Guia do Colecionador de Arte: Como Escolher Obras com Confiança
Guia do Colecionador de Arte: Como Escolher Obras com Confiança
Você está pronto para mergulhar no mundo cativante da arte? Como colecionador em potencial, você pode se encontrar diante de um vasto mar de opções, desde pinturas clássicas até instalações contemporâneas. Mas não se preocupe, estamos aqui para ajudá-lo a navegar nesse universo intrigante.
Descubra Seu Estilo
Antes de começar sua jornada como colecionador de arte, é essencial entender seus próprios gostos e preferências. Você se inclina mais para o abstrato ou o realismo? Aprecia obras vibrantes e coloridas ou prefere algo mais sutil e monocromático? Reserve um tempo para explorar diferentes estilos e movimentos artísticos. Visitas a galerias, museus e exposições são ótimas maneiras de se familiarizar com uma variedade de obras e descobrir o que ressoa com você.
Pesquise e Aprenda
Assim como qualquer outra forma de investimento, a pesquisa é fundamental ao comprar arte. Familiarize-se com os artistas que despertam seu interesse. Quem são eles? Qual é a sua história e influência? Examine o mercado de arte e fique atento às tendências. Existem também excelentes recursos online, como fóruns de discussão, blogs especializados e redes sociais, onde você pode aprender com outros entusiastas e especialistas.
Investigue a Autenticidade
Ao comprar uma obra de arte, é crucial verificar sua autenticidade e proveniência. Certifique-se de que a peça vem com documentação adequada, incluindo certificados de autenticidade e histórico de propriedade. Se possível, consulte especialistas ou instituições respeitadas para validar a autenticidade da obra. A transparência é fundamental em qualquer transação de arte.
Avalie o Potencial de Valorização
Embora o principal objetivo de colecionar arte deva ser o prazer estético, muitos também consideram o potencial de valorização das obras ao longo do tempo. Embora seja difícil prever com certeza quais obras se tornarão mais valiosas no futuro, pesquisar o histórico de vendas de um artista e sua relevância no cenário artístico pode oferecer algumas pistas.
Conecte-se com Especialistas e Colegas
Não subestime o poder da comunidade de arte. Ao se conectar com outros colecionadores, galeristas e especialistas, você pode obter insights valiosos, descobrir novas obras e expandir sua rede de contatos. Participe de eventos, palestras e grupos de discussão para mergulhar ainda mais fundo no mundo da arte.
Conclusão
Colecionar arte é uma jornada emocionante e gratificante. Ao seguir essas dicas simples, você estará bem equipado para começar sua própria coleção e desfrutar das infinitas possibilidades que o mundo da arte tem a oferecer. Lembre-se sempre de confiar em seus instintos e escolher obras que verdadeiramente o inspirem. Afinal, a arte é uma expressão única da alma humana, destinada a ser apreciada e compartilhada. Boa caça às obras de arte perfeitas para a sua coleção!
Pablo Picasso, vida e obra, trajetória, onde ver suas obras, obras mais famosas e histórias curiosas, imagens das obras
1. Introdução
Pablo Picasso é, sem dúvida, um dos artistas mais renomados e influentes do século XX. Sua vida e obra são repletas de trajetórias fascinantes que cativaram o mundo da arte. Desde sua infância em Málaga, na Espanha, até sua consagração como um dos fundadores do movimento cubista, Picasso deixou um legado duradouro nas artes visuais. Este artigo explora a vida e obra de Picasso, suas obras mais famosas, onde vê-las em exposições e alguns fatos curiosos sobre o artista. Além disso, incluímos imagens de suas obras mais emblemáticas para apreciação visual. Acompanhe para conhecer mais sobre o cativante mundo de Pablo Picasso.
2. Quem foi Pablo Picasso?
Pablo Picasso foi um renomado artista espanhol nascido em 1881 e falecido em 1973. Ele foi um dos artistas mais influentes do século XX, deixando um legado duradouro nas artes visuais. Picasso é conhecido por seu estilo versátil e inovador, explorando diversas técnicas e estilos ao longo de sua extensa carreira.
Desde cedo, Picasso mostrou um talento excepcional para as artes. Ele começou a pintar aos sete anos e rapidamente se destacou entre seus contemporâneos. Picasso foi responsável por fundar o movimento cubista juntamente com Georges Braque, revolucionando a forma como a arte era concebida.
Ao longo de sua vida, Picasso produziu uma quantidade impressionante de obras de arte, incluindo pinturas, esculturas, cerâmicas, desenhos e gravuras. Suas obras mais famosas incluem “Les Demoiselles d’Avignon”, “Guernica” e “Les Meninas”.
Continue lendo para descobrir onde você pode ver suas obras e algumas histórias curiosas sobre esse excêntrico artista!
3. A trajetória de Picasso
Pablo Picasso teve uma trajetória artística singular, demonstrando talento desde cedo e alcançando grande reconhecimento ao longo de sua carreira. Ele passou por diferentes fases e estilos, experimentando e inovando constantemente.
No início de sua carreira, Picasso foi influenciado pelo período azul e rosa, retratando temas melancólicos e introspectivos. Em seguida, passou por uma fase africana, na qual explorava formas mais expressivas e primitivas. Mas foi com o movimento cubista que ele revolucionou a arte moderna, desconstruindo as formas e apresentando múltiplas perspectivas em suas obras.
Picasso foi um artista prolífico, produzindo uma vasta quantidade de obras ao longo de sua vida. Sua genialidade e originalidade fizeram dele um dos artistas mais importantes e influentes do século XX.
Descubra agora onde você pode encontrar algumas das obras mais famosas de Picasso e ainda mais histórias curiosas sobre esse artista multifacetado!
4. Onde ver suas obras
Embora as obras de Pablo Picasso estejam espalhadas por importantes museus e galerias de arte ao redor do mundo, há alguns locais específicos onde você pode apreciar suas obras mais famosas e emblemáticas.
Um dos lugares mais renomados para ver as obras de Picasso é o Museu Picasso, localizado em Barcelona, Espanha. O museu abriga uma extensa coleção de mais de 4.000 peças, incluindo pinturas, esculturas, desenhos e cerâmicas. Aqui, os visitantes podem explorar a evolução artística de Picasso, desde os primeiros anos até as suas últimas obras.
Outro lugar imperdível é o Museu Picasso, em Paris, França. Situado no pitoresco bairro de Marais, o museu é uma verdadeira homenagem ao artista. Com mais de 5.000 obras, incluindo rascunhos, pinturas e esculturas, os visitantes podem mergulhar na mente e na criatividade de Picasso.
Além desses museus, algumas das obras mais famosas de Picasso também podem ser encontradas em museus e coleções particulares ao redor do mundo. Se você está planejando uma viagem, certifique-se de incluir esses locais na sua lista de paradas obrigatórias!
No próximo tópico, vamos explorar algumas das obras mais famosas de Picasso e suas histórias por trás delas. Fique atento!
5. As obras mais famosas de Picasso
Picasso é conhecido por suas obras revolucionárias e icônicas que marcaram a história da arte. Nesta seção, vamos explorar algumas de suas obras mais famosas e as histórias por trás delas.
1. “Les Demoiselles d’Avignon” (1907) – Esta é uma das pinturas mais famosas de Picasso e um dos primeiros exemplos do movimento cubista. Ela retrata cinco prostitutas em um bordel em Barcelona, e sua composição inovadora chocou o mundo da arte na época.
2. “Guernica” (1937) – Talvez a obra mais famosa de Picasso, “Guernica” é uma resposta aos horrores da Guerra Civil Espanhola. A pintura mostra o bombardeio da cidade basca de Guernica e sua devastação, simbolizando a crueldade da guerra e os sofrimentos humanos.
3. “A Mulher que Chora” (1937) – Esta pintura é uma expressão poderosa da dor e do sofrimento humano. Picasso retratou uma mulher chorando com o corpo distorcido e angustiado, tornando-a um símbolo duradouro de tristeza e angústia.
4. “Les Noces de Pierrette” (1905) – Essa obra-prima retrata uma garota em meio ao luto. A pintura é um exemplo brilhante do estilo azul de Picasso, caracterizado por uma paleta de cores frias e melancólicas.
Essas são apenas algumas das obras mais famosas de Picasso, cada uma com sua própria história intrigante e impactante. Fique ligado para descobrir mais sobre essas obras e suas curiosidades!
6. Histórias curiosas sobre Picasso
Além das suas obras icônicas, a vida de Picasso também é repleta de histórias curiosas que adicionam um elemento de fascínio à sua trajetória artística. Uma dessas histórias envolve a pintura “Les Demoiselles d’Avignon”. Quando Picasso mostrou a obra para seus amigos, um deles chamou-a de “coisa terrorista”. Apesar dessa reação inicial negativa, a pintura acabou se tornando uma das mais importantes da história da arte.
Outra história interessante é sobre a pintura “Guernica”. Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso foi abordado por um oficial nazista que, ao ver uma foto da pintura, perguntou: “Você fez isso?”, ao que Picasso respondeu: “Não, você”. Essa resposta demonstra a mensagem poderosa e política por trás da obra.
Essas são apenas duas das inúmeras histórias curiosas que cercam a vida e a obra de Picasso. Fique atento para aprender mais sobre essas intrigantes narrativas e para descobrir onde você pode ver suas obras em exposições e museus ao redor do mundo.
Melhores locais para ver arte em São Paulo
1. Introdução
São Paulo, Brasil, é reconhecida internacionalmente por seu vibrante cenário artístico e cultural. Com uma infinidade de museus e galerias, a cidade oferece uma infinidade de oportunidades para mergulhar em obras de arte requintadas. Quer você seja um entusiasta da arte ou simplesmente queira explorar a rica herança cultural de São Paulo, este artigo destaca os melhores museus e galerias públicas para visitar. De instituições renomadas a joias escondidas, descubra os principais locais para ver arte em São Paulo abertos ao público.
2. A importância dos museus e galerias de arte em São Paulo
A importância dos museus e galerias de arte em São Paulo
Os museus e galerias de arte desempenham um papel fundamental na vida cultural e artística de São Paulo. Além de fornecerem um espaço para admirar obras de artistas renomados, eles também desempenham um papel crucial na preservação e divulgação da história e cultura da cidade.
Essas instituições oferecem uma oportunidade única para os visitantes explorarem diferentes períodos artísticos, desde o clássico até o contemporâneo. Além disso, os museus e galerias de arte em São Paulo também servem como plataformas para exposições temporárias e eventos, trazendo novas perspectivas e tendências para o público.
Ao promover e valorizar a arte, esses locais contribuem para o desenvolvimento cultural e educacional da cidade, incentivando a criatividade e o diálogo entre artistas e espectadores. Portanto, ao visitar os melhores museus e galerias em São Paulo, você está imerso em uma experiência enriquecedora que vai além da mera apreciação estética.
3. As melhores opções de museus públicos e galerias em São Paulo
São Paulo é uma cidade rica em opções quando se trata de museus públicos e galerias de arte abertos ao público. Aqui estão algumas das melhores opções para quem deseja admirar e se inspirar com obras de arte de renomados artistas:
– Museu de Arte de São Paulo (MASP): Reconhecido internacionalmente, o MASP abriga uma vasta coleção de arte europeia, brasileira, africana e asiática. Além das exposições permanentes, o museu também oferece mostras temporárias e eventos culturais.
– Pinacoteca de São Paulo: Localizada no histórico prédio da Estação da Luz, a Pinacoteca é um dos museus mais antigos da cidade. Seu acervo conta com mais de 11 mil obras, incluindo pinturas, esculturas e fotografias de artistas brasileiros e estrangeiros.
– Instituto Tomie Ohtake: Fundado para homenagear a artista japonesa Tomie Ohtake, o instituto promove exposições de arte contemporânea, arquitetura, design e cultura brasileira, além de oferecer cursos e workshops.
Esses são apenas alguns dos incríveis museus e galerias de arte que São Paulo tem a oferecer. Se você está em busca de uma experiência cultural única, não deixe de visitar esses locais e descobrir o incrível mundo da arte em São Paulo.
4. Experiências únicas em cada local
Cada um dos museus e galerias mencionados anteriormente oferece uma experiência única para os visitantes. Ao explorar o Museu de Arte de São Paulo (MASP), por exemplo, você terá a oportunidade de admirar obras-primas de grandes mestres da pintura europeia, como Van Gogh, Monet e Picasso, além de se encantar com a arquitetura icônica do edifício.
Já na Pinacoteca de São Paulo, além de apreciar a vasta coleção de arte brasileira e estrangeira, você poderá vivenciar o charme histórico da Estação da Luz, onde o museu está localizado. A combinação de arte e história faz desse local uma experiência enriquecedora.
