di una vigna nei pressi dell'antica Termas de Tito, mentre scava i suoi terreni per la semina, trova una statua. A quel tempo, l'apice del Rinascimento, la scultura classica era molto apprezzata, Felice mandò subito a chiamare Giuliano de Sangallo, l'architetto di papa Giulio II e l'autorità principale in materia di antiquariato e la loro autenticità.

È in quel momento che si verifica una delle grandi coincidenze della storia, quando Giuliano viene avvertito, a metà pranzo, indovina chi c'era in sua compagnia? Sì, Michelangelo è stato tuo ospite a pranzo quel giorno. Quindi si sono avviati verso il sito di scoperta. Accanto a loro c'era il figlio undicenne di Giuliano, Francesco da Sangallo, che diventerà scultore e, sessant'anni dopo, narrerà l'evento:

“… Então ele partiu imediatamente. Visto que Michelangelo Buonarroti sempre podia ser encontrado em nossa casa, pois fora contratado para o túmulo do Papa Júlio II, meu pai quis que ele também fosse. Juntei-me ao meu pai e lá fomos nós. Eu desci até onde as estátuas estavam quando imediatamente meu pai disse:“Esse é o Laocoonte, que Plínio menciona.”

Sul terreno allora in gran parte scavato, sono state rinvenute diverse parti dell'insieme scultoreo, che si può vedere nella foto sotto:

Papa Giulio II, un appassionato classicista.

Il valore dell'autentica antichità era molto alto. Papa Giulio II, grande estimatore della cultura classica, lo acquistò subito per 4.140 ducati, Felice de Fredi percepiva ancora una pensione vitalizia di 600 ducati l'anno e, morente, sulla sua lapide è menzionata la sua scoperta.

Una statua enigmatica come una sfinge.

Come puoi vedere, mancavano alcune parti. Il braccio destro di Laocoonte era assente, oltre alla mano di uno dei figli e al braccio destro dell'altro, così come parti dei serpenti.

Na época, os artistas e demais autoridades debateram sobre como seriam as partes faltantes para se fazer uma reconstituição. Michelangelo sugeriu que o braço direito de Laocoonte estaria virado para trás. Já a imensa maioria, entre eles o próprio Rafael, acreditava que o braço estaria esticado em sinal de grande heroísmo. Em 1510, Bramante, arquiteto do Papa, organiza uma votação entre os principais artistas para decidir se o braço direito está estendido ou inclinado para trás. O primeiro vence e uma cópia é assim feita restabelecendo-se aquelas que seriam as partes faltantes. A gravuraabaixo, de Marco Dente, de cerca de 1515-27, reflete o conjunto sem os acréscimos.

In quest'altra incisione di Nicolas Béatrizet, del 1535-65 circa, ci sono le aggiunte che si credeva esistessero nell'opera originale, o che, almeno, si avvicinavano a quella che sarebbe stata la prima opera:

L'impossibile accade

Nel 1906 accadde qualcosa che sarebbe stato assolutamente impossibile. Qualcosa che chiunque, con il minimo senso di probabilità, direbbe è più difficile che vincere alla lotteria. Ebbene, nel 1906, l'archeologo e mercante d'arte Ludwig Pollack entrò nella storia dell'arte come colui che trovò il braccio destro di Laocoonte. Ha trovato il frammento del braccio sul terreno di un'impresa di costruzioni vicino a dove sono state trovate le parti principali dell'opera.

Non ci sono dettagli su come abbia trovato questa parte della statua, il fatto che si aggiunge alle improbabilità è che Pollack si rese conto che poteva essere il braccio di Laocoonte, in un momento in cui la questione era più che chiusa. Cioè, 400 anni dopo la scoperta del gruppo principale, il braccio viene ritrovato. Ma aveva bisogno di analisi, quindi ha donato al Vaticano per far ripartire lo studio.

Sono passati quattrocento anni. 1506-1906

In quei 400 anni la scultura aveva già subito una vera e propria saga, aveva già subito alcuni restauri, a causa delle invasioni napoleoniche fu portata come bottino al Louvre, successivamente, con la perdita della Battaglia di Waterloo, tornò in Italia e, all'inizio del XX secolo è stato restaurato e con le parti mancanti aggiunte all'opera originale. Quindi non è stato sufficiente avvicinare il braccio di Pollack alla scultura originale, per vedere se era il braccio destro di Laocoonte.