No Instituto Tomie Ohtake, você terá a chance de mergulhar no emocionante mundo da arte contemporânea brasileira. As exposições inovadoras e multifacetadas apresentadas neste instituto são uma oportunidade única de conhecer novas tendências artísticas e se inspirar com a criatividade dos artistas modernos.
Ao visitar esses locais em São Paulo, você terá a certeza de vivenciar experiências únicas, mergulhando no mundo da arte e da cultura. Cada museu e galeria oferece uma oportunidade de aprendizado e enriquecimento pessoal, deixando uma marca duradoura em sua jornada.
5. Dicas para visitar os museus e galerias abertos ao público
Para aproveitar ao máximo sua visita aos museus e galerias de arte em São Paulo, aqui estão algumas dicas valiosas:
1. Planeje seu itinerário: Com tantas opções, é importante definir quais museus e galerias você deseja visitar. Verifique os horários de funcionamento e se há exposições temporárias que possam interessar.
2. Aproveite as visitas guiadas: Muitos museus oferecem visitas guiadas gratuitas ou por um custo adicional. Essas visitas podem fornecer informações detalhadas sobre as obras de arte, a história do local e curiosidades interessantes.
3. Verifique as políticas de fotografia: Algumas instituições permitem fotografar as obras de arte, desde que sem flash e para uso pessoal. No entanto, outras podem ter restrições. Certifique-se de verificar as políticas de cada museu antes de fotografar.
4. Reserve tempo suficiente: Os museus e galerias de São Paulo geralmente são grandes e repletos de obras importantes. Reserve tempo suficiente para explorar todas as exposições e apreciar cada detalhe.
5. Esteja aberto para descobertas: Embora seja bom ter uma lista de obras de arte que você deseja ver, também esteja aberto para descobrir novos artistas e estilos. Às vezes, as maiores surpresas vêm de lugares inesperados.
Seguindo essas dicas, você estará pronto para desfrutar ao máximo da sua visita aos museus e galerias de arte em São Paulo. Aproveite a riqueza cultural que a cidade tem a oferecer e permita que a arte inspire e enriqueça sua vida.
6. Reconhecimento internacional da cena artística em São Paulo
A cena artística de São Paulo é reconhecida internacionalmente pela sua diversidade, qualidade e inovação. A cidade abriga uma série de museus e galerias que são considerados referências no mundo da arte contemporânea.
O Museu de Arte de São Paulo (MASP) é um dos museus mais famosos da cidade e conta com uma vasta coleção de arte ocidental, desde a antiguidade até os dias atuais. Sua icônica arquitetura suspensa é um atrativo à parte.
Outra instituição de destaque é o Instituto Tomie Ohtake, que abriga exposições de artistas nacionais e internacionais, além de promover eventos e debates sobre arte contemporânea.
Além disso, São Paulo é conhecida por sua vibrante cena de arte de rua, onde artistas locais e internacionais transformam os muros da cidade em verdadeiras galerias a céu aberto.
Visitar esses locais é uma oportunidade única para conhecer e se inspirar com o talento dos artistas brasileiros e estrangeiros que contribuem para a cena artística de São Paulo.
7. Conclusão e convite para explorar a arte em São Paulo
Para os amantes da arte, São Paulo é um verdadeiro paraíso. Ao longo deste blog, apresentamos alguns dos melhores museus e galerias da cidade, que são reconhecidos internacionalmente pela qualidade e diversidade de suas coleções. O MASP, com sua arquitetura icônica e vasta coleção de arte ocidental, e o Instituto Tomie Ohtake, que promove exposições e debates sobre arte contemporânea, são apenas alguns exemplos desses locais imperdíveis.
No entanto, a cena artística de São Paulo vai muito além desses espaços. A cidade é conhecida por suas galerias de arte independentes, suas exposições temporárias e, é claro, sua arte de rua vibrante. Convidamos você a explorar e descobrir ainda mais sobre a arte em São Paulo, seja visitando os museus e galerias mencionados neste blog, ou simplesmente caminhando pelas ruas e apreciando as obras de arte que enfeitam a cidade. Com certeza, você encontrará inspiração e descobrirá novos talentos nessa metrópole cultural.
MICHELANGELO, das größte Fälschungsgenie der Kunstgeschichte
von Arthur Blade
Tausende Menschen schlendern jeden Tag durch den Ibirapuera-Park in São Paulo, Tausende gehen Sport treiben, nehmen ihre Hunde mit, nehmen ihre Kinder mit und bemerken die Skulptur auf dem Foto unten oft gar nicht. Es ist eine Bronzekopie der Skulpturengruppe Laocoonte, die sich im Pio-Clementino-Museum im Vatikan befindet und vom Lyzeum für Kunst und Handwerk in São Paulo angefertigt wurde. Die Statue ist seit 1954 dort, als der Park eröffnet wurde.
Nun, die Leute laufen um Ibirapuera herum, viele machen sogar Selfies mit dem Laokoon, der sich vor Schmerzen auseinander reißt, aber die große Mehrheit hat keine Ahnung von dem großen epischen Abenteuer, das hinter dieser Skulptur steckt.
Am Anfang.
Caio Plínio Segundo (23 - 79), auch bekannt als Plínio der Ältere, war ein römischer Naturforscher. Es ist bekannt, dass er in 37 Bänden eine großartige Abhandlung mit dem Titel: Naturgeschichte geschrieben hat. In dieser Arbeit offenbart er einen sehr hohen enzyklopädischen Wissensstand, der sich mit den unterschiedlichsten Wissenschaften und Künsten befasst, die sich bis dahin in der Entwicklung befinden. In einer seiner Passagen in Band 36 berichtet er:
„… Dies ist der Fall bei der Laocoonte-Gruppe, zum Beispiel im Palast von Kaiser Tito, ein Werk, das jeder anderen Produktion der Kunst der Malerei oder der [Bronze-] Statuen vorzuziehen ist. Es ist aus einem einzigen Block geformt, sowohl der Hauptfigur als auch den Kindern und den Schlangen mit ihren wunderbaren Falten. Diese Gruppe wurde von drei der bedeutendsten Künstler, Agesandro, Polidoro und Atenodoro, die auf Rhodos beheimatet sind, zusammengestellt. “
Diese Referenz war alles, was Gelehrte und Künstler zu Michelangelos Zeiten über diese Statue hatten. Plínio gibt nicht an, wann es hergestellt wurde oder wer es bestellt hat. Für ungefähr 1400 Jahre verschwand der Name Laocoonte, verbunden mit der Skulpturengruppe, einfach aus der Geschichte, bis…
1506 - das Jahr der Entdeckung einer Ikone
Am 14. Januar 1506 findet der römische Felice de Fredi, Besitzer eines Weinbergs in der Nähe des alten Termas de Tito, beim Ausgraben seines Landes zum Pflanzen eine Statue. Zu dieser Zeit, dem Höhepunkt der Renaissance, wurde die klassische Skulptur hoch geschätzt. Felice schickte sofort Giuliano de Sangallo, den Architekten von Papst Julius II. Und die Hauptautorität, wenn es um Antiquitäten und deren Authentizität ging.
In diesem Moment ereignet sich einer der großen Zufälle der Geschichte, als Giuliano mitten im Mittagessen gewarnt wird, wer in seiner Gesellschaft war? Ja, Michelangelo war an diesem Tag Ihr Gast zum Mittagessen. Dann machen sie sich auf den Weg zum Entdeckungsort. Neben ihnen war Giulianos 11-jähriger Sohn Francesco da Sangallo, der Bildhauer werden und 60 Jahre später das Ereignis erzählen sollte:
“… Então ele partiu imediatamente. Visto que Michelangelo Buonarroti sempre podia ser encontrado em nossa casa, pois fora contratado para o túmulo do Papa Júlio II, meu pai quis que ele também fosse. Juntei-me ao meu pai e lá fomos nós. Eu desci até onde as estátuas estavam quando imediatamente meu pai disse:“Esse é o Laocoonte, que Plínio menciona.”
Auf dem Boden, der damals größtenteils ausgegraben wurde, fanden sie mehrere Teile des skulpturalen Ensembles, die auf dem Foto unten zu sehen sind:
Papst Julius II., Ein leidenschaftlicher Klassiker.
Der Wert der authentischen Antike war sehr hoch. Papst Julius II., Ein großer Bewunderer der klassischen Kultur, kaufte es sofort für 4.140 Dukaten, Felice de Fredi erhielt immer noch eine lebenslange Rente von 600 Dukaten pro Jahr und im Sterben wird seine Entdeckung auf seinem Grabstein erwähnt.
Eine rätselhafte Statue wie eine Sphinx.
Wie Sie sehen können, fehlten einige Teile. Laokoontes rechter Arm fehlte neben der Hand eines der Söhne und dem rechten Arm des anderen sowie Teilen der Schlangen.
Na época, os artistas e demais autoridades debateram sobre como seriam as partes faltantes para se fazer uma reconstituição. Michelangelo sugeriu que o braço direito de Laocoonte estaria virado para trás. Já a imensa maioria, entre eles o próprio Rafael, acreditava que o braço estaria esticado em sinal de grande heroísmo. Em 1510, Bramante, arquiteto do Papa, organiza uma votação entre os principais artistas para decidir se o braço direito está estendido ou inclinado para trás. O primeiro vence e uma cópia é assim feita restabelecendo-se aquelas que seriam as partes faltantes. A gravuraabaixo, de Marco Dente, de cerca de 1515-27, reflete o conjunto sem os acréscimos.
In diesem anderen Stich von Nicolas Béatrizet von etwa 1535-65 gibt es die Ergänzungen, von denen angenommen wurde, dass sie im Originalwerk vorhanden sind oder die sich zumindest dem ersten Werk näherten:
Das Unmögliche passiert
1906 geschah etwas, das absolut unmöglich war. Etwas, das jeder mit der geringsten Wahrscheinlichkeit sagen würde, ist schwieriger als ein Lottogewinn. Nun, 1906 trat der Archäologe und Kunsthändler Ludwig Pollack als derjenige in die Kunstgeschichte ein, der Laocoontes rechten Mann fand. Er fand das Armfragment auf dem Boden einer Baufirma in der Nähe der Hauptteile der Arbeiten.
Es gibt keine Details darüber, wie er diesen Teil der Statue gefunden hat. Die Tatsache, die zu den Unwahrscheinlichkeiten beiträgt, ist, dass Pollack erkannte, dass es sich um Laocoontes Arm handeln könnte, zu einer Zeit, als diese Angelegenheit mehr als abgeschlossen war. Das heißt, 400 Jahre nach der Entdeckung der Hauptgruppe wird der Arm gefunden. Da er jedoch eine Analyse benötigte, spendete er dem Vatikan, um die Studie wieder aufzunehmen.
Vierhundert Jahre sind vergangen. 1506 - 1906
In diesen 400 Jahren hatte die Skulptur bereits eine wahre Saga durchlaufen, hatte bereits einige Restaurierungen erfahren, wegen der napoleonischen Invasionen wurde sie als Beute in den Louvre gebracht, danach, mit dem Verlust der Schlacht von Waterloo, kehrte sie nach Italien zurück und Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde es restauriert und mit den fehlenden Teilen zum Originalwerk hinzugefügt. Es reichte also nicht aus, Pollacks Arm neben die ursprüngliche Skulptur zu legen, um zu sehen, ob es Laocoontes rechter Arm war.
Und es gehen noch 50 Jahre
Erst 1957 beschloss die Leitung der Vatikanischen Museen, den Arm dem Stamm von Laokoon hinzuzufügen. Auf dem nächsten Foto können Sie sehen, dass sie perfekt passen und dass die Erhaltung des Arms die Wirkung von 400 Jahren erlitten hat, die ihn von der Arbeit, zu der er gehörte, trennten.
Und deshalb hat der Nachbau des Ibirapuera-Parks seinen Arm verlängert, weil er vor 1957 hergestellt wurde. Und erst in den 1980er Jahren wurden die hinzugefügten Teile vollständig entfernt, und so blieb die Statue so, wie sie jetzt ist, nur mit dem Originalteile:
Der große Zweifel
Zwischen den Zeilen von Michelangelos Biografien gibt es diejenigen, die behaupten, dass er das skulpturale Ensemble Laocoonte geformt hat und dass er mit seinem Freund Felice de Fredi zugestimmt hat, es zu begraben, das Werk durch die Antike zu führen und so eine große Summe zu erhalten mit dem Verkauf an Papst Julius II., der es sicherlich kaufen würde.
Die Zufälle sind weder klein noch klein. Michelangelo aß gerade mit Giuliano da Sangallo zu Mittag, als die Nachricht von der Entdeckung der Skulptur erschien und er möglicherweise einer der ersten war, der am Ort ankam. Als dann alle großen Künstler der Zeit dachten, dass der fehlende Arm verlängert werden würde, steht Michelangelo auf und sagt, dass er zurückgewiesen werden würde, und 450 Jahre später stellten wir fest, dass er absolut Recht hatte.
Der schlafende Amor
Eine andere Tatsache stützt diese Hypothese. Es gibt eine kleine Statue des schlafenden Amors, die heute verloren geht und 1496 von Michelangelo gemeißelt wurde. Nur dass er sie für die Antike gealtert und an einen Kunsthändler verkauft hat, der sie wiederum an Kardinal Riario de San Giorgio verkaufte. Als der Betrug entdeckt wurde, wollte der Kardinal nicht nur mit der Statue fortfahren, sondern lud Michelangelo auch ein, nach Rom zu gehen, wo er seine ersten Befehle für diejenigen erhalten würde, die große Meisterwerke der Menschheit sein würden. Er war 21 Jahre alt, und diese kleine Fälschung, die eine Statue als Antike mit Kunstgegenständen wie Begraben, um alt auszusehen, den Umgang mit kleinen Kratzern und die Herstellung kleiner Bruchstücke zu übergehen, hat möglicherweise den Unterschied für ihn ausgemacht, wenn Projekt im künstlerischen Universum der Zeit.
Meine eigene Version
Laocoonte von Arthur Blade
Michelangelo, por volta de 1506, já era considerado “il divino” por esculturas como Baco, Pietá e David, sua fama já era notória, nãoprecisaria de dinheiro para se manter, nem muito menos, se tivesseesculpido ele mesmo o grupo Laocoonte, deixaria de mostrar seutalento falando a todos que foi o autor.
Was hätte also passieren können?
Und hier kommt meine eigene Version der Geschichte ins Spiel.
Michelangelo conhecia a descrição do grupo escultórico Laocoontefeita por Plínio, com certeza teria ficado com isso em mente e logo começaria a conceber como teria sido esta estátua. Michelangelo então, em segredo, começa a esculpir aquela que seria sua primeira composição com três personagens, um verdadeiro virtuosismo em um único bloco de mármore.
Es passiert jedoch etwas Unvermeidliches, wenn die Arbeit beendet ist, wenn es um das Polieren der Teile der Statue geht, ein winziger Riss im Marmor und ... und ein Teil der Arbeit versehentlich bricht. Dies zerstört ihn völlig, er würde niemals eine Arbeit haben, die ihn persönlich nicht befriedigen würde, selbst wenn sie gut geflickt wäre. Er wusste auch, dass seine Feinde dieses Detail nutzen würden, um ihn zu verleumden. Außerdem wäre es keine Statue mehr aus einem einzigen Marmorblock, wie Plínio betonte. Es war alles vorbei.
Dann erarbeitet er mit seinem Freund Felice de Fredi einen kühnen Plan, bittet ihn, die Statue in Teile zu zerbrechen (Michelangelo würde niemals in der Lage sein, ein Meisterwerk der Menschheit selbst zu zerbrechen), dann mit einigen kleinen Teilen zu verschwinden, einige Kratzer zu machen, zu altern bestmöglicher Weg und begraben in Felices Weinberg. Die Fortsetzung der Geschichte kennen wir bereits.
Die Wahrheit muss noch entdeckt werden.
Die Position der Kritiker ist immer noch umstritten, einige glauben immer noch, dass Laokoon die ursprüngliche griechische Statue mit ungewissen Daten ist; andere sagen, es sei eine Kopie einer griechischen Bronzestatue aus dem 11. Jahrhundert vor Christus, die uns nicht erreicht habe; Es gibt auch diejenigen, die sagen, dass es kein einziger Marmorblock ist, kurz gesagt, die Wahrheit wird für immer begraben bleiben.
Michelangelo, das größte Fälschungsgenie der Kunstgeschichte
Meine Version ist absolut plausibel, Marmor ist ein Material, das leicht bricht. Michelangelo hat mit seinem starken Temperament möglicherweise die von mir erwähnten Schritte befolgt.
Und wenn das wirklich geschah, präsentierte Michelangelo uns Meisterwerke wie Pietá, David, die Decke der Sixtinischen Kapelle, das Fresko des Jüngsten Gerichts, den Moses und… das, was das maximale Meisterwerk der griechischen Statue ist, das skulpturale Ensemble von Laokoon. Und neben all seinem Genie lächelt Michelangelo, weil er alle davon überzeugt hat, dass Laokoon eine griechische Statue ist, er hat sogar die Griechen erreicht.
Michelangelo, das größte Fälschungsgenie der Kunstgeschichte.
PorArthur Blade
Das gemalte Wort, die Kultur und der Apachentanz
Ich war Buddhist, bin schon zum Atheismus gewandert, habe mich aber in der katholischen Region niedergelassen. Ich war 2 Jahre lang Asket, aß kein Fleisch, trank nicht, rauchte nicht und hörte nicht einmal Musik. All dieser Glaube brach zusammen, als ich im Fitnessstudio krank wurde. Ich hatte einen Druckabfall, der mich nur weißes Licht sehen und grün werden ließ. Wäre da nicht der Personal Trainer gewesen, wäre vielleicht das Schlimmste passiert.
Ich bin gegen das verschärfte Ego, den Selbsttitel und obwohl ich es studiere, bin ich kein Fan des Okkultismus. Ich habe den Buddhismus einfach verlassen, weil ich einige der Werte überschreiten musste, insbesondere den Mangel an Ehrgeiz. Ich habe einige Geschäfte gemacht und aufgehört, andere zu gründen, einschließlich „The Book Club“. Es sollte ein Buchclub sein, der in Brasilien gegründet wurde und internationale Ambitionen hatte ... Es gab bereits gute Lesungen, und ich bekam nicht einmal die Domain, und am Ende kündigte ich. Ich bin auch nicht der größte Leser.
Aber vielleicht lesen Sie aus Langeweile mehr. Ich fing an, "The Painted Word" von Tom Wolfe zu lesen, dem gleichen Autor von "Bonfire of the Vanities", mit dem Gedanken an einen Blog-Beitrag. Auf diese Weise würde ich die relevanten Beobachtungen bemerken ...
Zurück zum faszinierenden „The Painted Word“ beginnt das Buch mit einer genialen Tirade, bei der es um Text zur Kunst geht, um Kunst zu rechtfertigen. Moderne Kunst existiert laut Wolfe nicht ohne einen Text, der sie erklärt. Text hört aufgrund von Kunst auf zu existieren, Kunst aufgrund von Kunst. Das Buch ist eine Satire auf Kunstkreise des 20. Jahrhunderts in New York. "Die moderne Kunst ist vollständig literarisch geworden: Gemälde und andere Werke existieren nur zur Veranschaulichung des Textes", prophezeit er.
Tom verspottet sowohl die Innenstadt als auch die angrenzenden Regionen von Soho und New York wie Upside und charakterisiert den „Apache-Tanz“. Künstler aus der Innenstadt leben, um mit Upside, den Galerien und der Finanzelite ein echtes Verführungsspiel zu spielen. In diesem Spiel verachten die Künstler den Trubel und die Opulenz der Eliten von Anfang an und warten auf den Vormarsch der KulturAuswahl der Künstler der Zeit. Da Wolfe dazu neigt, Eliten viel mehr zu kritisieren, ist die Bewegung von Boho Tanz (1 und Vollendung (2) ist durch den folgenden Satz von Andy Warhol gekennzeichnet:
"Nichts ist bürgerlicher als Angst zu haben, bürgerlich auszusehen"Das Buch zeichnet auch unglaubliche Epen auf, wie das Sponsoring von Jackson Pollock durch Peggy Guggenheim, und den Tag, an dem Pollock völlig betrunken zu einer seiner Partys ging, in ein Zimmer in der Residenz ging und nackt zurückließ, um vor allen Leuten am Feuer zu urinieren . Pollock ist einer der Höhepunkte des Buches, da es die beiden Stufen des Apache-Tanzes erfüllte, aber anfangs finanziell nicht erfolgreich war. Persönlich fand ich es super interessant, dass er 1943 von ihm selbst gemalte Krawatten verkaufte, die mein Großvater, Manabu Mabe tat und das führte dazu, dass er von einer Figur aus der Seifenoper „Cobras e Lagartos“ angegriffen wurde… Sie spricht über Krawatten und zerreißt ihre Leinwand. Aber wenn Pollock es in New York macht, anstatt in der Innenstadt von São Paulo, ist es sogar für Tom Wolfe lobenswert.
Während der kubistischen und späteren abstrakten Reihe des Buches ist Picasso ein weiteres Highlight. Er beendete die 2 Phasen des Apache-Tanzes und ließ 2 seiner Kollegen zurück, André Derain und Georges Braque. Es ist offensichtlich, dass Picasso nach Meinung von Wolfe 2 nicht künstlerisch überlegen war, sondern kompetenter darin, den wahren Paarungstanz auszuführen, den er in seinem Buch in der Welt der Künste zu existieren vorschlägt.
Ausgehend von Picasso spricht Wolfe über die Kritiker und wie die Kunsttheorie danach wichtig wurde. Steinberg würde später die Theorie von vorschlagen Ebenheit oder Ebenheit. Darin müssen die Bilder in das Medium, die Leinwand, eingearbeitet werden, ohne dass ein Zentimeter Tinte darüber verbleibt. Es war lange in Kraft und John Jasper und Jackson Pollock waren seine Vertreter. Ich fand es sehr interessant, weil es Lygia Clark ähnelt und eines der ersten Hauptthemen von Jasper Flaggen waren. Und schauen Sie, was ich vor ein paar Monaten getan habe, für das Cover meines persönlichen Facebook ist es keine Flagge:
Joh Mabe - Ohne Titel
Jasper Johns '' Flag '', Encaustic, Öl und Collage auf Stoff auf Sperrholz, 1954-55Ich bin erst über 50 Jahre alt. Nach der Flachheit entstand Pop Art. Weil die Menschen moderne oder abstrakte Kunst nicht wirklich mochten, noch kauften oder wenn sie kauften, mochten sie es nicht unbedingt. Und sobald sie die Gelegenheit hatten, wurden sie zu dieser Bewegung konvertiert, deren Vertreter Warhol und Roy Lichtenstein waren. Sie passten nicht so realistisch, weil Roys Liebes- und Kriegscomics und Warhols Suppendosen alltägliche Symbole der amerikanischen Kultur waren. Der symbolische Bezug hat den Realismus der Werke erschöpft. Pop-Art, behauptet Tom, hatte zahlreiche literarische Referenzen und insgeheim die Kultur er kehrte zurück, um den Realismus zu schätzen.
Tom beendet das Buch mit dem Aufstieg der minimalistischen Kunst, die voller Theorien erschien und auf Effekten und optischen Täuschungen beruhte.
Bridget Riley. Current (1964) smallcurio from Austin, TX / CC BY (https://creativecommons.org/licenses/by/2.0)Kubisten, Realisten und Impressionisten stellten auf ihren Bildschirmen die Eindrücke der Illusionen dar, die sie sahen; moderne Abstraktionisten machten ihre Bilder zu wirklich autonomen Objekten; Die Minimalisten beendeten den Zyklus und machten ihre Werke zu einem Stück reiner Wahrnehmung.
Die Schlussfolgerung am Ende ist, dass sich Text und Theorie in der Kunst durchgesetzt haben, daher der Titel des Buches, The Painted Word.
Eine modernere Interpretation dessen, was Tom Wolfe prophezeit und erlebt hat, ist in dargestellt "Der Platz - Die Kunst der Zwietracht"Film Rubem Ostlund, eine Komödie, die die Dichotomie zwischen den Werken des schwedischen Museums für moderne Kunst und der Realität außerhalb kritisiert. Die Kunst im Film wird mehrmals dargestellt, was die Kommunikation zwischen den Figuren behindert. Es bringt auch einige Ideen über die Grenzen, die Kunst und Künstler und Teilnehmer haben müssen.
Das war's für heute, Tom Wolfe's Bücher sind wieder lesenswert, er ist berühmter für Vanity BonfireDie Bücher sind sehr gut geschrieben, aber für diejenigen, die nicht viel Geduld zum Lesen haben, gibt es den Film.
Kulturelle Hinweise auf Pandemien
Die Beulenpest, die im Mittelalter hauptsächlich in Europa auftrat und bis ins 19. Jahrhundert andauerte, hat die Gesellschaft stark beeinflusst. Es ging der Renaissance voraus und hat Referenzen in beiden Göttliche Komödievon Dante als Decameronvon Giovanni Bocaccio. Aber vielleicht war der größte Einfluss auf die Religion, die einen starken Niedergang erlitt, da die Menschen von der Kirche nicht gerettet werden konnten und die Pest als göttliche Bestrafung interpretierten.