E passano altri 50 anni

Fu solo nel 1957 che la direzione dei Musei Vaticani decise di aggiungere il braccio al tronco di Laocoonte. Nella foto successiva potete vedere che calzano perfettamente e che la conservazione del braccio ha subito l'azione di 400 anni che lo separavano dall'opera a cui apparteneva.

Ed è per questo che la replica del Parco Ibirapuera ha il braccio teso, perché è stata realizzata prima del 1957. Ed è stato solo negli anni '80 che le parti aggiunte sono state completamente rimosse e quindi la statua è rimasta com'è ora, solo con il parti originali:

Il grande dubbio

Tra le righe delle biografie michelangiolesche c'è chi sostiene che sia stato lui a scolpire l'insieme scultoreo Laocoonte, e che, con l'amico Felice de Fredi, acconsentì a seppellirlo, a far passare l'opera nell'antichità, ottenendo così una grossa somma con la vendita a papa Giulio II che l'avrebbe sicuramente acquistato.

Le coincidenze non sono né piccole né piccole. Michelangelo stava pranzando con Giuliano da Sangallo quando è apparsa la notizia del ritrovamento della scultura e potrebbe essere uno dei primi ad arrivare sul posto. Poi, quando tutti i più grandi artisti dell'epoca pensavano che il braccio mancante si sarebbe allungato, Michelangelo si alza e dice che sarebbe stato respinto, e 450 anni dopo ci siamo resi conto che aveva perfettamente ragione.

L'Amore addormentato

Un altro fatto supporta questa ipotesi. C'è una piccola statua di Cupido dormiente, che oggi è andata perduta, scolpita da Michelangelo nel 1496, solo che la fece invecchiare per passare attraverso l'antichità e la vendette a un mercante d'arte che, a sua volta, la vendette al cardinale Riario de San Giorgio. Quando fu scoperta la frode, il cardinale non solo volle continuare con la statua, ma invitò anche Michelangelo ad andare a Roma, dove avrebbe avuto i suoi primi ordini per quelli che sarebbero stati grandi capolavori dell'umanità. Aveva 21 anni e questo piccolo falso, questo far passare una statua per antichità usando artifici come seppellire per sembrare vecchia, occuparsi di piccoli graffi, produrre piccole parti rotte, potrebbe aver fatto la differenza per lui se progetto nell'universo artistico del tempo.

La mia versione

Laocoonte di Arthur Blade

Michelangelo, por volta de 1506, já era considerado “il divino” por esculturas como Baco, Pietá e David, sua fama já era notória, nãoprecisaria de dinheiro para se manter, nem muito menos, se tivesseesculpido ele mesmo o grupo Laocoonte, deixaria de mostrar seutalento falando a todos que foi o autor.

Allora cosa potrebbe essere successo?

Ed è qui che entra in gioco la mia versione della storia.

Michelangelo conhecia a descrição do grupo escultórico Laocoontefeita por Plínio, com certeza teria ficado com isso em mente e logo começaria a conceber como teria sido esta estátua. Michelangelo então, em segredo, começa a esculpir aquela que seria sua primeira composição com três personagens, um verdadeiro virtuosismo em um único bloco de mármore.

Tuttavia, accade qualcosa di inevitabile, quando il lavoro è finito, quando è nei dettagli della lucidatura delle parti della statua, una minuscola crepa nel marmo e ... e parte dell'opera si rompe accidentalmente. Questo lo distrugge completamente, non avrebbe mai un lavoro che, anche se ben rattoppato, non lo soddisferebbe personalmente. Sapeva anche che i suoi nemici avrebbero usato questo dettaglio per calunniarlo. Inoltre, non sarebbe più stata una statua composta da un unico blocco di marmo, come ha sottolineato Plínio. Era tutto finito.

Quindi elabora un piano audace con l'amico Felice de Fredi, gli chiede di rompere la statua in parti (Michelangelo non sarebbe mai in grado di rompere un capolavoro dell'umanità), poi scompare con alcune piccole parti, fare dei graffi, invecchiare nel miglior modo possibile e seppellire nella vigna di Felice. La continuazione della storia che già conosciamo.

La verità deve ancora essere portata alla luce.

La posizione dei critici è ancora controversa, alcuni credono ancora che Laocoonte sia la statua greca originale con date incerte; altri dicono che sia una copia di una statua in bronzo greca dell'XI secolo aC che non ci è pervenuta; c'è anche chi dice che non è un unico blocco di marmo, insomma la verità rimarrà sepolta per sempre.