Gegenwärtig erreicht Covid-19 auf milde Weise Brasilien. Derzeit interpretieren es 11.000 Fälle bis heute als Geschenk, in dem Sinne, dass Gott uns dazu führen würde, das Familienleben, die Natur und das Leben zu schätzen. oder uns vielleicht für die materialistischen, selbstsüchtigen und unempfindlichen Richtungen zu bestrafen, die die Gesellschaft eingeschlagen hat. Oder sogar für die Libidinosität, die in unserer Gesellschaft vorherrscht, die totale Trivialisierung zwischenmenschlicher Beziehungen.
Aber seit das Virus aufgetaucht ist, bin ich gefolgt und habe versucht, mich an einige filmische Referenzen zu erinnern. Etwas hatte bereits gezeigt, wie katastrophal ein Virus sein würde, und es war kein Geschenk ...
Im 12 AffenBruce Willis wird aus der Zukunft geschickt, um Informationen über die Heilung eines Virus zu erhalten, das 1996 die menschliche Bevölkerung auslöschte. Ansteckung, von Steven Soderbergh ist nach Covid-19 einer der meistgesehenen Filme, aber er wurde inspiriert von SARS.
Es war noch nicht das, wonach ich suchte, es gab noch einen Hinweis, den ich vergessen würde ... Tom Hanks und seine Frau haben sich in Australien mit dem Virus infiziert, und ich erinnerte mich, dass sich einer von Dr. Robert Langdons Filmen möglicherweise mit einer biologischen Pest befasste. Ja in Hölle, Aus Dan Browns Buch geht hervor, dass ein Milliardär-Exzentriker die Bevölkerungskontrolle impliziert und beschließt, in einem Labor ein Virus zu erzeugen. Es liegt an Langdon, den Einsatz biologischer Waffen in der Welt zu verhindern. Der Film beginnt in Florenz, Italien, einem der Orte, die am stärksten von der aktuellen Epidemie betroffen sind.
Hinweise auf Dantes Inferno sind im Film sehr präsent und der Unterschied besteht darin, dass das Virus in Wirklichkeit nicht das Werk von Menschen zu sein scheint, sondern eher ein Unfall auf einem chinesischen Markt.
Das Hauptziel dieses Textes ist es, einige kulturelle Optionen für diejenigen aufzuzeigen, die in der Quarantäne zu Hause sind, und diesen Hinweis auf den Film Inferno und natürlich auf das Buch zu geben. Ich habe viel über Covid-19 gelesen und niemanden gesehen, der über diesen Film gesprochen hat.
Mit diesen Hinweisen können alle die Herkunft des Virus in Frage stellen. Denn im Film heißt es, dass Regierungen immer an biologischen Waffen interessiert wären. Und warum nicht, ein exzentrischer Milliardär? Daran erinnernd, dass "ein weiser Mann seine Überzeugungen auf die Beweise konditioniert", wie David Hume sagte
Nun, ich hoffe es gefällt Ihnen und wenn Sie aufpassen, ist das Virus für uns alle gefährlich und wir müssen die Empfehlungen für Pflege und Hygiene befolgen, die an uns weitergegeben werden.
I Child Play Stage 2 in Zusammenarbeit mit der Ribeirão Preto Arts and Letters Academy
AI Art Exhibition Kinderspiel & ALARP (Academia de Letras e Artes Ribeirão Preto) zielt darauf ab, die Gesellschaft für die Bedeutung alter Kinderspiele zu sensibilisieren (z. Job, Rad spielen, Seilspringen usw.) für die biopsychosoziale Entwicklung von Kindern. Und warnen Sie davor, dass die frühe Nutzung von Mobiltelefonen und der Missbrauch digitaler Spiele und sozialer Netzwerke die Form zwischenmenschlicher Beziehungen verändern. Kommunikation und Zuneigung in Privathaushalten nehmen ab, da Menschen (Kinder, Jugendliche oder Erwachsene) derzeit stundenlang auf ihre „digitalen Spielzeuge“ starren und einsilbig mit der Welt um sie herum interagieren.Ärzte, Pädagogen und Psychologen sind sich einig, dass die alten Spiele aus sozialer und emotionaler Sicht kreativere und gesündere Erwachsene entwickeln. Und dass sie die Sozialisation fördern, die Sinne, die Fantasie, den Teamgeist und den gesunden Wettbewerb anregen und lernen, mit Regeln umzugehen.
Ich gehöre zu der Generation, in der Eltern anwesend waren, ein Haustier und Freunde zum Spielen im Freien alles waren, was ich brauchte, um glücklich zu sein. Ich hatte im Gegenteil kein luxuriöses Leben, aber ich sage mit aller Gewissheit meines Herzens, dass die Phase meines sieben- bis zwölfjährigen Lebens die glücklichste meines Lebens war. Ich habe unvergessliche Momente erlebt und ich habe viele Geschichten zu erzählen.
Maria José Gonçalves Oliveira
Diese Ausstellung findet vom 28.11. Bis 20.12.19 im Centro Cultural Palace - Ribeirão Preto statt. Die Kuratorschaft übernehmen Luciane Lima (Ateliê L.Lima) und Miguel Angelo.
Klicken Sie auf den Link unten, um das Video anzusehen. Q zeigt die Künstler und einige der teilnehmenden Werke . Abonnieren Sie auch den Kanal https://youtu.be/zVwTve940cg PRESTIGIEM, denn Kinderspiel ist eine ernste Sache!
https://www.instagram.com/tv/B4U8Q39Ay2c/?igshid=40601uqeizss
PARIS Salon International D'Art Contemporain Karussell du Louvre vom 18. bis 20.10.19
Paris, cidade tão especial para a Arte, o sonho de todo artista. A exposição chamada Salon International D’Art Contemporain Carrousel du Louvre é realizada em uma luxuosa galeria comercial localizada no conhecido Museu du Louvre . Neste espaço acontecem mostras com trabalhos de pintura, fotografia e outras formas de expressão artística contemporânea , possibilitando a troca de experiências entre artistas expositores de diversas partes do mundo. Para esta Mostra internacional pintei o quadro “ Praia das Moças em Buzios “ – AST – dimensões : 50 x 70 cm , sendo a mesma premiada na modalidade Criatividade.
Joker (oder Joker) ist Kunst
Von mir wird erwartet, dass ich hier meine politische Meinung darlege. Aus verschiedenen Gründen ... Eine Kunstplattform, die neben Ihren Werken auch Inhalte fördert, die über Kunst geschrieben wurden. Ich habe alles vorbereitet, aber ich habe es nicht veröffentlicht.
In der Zwischenzeit war ich fasziniert von dem neuen Joker-Film. Bis ich es mir am Freitag alleine ansehen werde. Und warum nicht über einen neuen Film sprechen, wenn dies eine Kunstplattform ist? Jeder möchte über den Joker sprechen. In dem von mir verfolgten Bewertungsaggregator liegt die durchschnittliche Punktzahl unter professionellen Kritikern derzeit bei 56 und unter den Zuschauern bei 92.
Ich habe nicht viele Filme gesehen. Nach dem Joker packte ich Geheimnis im Mittelmeerraum und mir wurde klar, warum ich in den letzten Jahren nicht viele gesehen habe. Aber kommen wir zurück zum Joker.
Wenn mr. oder Frau. habe den Film nicht gesehen, es ist besser, hier aufzuhören zu lesen. Ich behalte mir das Recht vor, Spoiler oder Teile der Filme nur denen zu zeigen, die sie gesehen haben.
Joker ist meiner Meinung nach ein sehr guter Film. Auf viele Arten. Ich, allein im Kino, war von Anfang an festgefahren und bewegt. Selten waren die Zeiten, in denen jede Art von Kunst so viele Emotionen hervorrief. Vielleicht wegen der Geschichte des Charakters, zu der auch Heath Ledger gehört, der Selbstmord begangen hat. Vielleicht wegen der Brillanz des Films, der jetzt von Medien und professionellen Kritikern beschnitten wird.
Ich habe viel über das gesamte Material recherchiert, bevor ich es mir ansah. Er wusste sogar, dass es beim Zuschauen zu einem Angriff kommen konnte. Und es war ein bisschen angespannt, ja ... Aber nein, die Menschheit ist schlauer als das. Es ist sogar das Motto des Films. Ich werde der herrschenden Klasse, den Medien oder der Agenda nicht länger gehorchen. Ein Versuch eines Joker-Debüts ist vielleicht das, was die Machthaber von uns, Ameisen oder bloßen Sterblichen erwarten.
Was ist neben Emotionen so großartig an dem Film? Nun, die U-Bahn-Szene lässt uns über Kinofotografie nachdenken. Hier sage ich, bevor ich mir die anderen Oscar-Kandidaten anschaue, dass in Hollywood etwas nicht stimmt, wenn Joker den Oscar für Fotografie nicht gewinnt.
Das Kino besteht aus Klischees, damit wir uns mit den Charakteren identifizieren können. Der Joker erledigt eine solche Aufgabe so meisterhaft, dass sich die meisten von uns erst tagelang daran erinnern, nachdem sie sie gesehen haben.
Splash News FotoGut, aber der Film ist nicht perfekt. Was ist schlecht? Die Referenzen… Der Film ist stark beeinflusst von Der König der Komödiemit Robert De Niro. UND Taxifahrer, beide von Martin Scorcese. Ok Freund, es war beeinflusst, in Ordnung, aber ich musste die Szenen nicht kopieren oder Referenzen so offensichtlich machen, wie Arthur Flecks Standup-Act-Probe oder Joker.
Englisch: Plakat für Taxifahrer, ein amerikanischer Film mit Robert De Niro. Die heftigste Kritik meinerseits ist außerdem, dass der Film das Verbrechen verherrlicht. Der Charakter erreicht durch seine Verbrechen die Akzeptanz des Volkes. Als Feministin stärkt sie sich selbst, indem sie ihre Verstöße gegen das Strafgesetzbuch eskaliert. Und der Film zeigt und gewöhnt uns an die Natürlichkeit eines Mordes. Der Joker tötet einfach einige Leute und das war's. Nichts, was noch nie in Hollywood passiert ist, "Naturkiller" kommt der Geist. Aber in Joker fühlen wir uns wie der Mörder. Und es ist nicht cool, es ist nicht normal. Ich verließ das Theater mit den Geräuschen von Schüssen, die in meinem Kopf hallten.
Wieder ist es ein sehr guter Film. Von dem Narren am Anfang bleibt wenig übrig, und am Ende wünschen wir uns wirklich, dass der Joker nicht existiert. Der Übergang zwischen dem ungerechten Guten und dem Bösen ist nicht subtil, aber aufregend. Die Trivialisierung von Gewalt ist bedauerlich. Todd Philips war so kreativ darin, einen Antiheldenfilm mit so wenig zu machen, aber es hätte noch innovativer sein können, wenn er den Bösewicht bis zum Ende etwas unschuldiger gelassen hätte.
ZUSAMMENFASSUNG DER CHRONOLOGIE DES LEBENS VON VAN GOGH UND DER EREIGNISSE, DIE NACH SEINEM TRAGISCHEN TOD IM JULI 1890 PASSIERTEN
ZUSAMMENFASSUNG DER CHRONOLOGIE DES VAN GOGH-LEBENS
Por: Maria José G. Oliveira
August / 2019· · · ·1853 Nasce Vincent Van Gogh em 30 de março;
· · 1857 Nasce em 1º de maio Théo Van Gogh;
· · 1862 Primeiros desenhos que se conhece de Van Gogh;
1865 Van Gogh entra na M. Provily's Institution in Zavenberg;
· · 1869 Van Gogh entra como empregado na filial da Casa Goupil im Haag;
· · 1872 Herbst.