Michelangelo, il più grande genio della contraffazione nella storia dell'arte

La mia versione è assolutamente plausibile, il marmo è un materiale che si rompe facilmente, Michelangelo, con il suo forte temperamento, potrebbe aver seguito i passi che ho citato.

E se ciò fosse realmente accaduto, Michelangelo ci ha presentato capolavori come Pietá, David, il soffitto della Cappella Sistina, l'Affresco del Giudizio Universale, il Mosè e… quello che è il massimo capolavoro della statuaria greca, l'insieme scultoreo di Laocoonte. E oltre a tutto il suo genio, Michelangelo sorride per aver convinto tutti che Laocoonte è una statua greca, ha anche eguagliato i greci.

Michelangelo, il più grande genio della contraffazione nella storia dell'arte.

PorArthur Blade

La peste bubbonica, avvenuta principalmente in Europa nel Medioevo, e durata fino al XIX secolo, ha influenzato molto la società. Ha preceduto il Rinascimento e ha riferimenti sia in Divina Commedia, di Dante, come Decamerondi Giovanni Bocaccio. Ma forse l'impatto maggiore fu sulla religione, che subì un netto declino, poiché le persone non potevano essere salvate dalla Chiesa e interpretarono la peste come punizione divina.

Attualmente, con il Covid-19, nel modo mite sta raggiungendo il Brasile, per ora, 11mila casi fino ad oggi, molti lo interpretano come un dono, nel senso che Dio ci starebbe guidando a valorizzare la vita familiare, la natura, o forse punirci per le direzioni materialistiche, egoiste e insensibili che la società ha preso. O anche per la libidinosità che predomina nella nostra società, la totale banalizzazione dei rapporti interpersonali.

Ma da quando è apparso il virus, ho seguito e ho cercato di ricordare alcuni riferimenti cinematografici. Qualcosa aveva già mostrato quanto sarebbe stato catastrofico un virus, e non era un regalo ...

Nel 12 scimmie, Bruce Willis viene inviato dal futuro per cercare informazioni sulla cura di un virus che ha estinto la popolazione umana nel 1996. Contagio, di Steven Soderbergh è uno dei film più visti dopo Covid-19, ma è stato ispirato da SARS.

Non era ancora quello che stavo cercando, c'era qualche riferimento in più che avrei dimenticato ... Tom Hanks e sua moglie hanno contratto il virus in Australia e mi sono ricordato che uno dei film del dottor Robert Langdon probabilmente trattava di una piaga biologica. Sì, in Inferno, dal libro di Dan Brown, un miliardario eccentrico implica il controllo della popolazione e decide di creare un virus in un laboratorio. Spetta a Langdon impedire l'uso di armi biologiche nel mondo. Il film inizia a Firenze, in Italia, uno dei luoghi più colpiti dall'attuale epidemia.

I riferimenti all'Inferno di Dante sono molto presenti nel film e la differenza è che in realtà il virus non sembra essere stato opera dell'uomo, ma piuttosto un incidente in un mercato cinese.

L'obiettivo principale di questo testo è indicare alcune opzioni culturali per chi è a casa in quarantena, e portare questa indicazione del film Inferno, e del libro, ovviamente. Ho letto molto sul Covid-19 e non ho visto nessuno parlare di quel film.

Inoltre, con queste indicazioni, si apre la possibilità a tutti di mettere in discussione l'origine del virus. Perché, nel film, si dice che i governi sarebbero sempre interessati alle armi biologiche. E perché no, un eccentrico miliardario? Ricordando che "Un uomo saggio condiziona le sue convinzioni all'evidenza", come disse David Hume

Bene, spero che ti piaccia, e se ti prendi cura, il virus è pericoloso per tutti noi e dobbiamo seguire le raccomandazioni per la cura e l'igiene che ci vengono trasmesse.

Paris, cidade tão especial para a Arte, o sonho de todo artista. A exposição chamada Salon International D’Art Contemporain Carrousel du Louvre é realizada em uma luxuosa galeria comercial  localizada no conhecido Museu du Louvre . Neste espaço acontecem mostras com trabalhos de pintura, fotografia e outras formas de expressão artística contemporânea , possibilitando a  troca de experiências entre artistas expositores de diversas partes do mundo. Para esta Mostra internacional pintei o quadro “ Praia das Moças em Buzios “ – AST – dimensões : 50 x 70 cm , sendo a mesma premiada na modalidade Criatividade. 

Questo agosto ha avuto l'incredibile mostra di Doris Homann a Ligia Testa Espaço de Arte. Alcuni lavori sono qui a SmartGallery e personalmente mi sono piaciuti molto DH 19 e DH 9. Sono tele molto forti, dato il background e la vita di Doris:

• DH 19

• DH 09

Ottobre ci sarà una mostra di Egas Francisco a Joh Mabe Espaço Arte e Cultura, organizzato da Ligia Testa. Egas ha visitato l'ufficio la scorsa settimana ed è una persona affascinante, più tardi faremo un'intervista con lui. La sua esposizione è il risultato di sessioni di terapia con il dottor Isac Karniol. Egas cerca di rendere la sua arte, assolutamente spontanea, la invisibile nel visibile. Ho ricevuto una copia firmata del libro Palimpsesto Mágico e consiglio, oltre ai dipinti di Egas, il testo è molto buono.

Altri punti salienti sono il Francisco Gonzales e Décio Soncini, che ha recentemente esposto a Joh Mabe Espaço e Cultura e ora ha le sue opere qui sul sito. Ci sono schermi di misure ridotte con un valore eccellente, vale la pena dare un'occhiata.

• Décio Soncini - O Vento (The Wind)

• Francisco Gonzales - Il cielo dell'acquario

• Francisco Gonzales - La voglia di volare

• Décio Soncini - Stampe in bianco e nero

Anche 3 nuovi artisti si sono uniti a SmartGallery e ti consiglio di dare un'occhiata ai loro lavori, Carlos Lorenzo, Cristiano Chaussard e Landrou Sá

• Sfera perfetta

• Carlos Lorenzo - Fecondazione

• Landrou Sá

Questo è l'aggiornamento di agosto, fino alla prossima volta.

Stavo correndo nel parco ... Con le cuffie e la musica trance nell'orecchio, ho sentito un gruppo di ragazze parlare dei Babbani alla SmartGallery. Delirio? Non lo so, pensavo fosse buono ... Parli male, ma parli di me? Ma il mio guru del marketing ha presto deciso di scaricare un video su come i marchi più venduti sono apprezzati e ben parlati dal pubblico, e all'improvviso non è stato più un bene. Ma veramente? Babbani di SmartGallery? Sono io che scrivo qui, i miei partner, spero, appoggiano ... Il mio desiderio era di tornare lì e chiedere se lo avevo sentito.

Allo stesso tempo, abbiamo programmato di acquistare alcune opere d'arte ... per comporre una collezione, ecc. E Trump lì, scendendo nel bosco, provocando. E io, e se succede qualcosa ?? Non saranno necessari quei soldi? Per un dipinto, quale sarà sul muro? E mio nonno, diceva sempre, che le persone vedevano le foto e non le apprezzavano, ma se era una valigia di dollari o un'auto, l'atteggiamento era diverso. E non voglio essere il ragazzo che non apprezza l'arte, ma per chi, in teoria, ha sempre avuto arte, è difficile da valutare.

Naturalmente, la storia non è infinita qui. Se comprare arte oggi suona come un'idea assurda, nefasta, abominevole, indicibile, forse questo è il momento di comprare arte. Perché, nella mia esperienza, qualsiasi bene non è al suo punto di acquisto nel momento in cui tutti vogliono acquistare. Se anche per me traggo vantaggio dai movimenti del mercato dell'arte, comprare arte oggi è qualcosa di minaccioso, forse questo è il momento di comprare arte.

Che arte? Allora non oso giudicare ... Ma pensa a qualcosa ... Che il mercato brasiliano non è quel genere di cose, e forse tu, infatti, starai con Art X per diversi anni. Dimentica i soldi ... Pensa al merito, all'apprezzamento, dimentica cosa potresti guadagnare da azioni o dollari in un giorno. Se hai intenzione di acquistare arte, supponi che i soldi rimarranno lì per alcuni anni, e proprio come è quasi impossibile scoprire quale risorsa o azione aumenterà di più, la tua arte probabilmente non è il vincitore. L'importante è che tu pensi che lo sia.

Questo è il punto più importante, amare l'arte, avere empatia con il lavoro ... Perché sarà un quadro sospeso, come un'azienda sottovalutata, nella maggior parte dei casi. Ma approvato, forse, dai Babbani di SmartGallery. E, chissà, abbi un futuro, oltre ad adornare il tuo muro.

Nasci no meio da arte. Desde pequeno via os quadros do meu avô, Manabu Mabe, ficava o dia inteiro em seu ateliê, e, mais para a frente, não desgrudava do meu tio, que também pinta. Meu pai desde sempre tem galeria, e eu não só frequentava muitas exposições, como também ia a Bienal, que era um super evento, e fazia aulas de pintura, com minha avó, minha irmã e meus primos. Meu avô tinha muitos pintores amigos e até mesmo alguns aprendizes. Essa era minha visão sobre arte, e tudo era muito grandioso.