1873 Théo em 19 de janeiro entra como empregado na filial de Bruxelas da Casa Goupil;
Van Gogh erhält im Mai einen Vorschuss und geht an London;
Im September wechselte er seine Rente und vai viver na casa de Loyer;
· · 1874 Van Gogh é abgelehnt von Úrsula Loyer im Juli;
Verzweifelte Rückkehr nach Holland;
Em meados de julho volta a Londres com sua irmã Ana;
Por intermédio de seu tio Cent é enviado a Paris em outubro para que se distraia;
Volta repentinamente a Londres onde, em vão, tenta ver Úrsula;
· · 1875 Van Gogh é um péssimo empregado em Londres;
Em maio é transferido para Paris. Vive em Montmartre e se Lieferung nach Mystik. Seu trabalho o deixa cada dia mais angustiado;
Seine Chefs beschweren sich über ihn;
Em dezembro, sem avisar ninguém, vai para a Holanda;
· · 1876 Van Gogh retorna a Paris e seus patrões o despedem;
Im April verließ er Paris und ging nach Etten. Emprega-se como professor na Stokes anglikanische Schule in Ramsgate, onde chega no dia 16;
Herr Stokes, im Juni, instala sua escola em Isleworth, uns Londoner Umgebung;
Van Gogh reist East End, dessen Elend ihn bewegt. Tröste die Armen;
Es ist im Juli gefeuert e vai trabalhar para o senhor Jones como ajudante do pregador;
Van Gogh kehrt zu Weihnachten nach Holland zurück;
· · 1877 Em janeiro Van Gogh entra como empregado numa livraria de Dordrecht. Logo deixa esse emprego e em 9. Mai kommt zu Amsterdam para estudar para pastor;
· · 1878 Em julho, Van Gogh abandona os seus estudos e sai de Amsterdam;
Nach einem kurzen Aufenthalt in Etten, no outono entra numa Schule Evangelist aus Brüssel. Mas após 3 meses não é nomeado;
Parte voluntariamente para Borinage und lässt sich nieder Paturages;
Ende des Jahres die Evangelisierungskomitee, surpreendido por seu ânimo e sacrifício, retrata-se de sua decisão e lhe dá um cargo por 6 meses em Wasmes;
· · 1879 Van Gogh consome-se sem cuidar de sua saúde. Sua dedicação chama a atenção do Comitê de Evangelizaçãoaber sie erneuern ihre Mission nicht;
Van Gogh kommt zu Brüssel;
Zurück zu Borinage;
Durante o terrível inverno de 1879/1880 leva uma vida de miserável e repete-se a mesma pergunta: “Há algo fora de minha existência? Also, was ist es?". Perde a fé. Desenha.
· · 1880 – Van Gogh volta à Courrières, Wo Jules Breton, einer mittelmäßiger Maler tem um ateliê. Completa a mudança. Após uma viagem decepcionante para Holanda, na casa de seus familiares, recebe 50 francos de Théo. Zurück zu Borinage, a Cuesmes, e se reconcilia com Théo, a quem não escrevia há 9 meses. Põe-se a desenhar com grande intensidade. Im Oktober fährt er von Cuesmes nach Brüssel, onde faz Freundschaft mit Van Rappard und arbeitet methodisch;
· · 1881 – Van Gogh permanece em Bruxelas até princípios de abril. Chega a Etten no dia 12 deste mês. Trabalha. Durante o verão recebe visita de Theo e Van Rappard e vai para a casa de seu primo, o pintor Anton Mauve, das gibt dir Ratschläge;
Sich wieder verlieben e corteja apaixonadamente einer deiner Cousins, Keewährend Ferien im Etten und es entmutigt dich;
Van Gogh insiste e ela se vê obrigada a voltar para Amsterdam. Van Gogh a aflige com cartas e finalmente vai a Amsterdam. Mas Kee se nega a vê-lo;
Desesperado, Van Gogh volta a Etten. Discute constantemente com seu pai e deixa a casa de Mauve em Haia;
· · 1882 Beim relações com Mauve logo se tornam tensas. Van Gogh fällt das aus Störung ao acolher eine arme, prostituierte, kranke und schwangere Frau, Sien; Graças a essa mulher, Van Gogh recupera seu equilíbrio e, após uma visita à Théo, põe-se a pintar;
Trabalha intensamente até o fim do ano, mas a Abbau von Sien Es ist hoffnungslos. Van Gogh priva- se de tudo. O Zeichnung "Traurigkeit" é dessa época, de que faz uma litografia em novembro;
Sua recusa do mundo dos conformistas – de todos os conformismos – é completa;
· · 1883 Doente e esgotado Van Gogh erreicht ein so extremes Maß an Schwäche, dass chama seu irmão, dass diesmal kann entkommen Sien auf deiner Seite;
Van Gogh dilacerado, mas aliviado, volta a pintar. Pinta Baum vom Wind gepeitscht;
Verlässt Den Haag em setembro e chega em Drenthe. As paisagens desta região selvagem o acalmam a princípio, mas os dias atormentados voltam. Mil terrores assaltam Van Gogh que foge para Nuenen, wo seine Eltern lebten;
· · 1884 Janeiro. Quando sua mãe fratura uma perna, Van Gogh retorna por um tempo a seu lar. Mas Ihre Uneinigkeit mit der Welt Ihrer Familie hat keine Lösung. Van Gogh converte-se em um estranho para a sua família. Aluga dois quartos com o sacristão da Igreja católica es ist da Installieren Sie Ihr Studio;
Ein letzer, e como as anteriores, unglückliches sentimentales Abenteuer o faz perder totalmente a Hoffnung auf ein normales Leben (Herbst);
DAS pintura será a única finalidade de sua existência, “a maneira de viver sem pensar no passado”;
Acumula um quadro atrás do outro und in Herbst beschließen zu malen nos dias de mau tempo 50 Bauernköpfe;
Não para de se preocupar com as leis da cor, cuja importância descobriu;
· · 1885 26 de março. Pastor Van Gogh stirbt plötzlich. Sela-se a ruptura de Van Gogh com sua família;
Van Gogh jetzt funktioniert im seu grande quadro do período holandês , Kartoffelesser;
Es endet im Mai, was a auslöst discussão epistolar com Van Rappard, der schließlich provoziert separação dos 2 amigos;
Van Gogh a cada dia mais toma consciência dos recursos da cor;
DAS Niederlande, cujo clima estético e moral é de agora em diante um obstáculo a seu florescimento, já não tem mais nada a lhe ensinar . Außerdem, wie Das Nuenen Heilung er hatte seinen Gläubigen verboten Was Land zum Van Gogh, este decide Verlasse dein Studio;
Im Der 23. November geht nach Antwerpen. “Desejo violentamente ver Rubens “disse;
Seine große Reise nach Süden beginnt;
"Es gibt", schreibt an Theo, “uma coisa extraordinária na sensação de que é necessário entrar no fogo”. Für Van Gogh bedeutet Antwerpen eine Befreiung;
Ali descobre Rubens, a cor, os tecidos japoneses, a luz e o movimento;
Ihre Farben sind definiert;
· · 1886 18 de janeiro. Van Gogh se inscreve na Akademie der bildenden Künste von Antwerpen, onde sua kurzer und stürmischer Aufenthalt mindestens ermöglicht es Ihnen zu überprüfen Was Du bist auf dem richtigen Weg Mit Empfehlungen an Zeichnen und Malen. Bei der früher März, plötzlich, kommt in Paris an. Volta para a escola. Segue der Cormon Studiokurs, hört aber bald auf, es zu sehen;
Entdecken Sie die "Leuchtendes" Gemälde von ichImpressionisten;
Estuda a obra de Delacroix, de Monticelli, os artistas japoneses;
Conhece Toulouse- Lautrec, Émile Bernard, Gauguim, Seurat, Signat, Guillaumin, Pissarro, Cézanne, Tanguy, etc;
Sua palheta torna-se mais luminosa;
Befreie dich von allen Bilderlebnissen;
A cor começa a dominar em sua obra;
Planen Sie im Winter auszustellen;
· · 1887 Van Gogh continua febrilmente suas experiências, com todos os procedimentos e técnicas que os pintores de Paris lhe sugerem;
Pinta nas margens do Sena frequentadas pelos impressionistas;
Trotz numerosas e variadas influências, continua sendo ele mesmo, e assimila as lições à sua própria personalidade;
Sie haben Paris schon satt;
Uma aventura que termina de maneira lamentável, a decepção que lhe causam as rivalidades entre os pintores, a indiferença com que é recebido, a agitação da grande cidade e, também, naturalmente, seu trabalho intenso minam sua resistência;
Sie sind mehr oder weniger krank, aber vor allem compreende que Paris não é sua meta;
Seu cansaço e nervosismo aumentam ainda mais durante o inverno; Medita sobre lugares onde o sol é mais luminoso e a cor se reveste de todo o seu esplendor;
Sobre ir ao Japão quer dizer, ao Sul;
· · 1888 Van Gogh chega a Arles em fevereiro
Lassen Sie sich von der Stadt verzaubern. Acredita realmente estar no Japão;
Die blühenden Gärten berauschten ihn mit Glück;
Malen ohne anzuhalten;
Sua exaltação cresce à medida que o sol nasce ao qual rende um verdadeiro culto com a sua pintura;
Mas o espantoso desgaste nervoso com que Van Gogh paga por essa energia criadora coloca em perigo sua saúde; Além do fato de que não podia alimentar-se pior. Escreve a Théo “Não se pode evitar que qualquer dia sobrevenha uma crise”;
Van Gogh quer que seu amigo Gauguin se instale perto dele e que se fundem os estúdios do sul com que sonhava desde que saiu de Paris; Gauguin beschließt im Oktober, nach Arles zurückzukehren e os primeiros dias são um descanso para Van Gogh;
Desgraçadamente, os 2 artistas não eram feitos para se entenderem. Alles trennt sie: ihre Temperamente und ästhetischen Tendenzen;
Logo se torna evidente que a vida em comum entre eles é impossível. Isto representa um novo e grave golpe para Van Gogh;
Em 25 de dezembro o drama inesperadamente explode. Van Gogh se lança sobre Gauguin com uma navalha e sai correndo quando Gauguin se volta contra ele;
Ao voltar para casa corta um pedaço da sua orelha;
Van Gogh ist interniert;
Neste mesmo ano, Théo expõe no salão dos Independentes 3 quadros e alguns desenhos de Van Gogh;
· · 1889 As crises continuam. Van Gogh procura lutar;
Logo compreende que o melhor para ele é permanecer internado;
Em maio abandona Arles para ir à Saint-Paul-de-Mausole, clínica particular perto de Saint- Rémy dirigida pelo Dr Peyron;
A princípio se acostuma nesta nova vida, mas contrariamente às suas esperanças, a loucura não o abandona. Uma nova crise o invade;
Apesar da enfermidade, não deixa de trabalhar;
Sua arte cada vez mais se torna expressionista;
Zu Weihnachten gibt es zwei Angriffe;
Dois quadros de Van Gogh são expostos no salão dos Independentes por Théo.
· · 1890 Boas notícias:
- die Geburt von Theos Sohn;
– a publicação de um importante estudo consagrado à sua pintura no Mercure de France;
– a venda de um quadro (A Videira vermelha) – o único que Van Gogh vendeu em vida;
· · Nada disso pode fazer com que Van Gogh esqueça seu drama;
Eine lange Krise bringt ihn in grausame Verzweiflung;
Er versucht sich umzubringen;
Nicht in der Lage sein, das Leben in zu unterstützen Saint-Paul-de-Mausole, implora a seu irmão que o leve para o norte;
· · Kommt am 17. Mai in Paris an, geht aber weiter nach Auvers-sur-Oise am 21. Mai;
· · In Auvers hilft ihm Dr. Gachet;
Ihr Aufenthalt in dieser Stadt beginnt gut;
Er malt jeden Tag;
Mas depois de visitar seu irmão e a cunhada, retorna desesperado para Auvers;
"Das Leben", wie er sagt, "entkommt dir";
Das kannst du nicht;
· · Em 27 de julho Van Gogh dá um tiro no peito e morre no dia 29 a uma e meia da manhã;
· · Dez quadros de Van Gogh são expostos neste ano no Salão dos Independentes; _________________
· · Nach dem Tod deines Bruders Théo tenta fazer uma grande exposição seiner Werke. Und am 18. September schreibt er die Émily Bernard: “A quantidade de quadros é imponente. Não consigo organizar um conjunto que possa dar uma ideia de sua obra”;
· · Em 21 de janeiro, Theo Van Gogh morre na Holanda;
· · Em seu testamento a obra de Van Gogh é avaliada modestamente em 2000 florins;
Muitas pessoas aconselham a viúva de Theo a destruí-la;
· · 1892 sob os cuidados da senhora J. Van Gogh-Bonger, Theos Witwe, organiza- se uma exposição de 100 quadros de desenhos de Van Gogh no Panorama de Amsterdam;
· · 1893 beginnen auf dem zu erscheinen Mercure de France cartas de Van Gogh a Émile Bernard e a seu irmão Théo;
Émile Bernard organiza uma exposição de 16 quadros de Van Gogh em “ Le Marc de Boutteville; em Paris;
· · 1896 Augusto Vermeylen dá uma conferência apaixonada para os estudantes de Groningen (Niederlande) sobre Van Gogh e sua obra;
“Os quadros de Van Gogh vendem bem mais quanto mais baratos”. Gauguin escreve em novembro para Daniel de Monfreid;
· · 1900 Das Dr Rey, in Übereinstimmung mit Ambroise Vollard, retira de seu galinheiro, onde há 11 anos servia para tapar um buraco, o retrato que Van Gogh fez no hospital de Arles;
Vollard kauft die Leinwand für 50 Franken;
· · 1901 Março. Na Bernheim-Jeune Galerie, na rua Latiffe retrospectiva de Van Gogh (71) quadros;
Vlaminck, Als er die Ausstellung verließ, sagte er zu Matisse:
“Gosto de Van Gogh mais que meu meu pai”;
Hugo Von Hofmannsthal anota em uma carta a prodigiosa emoção que lhe causaram as obras deste pintor que ele desconhecia.
”Me senti como se assaltado pelo milagre incrível de sua forte e violenta existência, cada árvore, cada pedaço de terra amarela ou verdejante, cada sebe viva, cada caminho escavado na colina pedregosa, a jarra de estanho, a tigela na terra, a mesa, a cadeira rústica, era um ser recém-nascido que se ergue diante de mim, saindo do espantoso caos da não vida, do abismo do não ser e eu sentia – não, eu sabia que cada uma destas criaturas nascera de uma dúvida horrível que desesperava o mundo inteiro, que sua existência era testemunho eterno do odioso abismo do nada …Eu sentia em tudo a alma daquele que havia feito tudo isso, que com esta visão dava uma resposta para se libertar do espasmo mortal de uma dúvida espantosa”– Carta de 26 de maio de 1901,em "In Prosa geschrieben". Und das Gold ihrer Körper, de Gauguin;
· · 1905 Juli August. Unter der Obhut der Dame J. Van Gogh-Bonger, abre-se uma exposição de 473 obras de Van Gogh (234 são quadros) no Stedelijk Museum, Amsterdam
Ausstellung Van Goghs Arnold Galerie in Dresden;
· · 1906 Morre, aos 80 anos, a mãe de Van Gogh;
· · 1908 Januar. Segunda Exposição de Van Gogh na galeria Bernheim-Jeune, em Paris (cem quadros);
Im selben Monat Druet belichtet in Ihrem galeria Faubourg Saint Honoré 35 Bilder Van Gogh;
· · 1909 Zweite Van-Gogh-Ausstellung in der Druet-Galerie in der Rue Royale 20 (50 Gemälde);
Van Gogh Ausstellung in galeria Brack,de Munique;
O Dr Gachet morre aos 81 anos em Auvers-sur-Oise;
· · 1910 – Van Gogh na exposição “Manet e os pós-impressionistas” Craftons London;
Ambroise Vollard veröffentlicht Van Goghs Briefe an Emile Bernard;
· · 1912 Van Gogh é representado por 108 Gemälde in der Ausstellung im moderne Maler organisiert von Westdeutsche Künstlervereinigung in Köln;
· · 1914 A senhora Van Gogh-Bonger veröffentlicht in Amsterdam die Briefe von Van Gogh nach Theo;
As cinzas de Théo são levadas por ela da Holanda a Auvers-sur-Oise;
Ausstellung Van Gogh na Cassirer Galerie in Berlin;
Den Wünschen von gehorchen Verhaeren, a Die Gesellschaft für zeitgenössische Kunst stellt Van Goghs Werke in Antwerpen aus;
· · 1921 Acht Frames de Van Gogh na Ausstellung von Museen in den Niederlanden de obras de Rembrandt a Jean Steen, ocorrida em Paris;
· · 1924 Van Gogh Ausstellung in Kunsthalle Galerie, im Basel und weiter Galeria kunsthaus, de Zurique;
Segunda edição das cartas de Van Gogh a Theo;
· · 1925 Morre Joana Van Gogh-BongerTheos Witwe am 2. September;
· · 1928 J..B. de Faille publica um monumental catálogo da obra de Van Gogh, depois de uma discussão dos experts sobre a autenticidade ou falsidade de algumas obras;
Ausstellung de Van Gogh na Berliner Nationalgalerie;
Ausstellung von Zeichnungen von Van Gogh bei galeria Dru de Paris;
· · 1932 Stirbt Dr. Rey am 15. September;
· · 1935 Ein Ausstellung von Van Gogh am Tour durch die Vereinigten Staaten.
· · 1936 1ª edição em Nova York nas cartas de Van Gogh a Van Rappard (traduzidas para o inglês);
· · 1937 Eine Auswahl von Briefen von Van Gogh an Theo erscheint in Paris; As cartas de Van Gogh a Van Rappard aparece em Amsterdam;
Os nazistas denunciam como decadentes as obras de Van Gogh, was sind ausgenommen gibt Neue Pinakotheke de Munique;
· · 1950 A tradução francesa das cartas de Van Gogh a Van Rappard aparece em Paris;
· · 1953 DAS centenário do nascimento de Van Gogh é celebrado mit großer Freude;
A biblioteca Wereld, de Amsterdam, começa a publicar a correspondência geral de Van Gogh (edição do centenário).
O 1º volume aparece em 1952 e o quarto em 1954;
· · 1958 em outubro, em Londres, Jardim público de Arles, de Van Gogh é vendido na galeria Goldschmidt por 132.000 libras esterlinas;
1990 em 15 de maio é feita a bisher größte Transaktion in der Geschichte des Kunstmarktes : um dos Dr. Gachet Porträt de Van Gogh é vendido a um milionário japonês por 82,5 milhões de dó
Egas Francisco
Wir besuchten Egas Franciscos Studio und wurden sehr gut aufgenommen. Hier ist das Interview:
Wir haben auch eine 3D-Tour in seinem Studio gemacht:
Und ein Führer für die Tour:
Wenn Sie an einem der Werke interessiert sind, kontaktieren Sie uns. Wenn Sie die 3D-Tour buchen möchten, senden Sie uns eine Nachricht.
Neuigkeiten bei SmartGallery
Dieser August hatte die unglaubliche Ausstellung von Doris Homann in der Ligia Testa Espaço de Arte. Einige Arbeiten sind hier bei SmartGallery und ich persönlich mochte DH 19 und DH 9 sehr. Sie sind sehr starke Leinwände, angesichts von Doris 'Hintergrund und Leben:
Oktober wird es eine Ausstellung von geben Egas Francisco bei Joh Mabe Espaço Arte e Cultura, organisiert von Ligia Testa. Egas hat letzte Woche das Büro besucht und er ist eine faszinierende Person, später werden wir ein Interview mit ihm machen. Seine Exposition ist das Ergebnis von Therapiesitzungen mit Dr. Isac Karniol. Egas versucht seine Kunst absolut spontan zu machen unsichtbar im sichtbaren. Ich habe eine signierte Ausgabe des Buches Palimpsesto Mágico erhalten und empfehle neben den Gemälden von Egas, dass der Text sehr gut ist.
Weitere Highlights sind die Francisco Gonzales und Décio Soncini, die kürzlich bei Joh Mabe Espaço e Cultura ausgestellt haben und nun ihre Werke hier auf der Website haben. Es gibt Bildschirme mit reduzierter Größe und einem hervorragenden Preis-Leistungs-Verhältnis.
Décio Soncini - O Vento (Der Wind)
Francisco Gonzales - Der Aquarienhimmel
Francisco Gonzales - Der Wunsch zu fliegen- Décio Soncini - Schwarzweißdrucke
Auch 3 neue Künstler haben sich SmartGallery angeschlossen und ich empfehle Ihnen, sich ihre Werke anzusehen. Carlos Lorenzo, Cristiano Chaussard und Landrou Sá
Dies ist das August-Update bis zum nächsten Mal.
Biennale, Museen und Galerien
A Bienal em São Paulo, nos tempos áureos, era o objetivo máximo dos artistas, na maioria, pintores e escultores. Ser premiado em uma Bienal internacional era o sonho. Aqueles eram os tempos da arte, a partir do patronato dos Matarazzo até o começo dos anos 80. Ciccillo Matarazzo literalmente criou a Bienal em São Paulo, e também literalmente, a ditadura militar levou-a a um declínio de 1965 a 1973, com alguns artistas assinando o Manifesto “Não a Bienal’ no Museu de arte Moderna de Paris, em 1969.
Sérgio Valle Duarte Wikidata has entry Q16269994 with data related to this item. [CC BY 3.0 (https://creativecommons.org/licenses/by/3.0)]Esse era o sonho antigamente, e qual o sonho hoje? Lógico que participar de uma Bienal ainda dá muito prestígio, mas podemos definir como meta final para uma obra de arte, estar em um museu, ou ser museum quality, jargão do meio acadêmico de arte. O museu é o destino máximo de obras de artistas validados. É uma instituição pública, mantida por verba governamental ou doadores e mantenedores privados, e, assim como a Petrobrás “é nossa” para os brasileiros, o museu se tornou um lugar amigável, como demonstrou a recente exposição da Tarsila do Amaral, no Masp.
Uma distinção fundamental entre os museus e as galerias é que as últimas têm objetivo de dar lucro ao seu dono ou marchand, ao passo que os museus não têm fins lucrativos, apesar de serem até mais comerciais, ou comerciáveis; vide a loja do MOMA. Mas os museus, a maioria, cobram entrada enquanto as galerias são de livre visitação. A Art Dealers Association of Americas cita que em Nova York as galerias oferecem a melhor educação gratuita em apreciação de arte. As exposições nas antiguíssimas galerias Colnaghi e Agnews, em Londres rivalizam com a de museus.
Jan Steen [Public domain] Uma das obras que passou pela galeria Colnaghi em Londres e agora está em um museuCerto que algumas galerias operam como private dealers, e são fechadas a visitação ou só com hora marcada, e, apesar do imenso progresso, ainda não rivalizam com museus no Brasil. Mas o ponto desse artigo é valorizar o trabalho delas. Voltando ao sonho, para um artista iniciante, um curso superior em artes ou um Master in Fine Arts (MFA) é um bom caminho para conseguir algo nas galerias, primeiro com coletivas e depois com exposições individuais, sendo a aceitação comercial do trabalho fundamental para avançar.
Mas, um MFA é uma fortuna hoje em dia, fora o custo de viver no exterior. E, as vezes, o artista terá sorte se conseguir com seu MFA ser um dos ajudantes do Jeff Koons. Há vários caminhos para um artista, hoje em dia, a venda direta pelo Instagram é comum, inclusive por artistas estabelecidos. Complicado também ter que fazer um curso de artes, sendo que muitos dos maiores mestres são autodidatas, e, muitas vezes o artista já desenvolve um trabalho e está satisfeito com sua arte.
Finalizando, as pessoas costumam achar que o museu é o único lugar para artes, e, realmente, é o apogeu para a maioria dos artistas. Mas, eles são tocados por seres humanos como nós, talvez concursados, talvez indicados, ou talvez só bem conectados. No competitivo mundo da arte hoje, em que os meios de produção e divulgação são democratizados, há também muito valor em ter seu trabalho em uma galeria. Assim como, visitar e conhecer as galerias que trabalham de portas abertas.
Muggel von SmartGallery, Zeit, Kunst zu kaufen
Ich rannte im Park ... Mit Kopfhörern und Trance-Musik im Ohr hörte ich eine Gruppe von Mädchen über die Muggel in der SmartGallery sprechen. Delirium? Ich weiß nicht, ich fand es gut ... schlecht reden, aber über mich reden? Aber mein Marketing-Guru legte bald Wert darauf, ein Video darüber herunterzuladen, wie die meistverkauften Marken von der Öffentlichkeit gemocht und gut gesprochen werden, und plötzlich war es nicht mehr gut. Aber wirklich? Muggel von SmartGallery? Ich schreibe hier, meine Partner, ich hoffe, ich stimme zu ... Mein Wunsch war es, dorthin zurückzukehren und zu fragen, ob ich das gehört habe.
Gleichzeitig wollten wir Kunst kaufen… um eine Sammlung usw. zusammenzustellen. Und Trump dort, geht den Wald hinunter und verursacht. Und ich, was ist, wenn etwas passiert? Wird das Geld nicht benötigt? Für ein Gemälde, das an der Wand sein wird? Und mein Großvater, sagte er immer, dass die Leute Bilder sahen und sie nicht schätzten, aber wenn es ein Koffer mit Dollars oder ein Auto war, war die Einstellung anders. Und ich möchte nicht der Typ sein, der Kunst nicht schätzt, aber für diejenigen, die theoretisch immer Kunst hatten, ist es schwer zu bewerten.
Natürlich ist die Geschichte hier nicht endlos. Wenn der Kauf von Kunst heute nach einer absurden, schändlichen, abscheulichen, unaussprechlichen Idee klingt, ist dies vielleicht die Zeit, Kunst zu kaufen. Denn meiner Erfahrung nach befindet sich kein Vermögenswert zu dem Zeitpunkt am Kaufort, an dem jeder kaufen möchte. Wenn ich selbst von den Bewegungen des Kunstmarktes profitiere, ist der Kauf von Kunst heute etwas Bedrohliches, vielleicht ist dies die Zeit, Kunst zu kaufen.