Com o tempo, fui aprendendo que essa é a visão mais tradicional e romântica de arte. A que nós vemos em filmes e na televisão, do artista pintando sozinho em seu ateliê e muitas vezes se esforçando para viver de sua arte. Mas não é a única. É com muito desdém que ouço falar de artistas que não produzem suas obras eles mesmos, que têm equipes e pessoas contratadas para fazer seus projetos. Tanto que resolvi aprender sobre o assunto.

Viggo Mortensen em ‘Um Crime Perfeito’ (1998) – Warner Bros.

Não me surpreendendo tanto, descobri que a origem dos art studios ocorreu na Renascença. Os pintores mais famosos tinham bottegas, que eram ateliês que eles tocavam e tinham uma equipe de aprendizes para auxiliá-los com as obras, muitas vezes encomendadas por patronos, ou mecenas. As bottegas (não confundir com as bodegas, palavra do espanhol para mercearias ou lojas de conveniência) tinham no máximo 16 pintores, que iam subindo conforme demonstravam seu talento ao mestre.

O grau de envolvimento do pintor chefe variava de acordo com a quantia que recebia do mecenas para a obra, e, como as pinturas eram, na maioria dos casos, à óleo, trabalhavam paralelamente em várias obras enquanto as telas secavam. Encomendar uma tela de um pintor famoso, na Renascença, não significava que o pintor pintaria a tela inteira sozinha, mas sim que a obra seria proveniente de seu ateliê, ou bottega.

Mais para frente, no século XIX, surgiu a École nationale supérieure des beuax-arts em 1816, na França, que desafiou o modelo renascentista ao promover as próprias exposições, chamadas de salons, que se tornaram os maiores eventos de arte do século ao apoiar, promover e criticar os desenvolvimentos artísticos.

Nos anos 60, Andy Warhol despontou, com a The Factory, que era seu art studio e salão de festas. Ficou conhecido pela produção em série de obras de arte, através do silk screen, e das festas que promovia, frequentadas por celebridades.

James Kavallines, New York World-Telegram and the Sun staff photographer [Public domain]

Hoje o mais conhecido talvez seja Jeff Koons, que literalmente conta com 100 funcionários que recebem um salário bem baixo, e produzem as obras que idealiza. O seu papel se assimila mais ao de um arquiteto, que projeta a obra. Curioso sobre Koons, encontrei uma descrição sobre seu processo. Ele faz colagens no Photoshop e sua equipe reproduz a colagem, minuciosamente, através de pincéis de ponta pequena em telas em escala maior. Com certeza vocês já viram colagens de outros artistas no Instagram, e o precursor sem dúvida é Koons.

Koons tem o trabalho de idealizar a obra, fazer a composição, com equilibro e balanço de cores e arranjar as imagens. Com sua equipe, os resultados são impressionantes, algumas telas na verdade parecem fotos. Que atire a primeira pedra quem nunca se impressionou com uma colagem, agora imagine que as colagens de Koons não são simples colagens, são telas pintadas a óleo.

“” by Annie Guilloret is licensed under CC BY-NC-ND 2.0 

Mas, não são pintadas, nem esculpidas por ele. Na Renascença, os pintores, além de fazerem o acabamento das obras, eram responsáveis pelas partes mais difíceis, as faces e as mãos. E é este, exatamente, o questionamento desse texto. Se a arte caminha para os rumos da publicidade; antigamente as agências contavam com alguns gênios, que criavam as frases de efeito, slogans e idealizavam as campanhas, ao passo que hoje são megacorporações que trabalham em sintonia, mas não mais apoiadas em um publicitário.

Para a maioria, é como se um jogador de futebol não jogasse ele mesmo, ou colocasse outro para jogar, ou montasse um time. Ou a nossa reação ao descobrir que James Bond, Os Três Mosqueteiros e o Conde de Monte Cristo, foram escritos por ghost writers. No caso desses, o autor do livro tem a idéia e o ghost writer traduz essa idéia para um trabalho completo, normalmente, com uma cláusula de confidencialidade. Na música também é comum o ghost writing.