Welche Kunst? Dann wage ich es nicht zu beurteilen ... Aber denken Sie an etwas ... Dass der brasilianische Markt nicht so ist, und vielleicht werden Sie tatsächlich mehrere Jahre mit Art X zusammen sein. Vergessen Sie das Geld ... Denken Sie an Verdienste, Wertschätzung und vergessen Sie, was Sie an einem Tag aus Aktien oder Dollars gewinnen können. Wenn Sie Kunst kaufen möchten, gehen Sie davon aus, dass das Geld dort einige Jahre lang hängen bleibt, und so wie es fast unmöglich ist, herauszufinden, welcher Vermögenswert oder welche Aktie am stärksten steigen wird, ist Ihre Kunst wahrscheinlich nicht der Gewinner. Das Wichtigste ist, dass Sie denken, dass es ist.
Dies ist der wichtigste Punkt, die Kunst zu mögen, ein Gespür für die Arbeit zu haben ... Weil es in den meisten Fällen ein hängendes Bild sein wird, wie ein unterschätztes Unternehmen. Aber vielleicht von Muggeln von SmartGallery gebilligt. Und wer weiß, hat eine Zukunft, außer deine Wand zu schmücken.
Freud und Kunst
Freud revolutionierte das gegenwärtige Denken seit Mitte des 19. Jahrhunderts, während des frühen 20. Jahrhunderts und bis zu seinem Tod. Daraus ergaben sich dissidente Psychoanalytiker, die sich für neue Wege entschieden, und andere, Mitarbeiter, die ihre Theorien weiterentwickelten. Die Psychoanalyse als Ganzes schuf ein Eigenleben und wurde zu einer der emblematischsten Wissenschaften des 20. Jahrhunderts.
Freuds Ideen überzeugen den gemeinsamen Denker
Die meisten Wissenschaften, die komplexer und anspruchsvoller werden, neigen dazu, sich von der Laienöffentlichkeit zu distanzieren und werden zur Domäne von Spezialisten, die unweigerlich das Wissen unter ihren Kollegen trennen. Freuds Konzepte über Träume, Unbewusstes, Sexualität und fehlerhafte Handlungen wurden jedoch bekannt und erreichten eine große Anzahl von Menschen, die der Laienöffentlichkeit auf der ganzen Welt sehr nahe kamen. Mehr oder weniger kann es je nach Informationsstand von allen Arten von Menschen geschätzt, kommentiert, reflektiert oder zumindest zitiert werden.
In zwei Jahren werden zwei Bücher die Welt für immer verändern
Mit Freuds Büchern The Interpretation of Dreams (1900) und Psychopathology of Everyday Life (1901) konnten alle Menschen, nicht nur diejenigen mit psychosomatischen Symptomen, ihre Theorien nutzen und sie auf irgendeine Weise einfügen und einfügen . Die Neugier auf Themen, die so faszinierend und zum Nachdenken anregen wie Träume oder Sexualität, erzeugte schnell den Wunsch, ihre Theorien zu verstehen oder zumindest an sie heranzugehen.
Freud und Kunst
In der Kunst war Freuds Einfluss für Maler wie Salvador Dali, Magritte und so viele andere, die Träume verwendeten, um eine der bekanntesten Bewegungen in der Kunstgeschichte, den Surrealismus, aufzubauen, absolut. Freuds Ideen hatten aber nicht nur eine zeitgemäße Wirkung, und das setzt sich bis heute fort, all sein Denken hatte auch eine rückwirkende Wirkung. Alles, was in Bezug auf Kunst getan wurde, kann nun aus seiner Sicht analysiert werden. Auf diese Weise förderte Freud auch eine neue Lesart über den Menschen, über alles, was der Mensch bis dahin getan hatte. Wir haben also eine ganz neue alte Welt, die wir neu entdecken, analysieren, entwirren und zu einem Teil dessen machen müssen, was wir heute sind, um ein Teil davon zu werden. In diesem kurzen Artikel werde ich einige Kunstwerke zitieren, die leicht in Büchern oder im Internet zu finden sind.
Für immer vergessen und gerettet
Heute haben wir die Geschichte aller Wissensbereiche, die in Perioden, Entwicklungsstadien und den Autoren und Persönlichkeiten, die sie gemacht haben, extrem weit verbreitet und unterteilt sind. Heute globalisiert das Internet das Wissen und wir sind praktisch grenzenlos, wenn es um den Zugang zu Informationen geht. Das war aber nicht immer so. In der Kunstgeschichte wurden viele Maler nach seinem Tod völlig vergessen oder auf eine sekundäre oder gar nicht existierende Ebene verbannt. Dies geschah mit einer der Figuren, die wir jetzt als äußerst reich betrachten. Ich spreche von Hieronymus Bosch, einem niederländischen Maler, der 1450 in Hertogenbosch geboren wurde und 1516 starb. Aufgrund fehlender Aufzeichnungen wird angenommen, dass er seine Heimatstadt nie verlassen hat, aber in seiner Arbeit eine der größten Reisen unternommen hat Ein Mensch kann eine Reise in die Welt des Imaginären, des Fantastischen und der Träume unternehmen. Seine Werke enthalten ein komplexes Netzwerk von Symbolen, Szenen der Sünde und Versuchung, Anspielungen auf Alchemie und ein ganzes Arsenal an Möglichkeiten zum Experimentieren in Bezug auf Sexualität. Innerhalb dieses Panoramas wird jeder Psychoanalytiker sein ganzes Leben brauchen, um die enorme Bandbreite an Darstellungen dieses Malers zu erkennen, wie seine Originalität, Tiefe und Menge an Details in seinen Werken, die berücksichtigt werden müssen. In Bezug auf mangelndes Urteilsvermögen und das Gefühl, frei zu malen und auszudrücken, was ihm in den Sinn kommt, die Essenz von Freuds Free Association-Methode, scheint Bosch vorbildlich zu sein, weil er in seinen Gemälden absolut alle Bilder zu zeigen scheint, die er sieht die direkt von Ihrem Unbewussten produziert werden, ohne Zensur, Unterdrückung oder Urteilsvermögen. Um nur ein Beispiel zu nennen, werde ich das Triptychon Jardim das Delicias verwenden. Auf diesem Bild sehen Sie eine Vielzahl sexueller Möglichkeiten, an denen Menschen, Tiere, Dämonen, Heilige und sogar botanische Elemente beteiligt sind. Sie können auch im dritten Teil, der sich auf die Hölle bezieht, alle Arten von Folter, Verderbtheit, Masochismus und Sadismus schätzen. Viele Möglichkeiten zur Befriedigung des Wunsches können dort parallel sein oder ein noch so kleines Echo finden. Bosch wird dann zu einem der perfektesten Beispiele für die Sublimation von Wünschen in Form von Kunst. Ein Maler, der die analytischen Fähigkeiten eines Psychoanalytikers für immer testen wird, ohne jemals die Möglichkeiten zu verlieren.
Helldunkel - bewusst und unbewusst
Ein anderer niederländischer Maler ist Rembrandt (1606-1669). Er zeichnete sich hauptsächlich dadurch aus, dass er seine Figuren in Leuchtpunkten aufstellte, im Gegensatz zu großen Teilen der Arbeit in voller Dunkelheit, als ob die Szene oder die Personen, die an dem Gemälde beteiligt waren, aus der Dunkelheit auftauchten, was in Bezug auf italienische Ausdrücke von Historikern und Kritikern verwendet wurde der Kunst heißt Helldunkel (Helldunkel). Die Analogie zu Freuds Werk wird hergestellt, wenn wir an das Unbewusste denken, das alles in große Dunkelheit getaucht ist und uns daran hindert, genau zu erkennen, was sich auf der dunklen Seite des Werks befindet. Ein Beispiel ist das Gemälde The Philosopher Thinking. Es ist ein wunderschönes Werk, das nur in satten Erdtönen von Gelb bis Dunkelbraun produziert wird. Es zeigt auf der linken Seite eine ältere Person, die im Wohnzimmer seines Hauses sitzt und zu reflektieren scheint; Auf der rechten Seite scheint jemand das Feuer im Kamin zu schüren, und in der Mitte des Gemäldes steigt eine große Wendeltreppe in die oberste Etage, aber die unteren Stufen dieser Treppe enden in völliger Dunkelheit. Auf diese Weise ist es, als ob der Teil des Bewusstseins dort durch den Mann dargestellt würde, der durch das vom Fenster kommende Licht beleuchtet reflektiert wird, das Vorbewusste, das in den Ideen dargestellt wird, die durch das Feuer des in Dunkelheit gehüllten Kamins geschürt werden, und in der Mitte eine Leiter, die führt auf mysteriöse Weise in die enorme Dunkelheit des Unbewussten. Das ganze Bild erzeugt beim Betrachter ein Verlangen, das praktisch unmöglich zu halten ist, die Stufen dieser Leiter zu erklimmen, das Verlangen zu suchen, die verborgensten Gefühle in der Dunkelheit des Unbewussten zu entdecken.
Stürme und Wahnvorstellungen
Der dritte Maler, den ich zitieren werde, ebenfalls Niederländer, braucht keine Einführung, er ist VanGogh. Er litt unter psychotischen Episoden und Halluzinationen. Seine Malerei zeichnet sich durch Pinselstriche aus, die der Welligkeit und Pünktlichkeit eine enorme Ausdruckskraft verleihen und in seinen Werken einen großen Effekt der Mobilität erzeugen. Durch die Malerei suchte er Zuflucht für seinen unruhigen Geist, in dem Wahnsinn und Kunst Hand in Hand gingen. Wenn Freud die Möglichkeit hätte, ihn zu behandeln, würde er sicherlich günstige Ergebnisse erzielen. Van Gogh tötet sich jedoch 1890 mit einem Revolver mitten auf einem Weizenfeld, als Freud sein Studium begann und seine Reise zur Schaffung der Psychoanalyse antrat . Seine Selbstporträts sind besonders stark und zeigen seine tiefsten Gefühle zu verschiedenen Zeiten, abhängig von den unterschiedlichsten Entbehrungen.
Eine alte neue Welt, die wiederentdeckt werden muss
Ich zitierte drei Maler, viele andere können zitiert werden, wobei die gesamte Geschichte der Menschheit unter dem Gesichtspunkt der Psychoanalyse gesehen und überprüft werden sollte.
Bottegas, Jeff Koons und das Kunststudio
Ich wurde mitten in der Kunst geboren. Seit ich ein Kind war, hatte ich die Bilder meines Großvaters Manabu Mabe gesehen, er blieb den ganzen Tag in seinem Atelier und später verließ er nie meinen Onkel, der auch malt. Mein Vater hatte schon immer eine Galerie, und ich besuchte nicht nur viele Ausstellungen, sondern besuchte auch die Biennale, die eine großartige Veranstaltung war, und nahm an Malkursen bei meiner Großmutter, meiner Schwester und meinen Cousins teil. Mein Großvater hatte viele Malerfreunde und sogar einige Lehrlinge. Das war meine Sicht auf Kunst und alles war sehr großartig.
Im Laufe der Zeit habe ich gelernt, dass dies die traditionellste und romantischste Sichtweise der Kunst ist. Die, die wir in Filmen und im Fernsehen sehen, wie der Künstler allein in seinem Atelier malt und oft darum kämpft, von seiner Kunst zu leben. Aber es ist nicht der einzige. Mit großer Verachtung höre ich von Künstlern, die ihre Werke nicht selbst produzieren, die Teams und Leute haben, die für ihre Projekte eingestellt wurden. So sehr, dass ich mich entschied, etwas über das Thema zu lernen.
Viggo Mortensen in "Ein perfektes Verbrechen" (1998) - Warner Bros.Es überrascht nicht, dass ich entdeckte, dass der Ursprung von Kunststudios trat in der Renaissance auf. Die bekanntesten Maler hatten Bottegas, die Ateliers waren, die sie spielten, und ein Team von Lehrlingen hatten, die sie bei den Arbeiten unterstützten, oft im Auftrag von Gönnern oder Gönnern. Beim Bottegas (nicht zu verwechseln mit Bodegas(Spanisches Wort für Lebensmittel oder Convenience-Stores) hatte maximal 16 Maler, die nach oben gingen, um dem Meister ihr Talent zu demonstrieren.
Der Grad der Beteiligung des Hauptmalers variierte je nach dem Betrag, den er vom Mäzen für das Werk erhalten hatte, und da die Gemälde in den meisten Fällen auf Öl basierten, arbeiteten sie parallel an mehreren Werken, während die Leinwände trockneten. Die Bestellung einer Leinwand bei einem berühmten Maler in der Renaissance bedeutete nicht, dass der Maler die gesamte Leinwand selbst malen würde, sondern dass die Arbeit aus seinem Atelier stammen würde, oder Bottega.
Im 19. Jahrhundert erschien 1816 in Frankreich die École nationale supérieure des beuax-arts, die das Renaissance-Modell herausforderte, indem sie ihre eigenen Ausstellungen bewarb Salons, die zu den größten Kunstereignissen des Jahrhunderts geworden sind, indem sie künstlerische Entwicklungen unterstützt, gefördert und kritisiert haben.
In den 1960er Jahren entstand Andy Warhol mit dem Die Fabrikdas war deins Kunstatelier und Partyraum. Bekannt wurde er durch die Serienproduktion von Kunstwerken durch Siebdruckund die Partys, die er bewarb, an denen Prominente teilnahmen.
James Kavallines, New York World-Telegram und der Sun-Mitarbeiterfotograf [Public Domain]Am bekanntesten ist heute vielleicht Jeff Koons, der buchstäblich 100 Mitarbeiter hat, die ein sehr niedriges Gehalt erhalten und die Werke produzieren, die er idealisiert. Seine Rolle ähnelt eher der eines Architekten, der die Arbeit entwirft. Ich war neugierig auf Koons und fand eine Beschreibung seines Prozesses. Er erstellt Collagen in Photoshop und sein Team reproduziert die Collage gründlich mit kleinen Pinseln auf größeren Bildschirmen. Sie haben sicherlich Collagen anderer Künstler auf Instagram gesehen, und der Vorläufer ist zweifellos Koons.
Koons hat die Aufgabe, die Arbeit zu idealisieren, die Komposition mit Balance und Farbbalance zu erstellen und die Bilder zu arrangieren. Mit seinem Team sind die Ergebnisse beeindruckend, einige Bildschirme sehen tatsächlich wie Fotos aus. Lassen Sie den ersten Stein von jemandem werfen, der noch nie von einer Collage beeindruckt war. Stellen Sie sich nun vor, dass Koons-Collagen keine einfachen Collagen sind, sondern ölgemalte Leinwände.
“” durch Annie Guilloret ist lizenziert unter CC BY-NC-ND 2.0 Aber sie werden von ihm weder gemalt noch geformt. In der Renaissance waren die Maler neben der Fertigstellung der Arbeiten für die schwierigsten Teile verantwortlich, die Gesichter und Hände. Und genau das ist die Frage dieses Textes. Wenn sich Kunst in Richtung Werbung bewegt; In der Vergangenheit hatten Agenturen einige Genies, die Schlagworte kreierten. Slogans und idealisierte die Kampagnen, während es sich heute um Megakonzerne handelt, die im Einklang arbeiten, aber nicht mehr von einem Werbetreibenden unterstützt werden.
Für die meisten ist es so, als würde ein Fußballer nicht selbst spielen oder einen anderen zum Spielen bringen oder eine Mannschaft zusammenstellen. Oder unsere Reaktion auf die Entdeckung, dass James Bond, die drei Musketiere und der Graf von Monte Cristo von geschrieben wurden Ghostwriter. In diesem Fall hat der Autor des Buches die Idee und die Ghostwriter übersetzt diese Idee in ein vollständiges Werk, normalerweise mit einer Vertraulichkeitsklausel. In der Musik ist es auch üblich Ghostwriting.
Die vorherrschende Idee von Kunst und Künstler entstand aus dem 1550 verfassten Buch 'A Vida dos Artistas' von Giorgio Vasari, in dem vorgeschlagen wurde, dass das Kunstwerk der vollständige Ausdruck eines einzigen Geistes und einer Hand ist. Obwohl ich nicht die Verdienste nehme und erkenne, dass die fertigen Werke von Künstlern wie Jeff Koons beeindruckend sind, male ich in meiner Freizeit Kettenrauchen und alles andere bin ich ein Fan der romantischen Sicht der Kunst. Denn die Tendenz der Dinge, zu große Dimensionen anzunehmen und zu verzerren, ist sehr hoch. Lassen Sie uns Künstler, Künstler und Werbetreibende, Werbetreibende ...
Existiert Kunst ohne Kontemplator?
Die Frage hat mich durch die Synapsen und die seltenen Momente geführt, in denen ich nichts getan habe. Was ist ein Museum mit Wänden voller Kunstwerke, die in die absoluteste Leere getaucht sind? Es gibt keine gemächlichen Schritte, flüstert über den Eindruck, der durch dieses Bild verursacht wird, wünscht sich, diese Arbeit zu Hause zu haben oder der letzte zu sein, der auf der Welt ausgewählt wird, der Ansturm von Kindern. Was sind die Werke, die in der perfektesten Ausstellung installiert sind, millimetergenau platziert, um den Wunsch zu befriedigen, den unser Gehirn nach Symmetrie empfindet?
Eines Tages greift eine andere Frage ineinander, die mich als Kind angestiftet hat: Wenn ein Baum fällt und niemand in der Nähe ist, wird es dann Lärm geben?
In Google-Zeiten ist es unmöglich, die Verstecke unmöglicher Fragen aus anderen Zeiten nicht zu finden. Die Antwort ist nein! Schall existiert nicht, weil er nur eine Empfindung ist, eine Wahrnehmung von Schallschwingungen. Wenn also ein Baum fällt, erzeugt er kein Geräusch, sondern Schallschwingungen in der atmosphärischen Luft, die beim Erreichen unserer Ohren zu Geräuschen werden. Auch Gerüche sind „nur Geruchsmoleküle in der Luft, die die dekodierten Geruchsrezeptoren im Kortex aktivieren können“.
Und Kunst ist Emotion. Ohne ihren Betrachter gehen Emotionen verloren, Kunst existiert nicht.
Die Luft ist durchdrungen von allem, was Kunst hervorbringen kann, wie Freude, Empörung, Wut, Stärke. Kurz gesagt, es ist eine transzendentale Energie, die mit Geschick zu unserem tiefsten Unbewussten wandert. Ohne ihre Betrachterin geht jedoch alles verloren, Kunst existiert nicht.
Und Kunst beinhaltet einen Prozess, der Energie vom Schöpfer verschwendet hat und der einen Austausch zwischen ihm und denen herstellt, die darüber nachdenken. Kunst ist eine Erleichterung in dieser Welt der Gräueltaten und des verschärften Konsums, sie transformiert und erweitert das Bewusstsein. Ohne ihre Betrachterin geht jedoch alles verloren, Kunst existiert nicht.
Und die betrachtete Kunst ist eine Form des Gebets, eine große Freude, eine Verbindung mit dem Universum. Wenn Menschen - immer weiter entfernt und mehr mit sich selbst verbunden - anfangen, über Kunst nachzudenken, entsteht eine Art Verbindung zwischen ihnen, die sie durch eine Art einfachere Kommunikation näher bringt. Ohne ihre Betrachterin geht jedoch alles verloren, Kunst existiert nicht.
Ernest Fischer sagte, dass die Funktion der Kunst nicht darin besteht, durch offene Türen zu gehen, sondern geschlossene Türen zu öffnen. Ohne ihren Betrachter öffnet sie jedoch die Türen und findet das Haus leer.
Subjektivität in der Kunst und wie man Objektivität in ihrer Bewertung erhält.
Ich habe darüber nachgedacht, was ich in diesem ersten Artikel im SmartGallery-Blog schreiben soll, und einige Ideen sind aufgetaucht. Von der Gründung einer Kunstsammlung bis zur Analyse der Faktoren, die die Preisgestaltung beeinflussen. Auf der Suche wanderte ich zur Unterscheidung zwischen Preis und Wert, einem alten Schlagwort, das Oscar Wilde vorschrieb. Am Ende entschied ich mich für die Subjektivität der Kunst und wie man Objektivität bei ihrer Bewertung erreicht.
Kunst ist eine menschliche Wissenschaft im Allgemeinen, aber nicht unbedingt subjektiv. In der Forschung habe ich mehrere Interpretationen gesammelt. Von einem auf Hyperrealismus spezialisierten Galeristen, der argumentiert, dass die Leute Basquiat nicht kaufen, weil sie das mögen, was sie sehen, und dass alles eine große Verzerrung ist, selbst der Kritiker Jerry Saltz, der die Neuerfindung von Fähigkeiten befürwortet und nicht auf die Perfektion von achtet technisch. Saltz argumentiert, dass die größten zeitgenössischen Künstler von heute Autodidakt sind und dass gute Kunst sich auf den Kontext und die zeitlosen Bedingungen des Künstlers bezieht. Eine weitere seiner interessanten Beobachtungen ist, dass wir in der Welt von Wikipedia leben und dass es eine offene Kunstwelt wäre. Beobachtung, die im Gegensatz zum Stereotyp der geschlossenen und exklusiven Kunstwelt steht, tatsächlich eine realistischere Interpretation. Kunst und ihre Werkzeuge sowie ihre Verbreitung sind für ihre Produzenten zugänglicher, aber Waltz selbst argumentiert, dass 75 Künstler große internationale Auktionen und führende Galerien dominieren.
Die Subjektivität der Kunst ist mit der Bewertung und Preisgestaltung von Werken nach dem Prinzip der hedonistischen Preisgestaltung von Kunst verbunden: Hier diskutieren wir die Freude oder Befriedigung, die der Mensch für das Werk empfindet, sowie seine ästhetischen Eigenschaften, ein wichtiger Faktor Preis bezahlt. Im Gegensatz zu den historischen Serien, die die offensichtliche und übliche Art sind, die Werke der großen Meister zu bewerten.
Traditionelle Wirtschaftsfaktoren beeinflussen auch die Preise, aber es gibt eine Wissenschaft namens Kunstökonomie, die nur wenige kennen und die einige interessante Konzepte hat. Zum Beispiel ist bekannt, dass die Mehrheit der etablierten Künstler mit zunehmendem Alter einen Wert von 5% pro Jahr hat. Andere, weiterverkaufte Werke, die auf einer Auktion erscheinen, werden häufig bei jedem Verkauf abgewertet. Hier die Frage von Angebot und Nachfrage, wenn es immer zum Verkauf steht, beeilen sich Sammler nicht zu erwerben. Eine weitere Kuriosität ist, dass der frühere Eigentümer des Werks seinen Preis stark beeinflusst und Werke, die von den Künstlern als Geschenk gegeben werden, vom Markt als weniger wertvoll angesehen werden. Markt von Saltz als "smart" definiert.
In der Kunstökonomie werden Kunstbewegungen von uns akzeptiert, aber wir stellen nie in Frage, wie ihre Hierarchie funktioniert. Und laut Wissenschaftlern funktioniert es wie folgt: Es gibt die Gründer der Bewegung, die den Stil erfunden haben, und die Anhänger, die weniger bekannte Künstler sind, sich aber der Bewegung angeschlossen haben. In Bezug auf Uhrwerke und sogar die großen Meister ist jeder am besten für einige Gemeinsamkeiten in seinen Hauptwerken bekannt, Dali mit Uhren und seine Frau, Klimt für erotische Frauen, und dies wäre die zweite Variable, die erste ist ihr Hauptstil. Offensichtlich sind die wertvollsten Werke dieser Künstler die ihrer bekanntesten Stile und Objekte.
Jetzt konzentrieren wir uns auf lokale Märkte, die von Wissenschaftlern als wettbewerbsfähig und mit unbegrenztem Angebot definiert werden, aber für uns, die wir eine Kunstsammlung anstreben, von größerem Interesse sind. Es gibt einige wichtige objektive Faktoren, um das Potenzial für die Bewertung von Kunst unabhängig von der hedonistischen Bewertung zu messen. Erstens schätzen sich Künstler, die im Ausland leben und / oder internationale Erfahrung haben, eher. Zurück zu Saltz 'Wikipedia: Die Anzahl der Suchergebnisse bei Google nach dem Namen des Künstlers ist ein objektives Problem bei der Messung der Verbreitung und Bekanntheit seiner Arbeit, auch in Bezug auf das Wertschätzungspotential. Unter Bezugnahme auf einen interessanten Artikel der New York Times, in dem der Beruf des Künstlers und seine Stereotypen erörtert werden, widmet der Künstler seiner Arbeit in den meisten Fällen Zeit und Leben und muss bezahlt werden. Für welchen Betrag? Da liegt es an uns, dem intelligenten Markt.
Wang Long Sheng （（Chinese, geb. 1944）
Wang Long Sheng（（Chinesisch, geb. 1944）
An der Küste von Valencia, 1898, Joaquín Sorolla
An der Küste von Valencia, 1898, Joaquín Sorolla
Medium: Öl, Leinwand
https://www.wikiart.org/en/joaqu-n-sorolla/on-the-coast-of-valencia-1898
Petworth, der Salon, 1828, William Turner
Petworth, der Salon, Bodycolor auf blauem Papier, 1828, William Turner
Medium: Aquarell, Papier