A ideia de arte e artista que prevaleceu, originou-se do livro ‘A Vida dos Artistas’, de Giorgio Vasari, escrito em 1550, que propôs que a obra de arte é a expressão completa de uma única mente e mão. Apesar de não tirar os méritos e reconhecer que os trabalhos finalizados de artistas como Jeff Koons são impressionantes, eu, que pinto nas horas vagas, chain smoking e tudo o mais, sou adepto da visão romântica de arte. Pois, a tendência das coisas tomarem dimensões grandes demais, e se desvirtuarem, é muito alta. Mantenhamos os artistas, artistas, e os publicitários, publicitários…

Pensava sobre o que escrever neste artigo inaugural do blog da SmartGallery e vieram algumas ideias. Desde como começar uma coleção de arte até como analisar os fatores que influenciam a precificação dela. Pesquisando, devaneei para a distinção entre preço e valor, velho chavão prescrito por Oscar Wilde. E terminei escolhendo o tema da subjetividade na arte e como auferir objetividade em sua valoração.

Arte é uma ciência humana, no geral, mas não necessariamente, por essa razão, subjetiva. Em  pesquisa, coletei várias interpretações. De um galerista especializado em hiper-realismo, que argumenta que as pessoas não compram Basquiat porque gostam do que veem, e que é tudo uma grande distorção, até o crítico Jerry Saltz, que defende a reinvenção da habilidade e não atenta para a perfeição da técnica. Saltz defende que os maiores artistas contemporâneos da atualidade são autodidatas e que a boa arte se relaciona com o contexto do artista e condições atemporais. Outra de suas interessantes observações é que vivemos no mundo da Wikipedia e que seria um mundo de arte aberto. Observação que se contrapõe ao estereótipo de mundo da arte fechado e exclusivo, na verdade, uma interpretação mais realista. A arte e suas ferramentas, bem como sua propagação, estão mais acessíveis a seus produtores, mas o próprio Waltz argumenta que 75 artistas dominam os grandes leilões internacionais e as galerias líderes.

A subjetividade da arte conecta-se à valoração e precificação das obras pelo princípio da precificação hedonística da arte: aqui, discorre-se sobre o prazer ou a satisfação que a pessoa sente por conta da obra, bem como seus atributos estéticos, fator importante no preço pago.  Contrapondo-se às séries históricas que são a forma óbvia e habitual de precificar as obras dos grandes mestres.

Fatores econômicos tradicionais também influenciam os preços, mas existe uma ciência chamada Economia da Arte, que poucos conhecem e que tem alguns conceitos interessantes. Por exemplo, é notório que a maioria dos artistas estabelecidos tem valorização de 5% ao ano conforme envelhecem. Outra, obras revendidas que aparecem em leilão com frequência tem tendência à desvalorização a cada venda. Aqui a questão da oferta e demanda, se está sempre à venda, os colecionadores não se apressam em adquirir. Outra curiosidade é que o antigo dono da obra influencia muito em seu preço, e obras dadas como presentes pelos artistas são consideradas de menor valor pelo mercado. Mercado esse definido como esperto ou ‘smart’ por Saltz.

Continuando na Economia da Arte, os movimentos de arte são aceitos por nós mas nunca questionamos como funciona sua hierarquia. E, segundo os acadêmicos, funciona da seguinte forma: há os fundadores do movimento, que inventaram o estilo, e os seguidores, que são artistas menos conhecidos mas que aderiram ao movimento. Em relação aos movimentos e mesmo aos grandes mestres, todos são mais conhecidos por alguns objetos em comum nas suas principais obras, Dali com os relógios e sua esposa, Klimt por mulheres erotizadas e essa seria a segunda variável, sendo a primeira seus estilos principais. Obviamente, as obras mais valiosas desses artistas são as de seus estilos e objetos mais conhecidos.

Focando agora nos mercados locais, definidos pelos acadêmicos como competitivos e com oferta ilimitada, mas de maior interesse a nós que aspiramos iniciar uma coleção de arte, existem alguns fatores objetivos importantes na mensuração do potencial de valorização da arte, independentemente da valoração hedonística. Primeiramente, artistas que moram fora e/ou tem experiência internacional, tem maiores chances de se valorizarem. Voltando à Wikipedia de Saltz, o número de resultados de buscas no Google pelo nome do artista é um quesito objetivo na mensuração da propagação e notoriedade de seu trabalho, também se relacionando com o potencial de valorização. Por fim, remetendo a um interessante artigo do New York Times, que discorre sobre a profissão do artista e seus estereótipos, o artista dedica tempo e vida a seu trabalho, em boa parte dos casos, e precisa ser remunerado. Por qual valor? Aí fica a critério de nós, o inteligente mercado.